Общие законы (принципы) композиции танца

Принцип – основное правило деятельности.

Композиция – это составление.

1. Внутреннее построение произведения, соотношение и организация частей.

2. Способ построения художественного произведения формы.

В целом композиция в искусстве выражает художественную идею и организует эстетическое восприятие, таким образом, что оно движется от одного компонента к другому, отчасти к целому.

Компонент - (с латинского языка – составная часть чего-либо)

Под композицией в хореографическом искусстве мы понимаем:

1. Сочинение короткого элемента танца, движения.

2. Сочинение композиции, как части танцевального номера.

3. Сочинение соло, вариации танцевального куска.

4. Сочинение законченного танцевального этюда.

5. Сочинение законченного танцевального номера с законченной драматургией.

Необходимыми компонентами композиции являются:

1. Танцевальный рисунок (расположение и перемещение исполнителей по сценической площадке, требование к балетмейстеру: уметь сочинять, конструировать и выстраивать рисунок танца с учётом образа, зрительского восприятия и сценического пространства).

2. Хореографическая лексика (танцевальные движения). Требование к балетмейстеру: уметь сочинять, развивать и сочетать различные танцевальные движения (элементы в единый хореографический текст).

I. Закон целостности

Благодаря нему мы воспринимаем произведение хореографического искусства как единое целое. Этот закон учитывает все компоненты композиции, а также оформление, исполнение, т.е. все выразительные средства вместе. В соединение всех этих компонентов, важную роль играет чувство меры и вкуса, которыми должен обладать балетмейстер:

- единство оформления, т.е. костюм и одежда сцены.

- соответствие хореографического материала и возраста участников.

- единство балетмейстерской работы и исполнения (техника и выразительность, качество музыкального звучания и сценический вид).

II. Закон контраста

Контраст (с французского языка резкое, выражение противоположность). Он является важной компонентной силой и с точки зрения построения, и с точки зрения творческого процесса создание хореографического образа. Закон контраста предусматривает резкую разницу и сочетание противоположности. Важно определить характер контраста в форме темпа ритма, рисунки, лексики. Отсутствие длиннот, повторов, т.е. постоянное развитие.

II. Закон новизны (новаторство)

При сочинении хореографической композиции всякий раз происходит эстетическое развитие и познание мира. Балетмейстер передаёт своё собственное эмоциональное ощущение, своё виденье окружающей действительности, через хореографические образы. Новизна раскрытия темы художественных средств композиционного решения, есть необходимое условие жизненности, оригинальности авторства хореографического номера. В постановочной работе балетмейстеру надо помнить об этом. И пытаться в полной мере раскрыть свои возможности творческого поиска новой единичной трактовки неповторимого хореографического образа.

III. Закон зрительского восприятия.

Учёт зрительского восприятия важен. Ведь именно зритель в конечном итоге оценивает насколько удачно или неудачным оказалось композиционное решение видимого им танца, именно на зрителя балетмейстер и композитор создают свою танцевальную композицию. При сочинении нужно представлять себя в зрительном зале. Видеть сцену и слушать звук. Воспитывать взгляд со стороны на себя же.

1.Когда балетмейстер слишком перегружает одну часть сцены, относительно средней линии у зрителя создаётся впечатление отталкивающего неравновесия. Рисунок хореографического произведения должен равномерно распределяться по сценической площадке, исключительно это сознательное создание такого распределения.

2.В силу условного рефлекса наши глаза оглядывают сцену слева направо. Относительно этого композиция в левой части сцены означает предварительность, взгляд как бы гонит её в левую часть сцены, поэтому композиция в правой части тяготит к окончательности. Пространство левой стороны сцены как бы давит на расположение справа композицию и тем делает её значимее, монументальнее. Движение человеческого глаза происходит быстрее слева направо и гораздо медленнее справа на лево, эти особенности восприятия нужно учитывать и использовать при создании хореографического образа, при выборе направления танцующих. От них зависит и динамика течения рисунков.

3.Всё, что находится, слева от центра сцены кажется ближе к зрителю, поэтому если нам нужно создать незаметное появления героя на сцене, то этого можно достичь выходом из правой верхней кулисы.

4.Изображения героя, группы исполнителей или просто начало движений привлекает наше внимание в зависимости от того где в данный момент находится точка восприятия, т.е. то, что наиболее полно видит зритель, то что бросается в глаза. Умение правильно определить точку восприятия и логически переводить взгляд зрителя по сцене с одной точки к другой даёт возможность правильного понимания развития танца и позволяет запомнить, яркие важные этапы драматургии. Это позволяет нам использовать приём ФОКУСА (появление, исчезновение) и т.д. Заставлять зрителя смотреть туда, