Материалы для живописи

КУРСОВАЯ РАБОТА

ПО СПЕЦ ЖИВОПИСИ

НАЗВАНИЕ:

ОБНАЖЕННАЯ МОДЕЛЬ

ЗАЧАРОВАННОСЬ

Подготовила студентка 520гр МДИ:

Гефеле Вероника

РУКОВОДИТЕЛЬ: МАСЛОВ В. И.

ОМСК – 2011

ОГЛАВЛЕНИЕ

1. Тема, идея курсовой работы. Выбор материала

2. Основные этапы работы

3. Композиционный поиск

4. Материалы и техники, используемые в живописи

5. Заключение

6. Список литературы

7. Приложения

1. Выбор темы. Идея.

Искусство живописи - удивительный процесс создания иллюзии видимого мира, основанном на реалистическом изображении. Важность спец. живописи, как основы изобразительного искусства не нуждается в дополнительном пояснении. Ей отводится особая роль в обучении так же как и академической живописи в системе профессионального образования и подготовки специалистов монументально-декоративной специальности. Спец. живопись занимает очень важное место.

Искусство живописи представляет собой единый художественно-творческий и учебно-познавательный процесс, который позволяет развить наблюдательность, воображение, фантазию, координацию руки глаза, кроме того, приобрести особое видение мира и утонченность восприятия, а также теоретические знания и практические навыки в этой области. Трудно представить себе творческую личность, не обладающую этими качествами.

Работа акрилом помогает придать работе лаконичность, вместе с тем дает тонкие цветовые нюансы. Изначально, приступая к работе, я намечаю себе конечную цель - максимально достичь легкости, загадочности и романтичности образа. Образ не должен был нести нагрузку в детальном построении фигуры

Зачарованность

В моей курсовой работе образ обнаженных фигур пропитан символизмом. Перед нами предстают не конкретные личности, но образы нежности, юности, зачарованности.

Для моей работы характерны обобщенные формы, лаконичность, а так же тепло-холодный колорит. Иногда фигура растворяется в окружающей среде, иногла наоборот отчетливо проступает. Лаконичность, обобщенность форм достигается при помощи широкого мазка, игры света и тени и ограниченного колорита.

Это живописные вариации на тему юности, робости, созерцания. Женские образы погружены в себя. Здесь не диалога со зрителем, скорее это монолог, сон или фантазия. Юные дивы как-будто растворяются в своих мечтах, они погружены в дрему. Они находятся в зачарованном мире.

Динамика в работе осуществляется при помощи локальныз,насыщенных цветовых пятен. Смешанная техника помогает мне сделать работу более интересной для зрителя.

Выбор техники

Материал, в котором я работала – акрил, гуашь, темпера. Работа выполнена на картоне, что придает работе контраст и особое звучаение красок. Акрил дает напряженный тон, позволяет поработать с формой, поиграть с фактурой и свето-теневой моделировкой, намеренно кое-где просвечивает подмалевок, что позволяет лепить форму на свету,соответственно получается лучше передать характер и идею, что в данном случае очень важно.

Определение живописи. Живопись – воспроизведение при помощи красок «видимой реальности». Если в этом процессе участвует разум, получится произведение низшего жанра, именуемое «декоративным искусством». Если участвуют идеи – получится картина, относящаяся к низшему жанру, именуемому «литературной живописью». Вывод: подлинной живописью является та живопись, в создании которой участвует только действительность.

ЖИВОПИСЬ- один из видов изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-нибудь поверхность. Классификация живописи может быть различна. Исходя из практических целей, различают монументально-декоративную живопись, станковую, декорационную, иконопись, миниатюру и др.Выделяют также различные жанры живописи: батальный, бытовой, исторический, натюрморт, пейзаж, портрет и др.Можно выделить виды живописной техники по характеристике красочных материалов: масляная живопись, водяная живопись, темпера, восковая живопись, акварель, гуашь, тушь и др. В каждой из техник живописи сложились свои приемы.

ЖИВОПИСЬ, вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность. Живопись - важное средство художественного отражения и истолкования действительности, воздействия на мысли и чувства зрителей. Идейный замысел произведений живописи конкретизируется в теме и сюжете и воплощается с помощью композиции, рисунка и цвета (колорита). Используются монохромная живопись (одним цветовым тоном или оттенками одного тона) и система взаимосвязанных цветовых тонов (красочная гамма), неизменяемый локальный цвет и изменения цвета (полутона, переходы, оттенки), показывающие различия в освещении предметов и в их положении в пространстве, рефлексы, показывающие взаимодействие различно окрашенных предметов; общий живописный тон позволяет изобразить предметы в единстве с окружающей средой, валеры образуют тончайшие градации тона; на непосредственном изучении натуры основано воспроизведение естественного освещения и воздушной среды (пленэр). Выразительность живописи определяется и характером мазка, обработкой красочной поверхности (фактура). Передача объема и пространства связана с линейной и воздушной перспективой, светотеневой моделировкой, использованием тональных градаций и пространственных качеств теплых и холодных цветов. Живопись может быть однослойной (алла прима) и многослойной, имеющей подмалевок и лессировки. Жанры живописи: исторический, бытовой, батальный, портрет, пейзаж, натюрморт и др. Различаются монументально-декоративная живопись (стенные росписи, плафоны, панно), станковая живопись (картина), декорационная живопись (театральные и кинодекорации), декоративная роспись предметов обихода, иконопись, миниатюра (иллюстрирование рукописей, портрет), диорама и панорама. Основные технические разновидности - масляная живопись, живопись водяными красками по штукатурке - сырой (фреска) и сухой (а секко), темпера, клеевая живопись, восковая живопись, эмаль, живопись керамическая, силикатными, синтетическими красками, мозаика, витраж; акварель, гуашь, пастель, тушь часто также служат для исполнения живописных произведений

2. Основные этапы работы.

На разных этапах истории развития культуры философская мысль по-разному определяла роль и место человека в системе мироздания. Соответственно и художники по-разному подходили к его изображению.

Современное отношение к реалистическому изображению человека ведет свое начало от идей эпохи Возрождении, когда идеалом считалось гармоничное соединение красоты физической и духовной. Это положение было выработано под влиянием древнегреческой философии и искусства, получивших в то время распространение.

Название «эпоха Возрождения» потому и принято, что художники в прямом смысле возродили отношение к человеку и его красоте, свойственное античности. И творения, созданные этими великими мастерами, являются образцами, на которых учились и еще будут учиться художники.

Каким образом этим мастерам удавалось достигнуть такого совершенства? У древних греков они учились наблюдать природу и прежде всего правильно мыслить. Великий Леонардо да Винчи писал по этому поводу в трактате о живописи: «Жалок тот мастер, произведение которого опережает его суждение; тот мастер продвигается к совершенству искусства, произведения которого превзойдены суждением». Современная стройная система рисования, овладение которой является лучшей школой художника, как раз исходит из этих принципов.

Первое правило для начинающего художника, перед которым стоит обнаженная человеческая фигура, - не бросаться сразу к листу бумаги и не начинать рисовать поспешно, не определив, какая задача перед ним поставлена. Учебный рисунок- это, прежде всего анализ и изучение формы. Когда художнику требуется добиться портретного сходства, он специально обращает внимание на индивидуальный характер модели и старается его передать. Если же задача состоит в том, чтобы изучить форму, то характерные признаки, индивидуальные особенности отходят на второй план. Самыми важными становятся пропорции, соотношения объемов, переходов поверхностей, а так же обозначение тех внутренних сил, которые проявляются в изменении формы, даже если человек находится в статичной позе. В таком случае нас уже не будут так интересовать, например, окраска волос и кожи модели, как они интересуют художника, который стремится передать живописный, цветовой эффект.

Художник, приступая у рисованию человеческого тела, непременно должен изучать пластическую анатомию. Однако применять в рисунке свои знания анатомии следует умело, иначе может получиться не человеческое тело, а, как говорил Леонардо да Винчи, «мешок с орехами» или «пучок редиски». В рисунке ход от меньшего к большему напряжению ( и обратно) создает внутреннее движение, которое надо суметь увидеть в статичной форме. Тогда это и будет изображение живого тела.

Форма живет в пространстве. Каким образом изображение на плоской поверхности можно заставить жить в трех измерениях? Пространство само по себе изобразить нельзя. Можно определить его формами, направляя их не только слева направо и снизу вверх, но и в глубину. Научиться этому трудно, в конечном счете профессиональную зрелость художника можно оценивать по тому, как он овладеет изобразительным пространством. Приступая к рисованию постановки, можно по-разному подойти к решению этой задачи. Например, очертить на своем листе, рамку и считать ее окном, за которым находится модель. Тогда следует рисовать все, что схватывает глаз в пределах «окна» помимо модели- подиум, стену, часть интерьера. В этом случае получается воспроизведение реального пространства, в котором стоит фигура. Есть и другой подход. Можно абстрагироваться от реального пространства, модель как бы изъять из него, не изображая никакого фона. Тогда лист бумаги как бы прогнется в середине и сам станет фоном модели. В то время как края его останутся на поверхности изобразительной плоскости. Такой способ пространственного рисования позволяет больше сосредоточиться на фигуре, не отвлекаясь на изображение окружающих предметов.

Первый этап - определение основных пропорций. Набраю общие массы. Затем провожу горизонтальную линию, разделяющую модель пополам, и проверяю, в каком месте эта линия пересечет ее. Наметила основные линии построения. Еле видимым линиями построила как бы каркас будущей работы. Определил все точки схода, толщиной линий показала плановость в работе.

Этап второй.

Рассмотрение формы в пространстве. Я веду линейный рисунок – намечаю границы основных форм, учитывая направления их осей. Рисунок уточняется постепенно. В процессе рисования решаются такие вопросы:

- где находится центр тяжести фигуры и как расположение форм позволяет телу удерживать равновесие;

- как располагаются оси основных форм относительно друг друга и глаза художника;

- какая точка поверхности тела находится к нам ближе всего и какая наиболее удалена.

Кое-где вводится тон в работе, намечаются тени и светотени.

Этап третий. Этап светотеневой деталировки. О свете можно сказать то же, что и о пространстве: его как таковой изобразить нельзя. Надо изображать формы, освещенность которых определяет источник и силу света. Освещенность тела помогает прочувствовать объем его частей и их расположение относительно друг друга. Линией мы определяем границы форм, светотенью- переходы их поверхностей. Уточняются самые темные и светлые места в работе.

Посмотрев внимательно на модель и отметив, как тело расположено относительно источника света, я мысленно провожу по объемной форме линию, разграничивающую область, освещенную прямым светом, и область, куда прямой световой луч не попадает. На своем линейном рисунке легким штрихом, пока не обращая внимания на внутреннюю моделировку, я закрыл всю область тени. Это необходимо для того, чтобы сразу почувствовать большой объем. Затем я взял самую большую темную тень как точку отсчета, чтобы знать, какой шкалой тона я располагаю. Идти надо от темного к светлому, так как, если поступать наоборот и обращать внимание на блики, есть опасность перечернить легкие тени в освещенных частях, и тогда не средств для изображения самого темного.

Рефлекс- свет, отраженный от других освещенных предметов, и он часто мешает передать цельность формы. Для того чтобы оценить значимость какой-нибудь легкой тени или светлого пятна по отношению к целому, нужно отвести взгляд немного в сторону и посмотреть на модель боковым зрением.

Единого рецепта для рисования дать нельзя. Нельзя предусмотреть все проблемы, встающие перед художником в ходе работы, да в этом и нет необходимости. Научить художника – значит дать ему в руки метод, применяя который он сможет сам осмысливать и разрешить любые задачи.

Рисование человеческой фигуры с натуры – это очень важная ступень в обучении художника, которое длится всю жизнь. Такая работа учит прежде всего смотреть и видеть, думать, анализировать форму, осваивать законы построения и пластической жизни человеческого тела. На основании всего этого можно перейти к самому сложному – к изображению человека без натуры, по воображению. Знание натуры дает художнику возможность воспроизводить то, что он видит своим внутренним зрением. Потому так прекрасен обнаженный человек в картинах великих мастеров, что он является не изображением конкретного натурщика, а воплощением представления художника о прекрасном человеке на основании изученных им многих моделей.

3. Композиционный поиск

Любой рисунок начинается с композиционного размещения изображений на листе бумаги. От того, как скомпоновано то или иное изображение, во многом зависит общее впечатление от рисунка.

Одним из главных требований в учебном рисунке является умение правильно размещать изображения предметов на листе бумаги.

«Композиция» в переводе с латинского compositio обозначает сочинение, составление, расположение.

Сочетание отдельных частей, сложение элементов в определенном порядке, их взаимосвязь, переходящую в гармонию целого, мы наблюдаем в растительном и животном мире. Например, каждое растение состоит из частей, вместе они образуют форму, которая представляет собой некое гармоническое целое.

Композиционные начала (целостность, симметрия, ритм), присущие миру природы, в искусстве присутствуют в особом, специфическом виде.

Говоря об определении понятия «композиция» следует отметить, что в различных видах искусства оно имеет свое специфическое содержание и различную степень разработанности. В музыке это понятие вполне определено. Однако, как считают некоторые специалисты, определение композиции как общего плана музыкального произведения, как его деления на крупные части слишком формально и его необходимо дополнить формами, строящими связи между частями.

Главной задачей композиции в учебном рисунке является умение размещать предметы и их части так, чтобы создать единое гармонической выразительное целое.

При решении композиционных задач нельзя пренебрегать такими понятиями, как масштаб, пропорции, соразмерность, равновесие, тема, сюжет, образ, тон, форма, объем, конструкция, пространство(перспектива), симметрия, контраст, ритм, разумеется, выразительность и гармония.

4. Материалы и техники, используемые в живописи

Основа для живописи - это любой физически существующий материал или поверхность, на которую наносятся краски: металл, дерево, ткань, бумага, кирпич, камень, пластик, веленевая бумага (тонкий пергамент, восковка, калька), пергамент, штукатурка, стекло. Однако лишь немногие из них представляют собой традиционные основы для масляной живописи; делятся они на две группы: эластичные (гибкие) основы, к которым относятся холст и бумага, и жесткие, объединяющие дерево, листовой фиброкартон, древесноволокнистую плиту, холст на картоне (доске) и металл.

Наиболее популярной и широко используемой основой является холст. Однако статус холста как стандартной основы для живописи относительно молод. Древние художники предпочитали работать в энкаустике на деревянных основах, а в средние века эта практика дала толчок развитию и использованию яичной темперы на досках - первичной и важнейшей формы станковой живописи того времени. В ХV веке на начальных стадиях эволюции живопись маслом существовала как способ доработки или - завершающей стадии темперной технологии: основное внимание было по-прежнему сконцентрировано на небольших вещах с тщательной деталировкой. Такие картины фламандские художники, например, предпочитали писать маслом на грунтованных деревянных досках.

В тот период наиболее популярным материалом было дерево - дуб или береза в Северной Европе, тополь - в Италии. Металл - главным образом медь (второй по популярности материал) - использовался реже. Живопись на досках, как правило, предназначалась для коллекционеров или в качестве фрагментов декора культовой архитектуры, поэтому картины были небольшими.

В настоящее время многие художники работают на эластичных основах. Тем не менее, живопись на досках имеет своих приверженцев, и этот выбор представляет уникальные эстетические возможности.

Приводим краткое описание основ, используемых сегодня в живописи маслом наиболее часто.

Льняные основы. Холст тесно связан с химией масляных красок. Льняное полотно изготавливается из волокон растения Linum usitatissimum - того самого, чьи семена применяются в производстве сырого льняного масла. Для изготовления полотна растение собирают целиком (включая и корни) в период наивысшей степени созревания, далее его оставляют для перепревания в течение трех недель. Затем из этого материала прядется прочная нить, из которой и ткется холст.

Что же делает льняное полотно привлекательным? Это - его прочность и главным образом красота. По сравнению с другими тканями, льняное полотно не обладает механически правильным и ровным тканым рисунком, благодаря особенностям плетения нити. Лен всегда проступает "живой" фактурой сквозь нанесенные слои краски. Эта органичная красота наиболее четко проявляется при использовании льняного полотна стандартной и более грубых разновидностей фактуры; однако холст даже более мелкий тонкий - так называемого "портретного" качества, обнаруживает изысканную неровность и шероховатость поверхности ткани.

Важно помнить, что масляная живопись ранних периодов выполнялась тонкими слоями красок - в сравнении с более пастозной фактурой, характерной современному искусству. Краска наносилась лессировками, поэтому ее целостный слой оставался относительно прозрачным. Следовательно, фактура льняного холста становилась одним из решающих факторов, определяющих характер завершенной работы. "Неправильность" рисунка ткани и встречающиеся кое-где узелки и шероховатости наполняли лессировки искрящимся светом.

Многообразие фактур художественного льняного полотна определяется количеством нитей на дюйм. Льняной холст средней фактуры содержит приблизительно 79 нитей на дюйм; холст гладкой фактуры - так называемого "портретного" качества - содержит от 90 нитей и более. Льняное полотно может быть как одиночного (SW), так и двойного (DW) переплетения. Полотно двойного переплетения горазда прочнее, тяжелее, плотнее и, конечно же, дороже по сравнению с полотном одиночного переплетения. Оно более приемлемо для крупных живописных произведений.

Хлопок. Хлопчатник в качестве основы представляет собой современную альтернативу льну. Он впервые начал использоваться в художественных целях в 30-х гг. ХХ в., и с тех пор его популярность многократно возросла, особенно в США, где собственно и производиться основная его часть.

В отличие от льняного хлопчатобумажный холст не занял столь престижной позиции, мало того, он получил негативные отзывы в печати. Некоторые авторы даже сочли хлопчатобумажный холст абсолютно непригодным в качестве основы. Подобный взгляд нельзя назвать полностью справедливым, поскольку хлопок обладает определенными преимуществами. Это прочный и недорогой материал. Так же, как и лен, он имеет в структуре ту же молекулу целлюлозы. По сравнению с льняной нить хлопчатника несколько тоньше и значительно ровнее, что сказывается на фактурном рисунке ткани. Поэтому в сравнении с льняным холстом хлопок не обладает столь же интересной поверхностью. С другой стороны, ткань из хлопка более устойчива, чем лен, который имеет тенденцию к расширению и сжатию в зависимости от влажности, вызывая тем самым появление характерных "волн" вдоль границ холста.

Одна из причин невысокой популярности хлопка заключается в том, что большинство имеющихся в продаже художественных хлопчатобумажных основ фактически являются слишком тонкими - в особенности те, которые натягиваются в заводских условиях. Высококачественный холст из хлопка должен быть достаточно тяжелым 340 - 430 г на квадратный метр. Хлопчатобумажный холст - соответствующим образом подготовленный, проклеенный и загрунтованный - превосходная основа для серьезной живописи маслом. "Ровная" или "правильная" фактура не является главным фактором, если краска наносится густым пастозным слоем.

Если вы хотите использовать хлопок в качестве основы для живописи, приобретайте его в художественных салонах, а не в магазинах тканей. Хлопчатобумажная материя, купленная в магазинах тканей и предназначенная, как правило, для изготовления одежды, занавесей и других предметов, обрабатывается специальными смолами, которые уменьшают образование морщинок и складок. Различные градации хлопчатобумажного полотна, предлагаемого художественными салонами - обычно называемые "cotton duck" - производятся специально для художников. Это чистый, необработанный материал; он не подвергается воздействию химикатов, которые в противном случае могут вступать в конфликт с органическим или акриловым проклеивателем.

Сложный полиэстер. Синтетическая ткань, созданная в ХХ веке, во многих отношениях превосходит как льняные, так и хлопчатобумажные холсты. Сложный полиэстер - прочный и весьма стойкий материал. Он более стабилен в отношении размеров, чем лен и менее чувствителен к кислотному воздействию масляных красок. Он не подвержен гниению, не имеет тенденции к расширению или сжатию в зависимости от влажности среды, в которой находится. На сложнополиэстерной основе могут использоваться те же грунтовки и клеевые растворы, применяемые с льняным или хлопчатобумажным полотнами. Одной из основных характеристик сложного полиэстера является полное отсутствие фактуры. Это совершенно гладкий материал. Сторонники сложного полиэстера - такие, как австралийский производитель красок Archival - настоятельно рекомендуют сложный полиэстер в качестве основы для живописи. В своей убежденности фирма не одинока; но, тем не менее, сложный полиэстер не пользуется пока особой популярностью. Да и на рынки художественных материалов он еще полностью не вышел.

Джут (мешковина). Джут изготавливается из конопли - материала, из которого производят крепкие веревки и канаты. Холст из этого прочного натурального волокна обладает однородным тканым рисунком с ярко выраженной фактурой. Она заметно доминирует над другими элементами живописи. Это идеальная основа для работы в стиле энергичного и пастозного нанесения красок. Просветы между нитями джутового холста широкие, поэтому грунтовать его приходится иногда дважды.

Бумага. Бумага - довольно интересная мягкая основа: она разнообразна, удобна в работе и привлекательна. Бумага обладает той непосредственностью и степенью интимности, которых художники не в состоянии обнаружить у других, более привычных основ. Благодаря свойственной бумаге способности к абсорбции, краски на ней высыхают быстрее и становятся матовыми. Многообразие фактур бумаги делают ее еще более привлекательной для живописцев.

Однако, как правило, бумага не рекомендуется для серьезной масляной живописи, поскольку считается не прочной. Это, безусловно, верное замечание. Но, тем не менее, работы небольших размеров не бумажной основе могут производить хорошее впечатление. Конечно, при использовании бумаги необходимо соблюдать элементарные меры предосторожности. Выбирайте только высококачественные сорта художественной бумаги. Пользуйтесь лишь 100% ветошной бумагой без содержания кислот и обращайте внимание на ее плотность. Чем плотнее будет бумага, тем лучше. Ветошный (тряпичный) картон дает наилучшие результаты. Перед живописью на бумаге или картоне, их поверхность следует загрунтовать клеевым раствором. Проклеиватель на основе животного клея, нанесенный на необработанную бумагу, надежно защитит ее от кислотности высыхающей краски. Существует и другой способ защиты: покройте бумагу слоем разбавленного акрилового средства или грунтовки gesso. Бумага абсорбирует оба грунта, а содержащиеся в ней вода вызовет деформацию бумаги и образование на ее поверхности морщинок. Для того чтобы предотвратить этот эффект, можно прикрепить края бумаги к картону клейкой лентой или степлером. Или после высыхания клеевого раствора можно смочить обратную сторону бумаги и расположить ее под несколькими листами промокаемой бумаги под грузом. Есть и третья альтернатива: покройте бумагу тонким слоем шеллака, который растворяется спиртом, и таким образом не будет подвергаться воздействию разбавителей или масла. Кроме того, существуют специальные и предварительно проклеенные виды бумаги, предназначенные в качестве основ для масляной живописи. Проклеивание - это индивидуальный процесс, он не является обязательным, если во главу угла ставится забота о прочности бумаги, поскольку эпоксидная смола предохраняет ее от гниения. Этот вид картона применим практически в любой техники - энкаустике, пастельной, акриловой, гуашевой, темперной и особенно в масляной и алкидной живописи.

Доски из древесины твердых пород. В ранние периоды развития живописи художники писали на деревянных досках-панелях. Вспомните иконы, а также магические и религиозные запрестольные образы в церквях.

Опыт работы на деревянных основах значительно отличается от опыта работы на холсте. Живопись на досках, как правило, характеризуется малым форматом и более внушительной массой, по сравнению с холстом; она, определенно, создает ощущение прочности и весомости. Практически любой вид натуральной твердой древесины может стать основной для живописи - дуб, кедр, тополь, береза, грецкий орех или, например, красное дерево (сосна - менее пригодна, так как содержит много смол и обладает слабой водостойкостью). Очень важно, чтобы дерево было зрелым (выдержанным) и не содержало влаги; на доске не должно быть трещин. Ее толщина варьироваться в пределах от 2,5 и 0,5 см, при этом толщина от 1,5 и 0,7 см считается нормой. Если доска очень тонкая, высыхающая краска непременно деформирует ее. Доска приобретет выпуклую форму - наподобие бочарной клепки. Дерево может расширяться и сокращаться. Самое уязвимое свойство древесины в том, что она имеет тенденцию к деформации вновь выровнять ее крайне сложно. Преимущество более тонких красок в том, что их деформация легче корректируется при помощи укрепления задних стенок.

К сожалению, в настоящий момент доски из твердых пород древесины являются редким и дорогим материалом; впрочем, отличной основой подобного рода могут стать повторно используемые детали мебели. Если дубовая древесина старой школьной парты или двери не сгнила и не изъедена червем, она прекрасно подойдет как основа для живописи. Потребуется лишь немного работы рубанком и наждачной бумагой, пилой - для достижения необходимого формата. Большое количество живописных произведений конца XV в. выполнялись на переработанной древесине старых парусных судов.

Фанера (многослойная доска). Качественная фанера изготавливается из березы, красного дерева и тополя, древесина которых представляет собой гладкий и прочный материал. Одна сторона фанеры имеет грубую фактуру, а другая гладкую - эту сторону можно зачистить наждачной бумагой до превосходного состояния, подготовив ее для грунтовки клеевым раствором. Фанера обычно имеет толщину от 0,7 до 1,3 см. Если какой-либо из размеров превышает 45 см, ее, как показывает практика, следует укрепить деревянным каркасом.

Доска (оргалит). Это синтетический материал, изготовленный из смеси измельченных в опилки волокон древесины и клея. Смесь формируется, в результате чего образуется плоский лист. Masonite (оргалит) производится в диапазоне от темно-коричневого цвета до оттенка кофейного загара, имеет как специально обработанную (закаленную), так и необработанную поверхности. Обработанная сторона имеет значительную твердость и, возможно, перед грунтованием потребуется ее зачистка наждачной бумагой. Необработанная поверхность содержит больше волокон и характеризуется меньшей твердостью; поэтому, - из двух видов - именно такая поверхность наиболее подходит для живописи, благодаря способности абсорбировать.

Некоторые виды оргалита имеют очень гладкую, плоскую поверхность с одной стороны и напоминающую холст грубую фактуру с обратной. Но сторона с более грубой фактурой не сможет создать у зрителя впечатление, что перед ним находится ткань. Как правило, лучше пользоваться гладкой стороной. Существуют также листы оргалита, у которых обе стороны гладкие. Конечно, у этой основы отсутствует присущая дереву привлекательная фактура - текстура древесины; но ведь это свойство в любом случае будет утрачено после грунтовки доски даже из натурального дерева. Так ли уж важна природная красота древесины, если, в конечном счете, она будет скрыта под слоем грунтовки?

Masonite (оргалит) имеет и свои недостатки. Первая проблема при работе с ними - доска очень легко изгибается, но не в соответствии с направлением волокон, а подчиняясь силе тяжести. Это означает, что подвешенный под углом к стене кусок оргалита станет прогибаться по направлению к центру тяжести. Для предотвращения подобного эффекта лист следует вставить в раму плотно и совершенно прямо, или поместить его плоско в лежачем положении либо усилить заднюю сторону при помощи деревянных соединительных скоб. Деформированную деревянную раму очень сложно выровнять, поэтому для укрепления задней стороны доски используйте древесину хорошего качества и солидной выдержки.

Еще одна проблема, связанная с использованием оргалита, заключается в значительном весе листов крупного размера. Если вы действительно желаете работать в крупном формате, используйте вместо оргалита многослойную фанеру, так как последняя несколько легче.

Листы оргалита недороги и продаются практически повсюду. Кроме того, они очень прочны и долговечны - срок их хранения сравним со сроком хранения твердых пород древесины; это, безусловно, очень стойка и одна из лучших доступных жестких основ художественного качества.

Металл. Художники, как правило, выбирали медь. Однако есть и другие химически устойчивые металлы - такие, как железо, нержавеющая сталь, олово (белая жесть) и алюминий. Поскольку металл - тяжелый материал, выполненные на нем живописные работы традиционно отличаются небольшим размером. В наши дни художники могут использовать легкий металлический "строительный" материал, который безупречен для работы над крупноформатными произведениями - так называемый "honeycomd aluminum" или "сотовый алюминий" (пористой структуры). "Алюминиевые соты" представляют собой два тонких листа алюминия, расположенных поверх сердцевины из волокнистого (профилированного) алюминия, напоминая, таким образом, гофрированный картон. Он производится в крупных плоских листах различной толщины, легко поддается обработке и резке.

Важнейшее качество металла заключается в его гладкой, как стекло, поверхности. Он не изгибается и не деформируется в результате воздействия высыхающей краски. Однако перед началом работы металлическую основу следует очистить от ржавчины и покрыть ее грунтовкой для металла, которая отличается от других грунтовок тем, что слегка протравливает гладкую поверхность металла и обеспечивает надежное сцепление между ней и красками. Не будь слоя грунтовки, масляные краски не смогли бы закрепиться на поверхности металла.

Металлические основы можно приобрести в магазинах металлического оборудования и художественных салонах, предлагающих различное оборудование для печати, включая пластины для гравирования. Материалы для живописи

Материалы для живописи

Для каждого рода живописи (масляная, акварельная и т. д.) нужны особенные материалы, которые и перечислены в различных статьях (для акварельной живописи в ст. Живопись; для той же живописи и масляной см. Краски и т. п.). Вообще М. для живописи называются не только краски и жидкости для них, но и то, на чем картины пишутся, т. е. дерево, холст (о грунтовании холста см. Масляная живопись), бумага и проч. Необходимы для исполнения живописи кисти (см.), палитры, шпахтели или мольберты, муштабель и многое другое; все составляет в совокупности принадлежности для живописи, о чем см. в ст. Принадлежности для рисования и живописи. В прежнее время приготовление почти всех материалов и частью принадлежностей производилось при мастерской художника его учениками, которые занимались в продолжение нескольких лет практикой выбора сухих красок и масла, стиранием красок, грунтованием холста. Этот порядок вел к тому, что художник знал свойства своего материала. Ныне же фабриканты и рабочие снабжают мастерские художника всеми М., сберегая ему и деньги, и время, но художник, доверяя своим поставщикам, во всем зависит от них. В незнании художниками свойств красок, грунтованного холста, масел и других жидкостей лежит одна из причин в недолговечности современных произведений живописи сравнительно с произведениями эпохи Возрождения.

5. Заключение .

Человек и его образ в изобразительном искусстве остается главным объектом. Поэтому изучение и рисование человеческого тела является непременной составляющей художественного классического образования для художников, скульпторов, архитекторов и дизайнеров.

Изображение человеческого тела, как наиболее сложной и совершенной формы в живой природе, является одной из важнейших задач в учебной программе изобразительных школ разного уровня.

Однако человеческое тело по многим параметрам (внутренним, внешним) имеет чрезвычайно сложное строение и требует глубокого изучения. Поэтому студентам на этой ступени обучения для целенаправленной работы потребуются большие усилия воли, мобилизация всех имеющихся знаний и умений.

Главной в учебных занятиях является практическая работа с натуры. Для ее успешной реализации необходимы дополнительные сопутствующие знания и умения.

Это знание законов перспективы, пропорции, закономерностей строения тела, анатомических основ. Изучение основ пластической анатомии способствует пониманию логики строения формы головы, тела и всей фигуры в целом, позволяет понять механику движений, связь и взаимодействие отдельных частей тела.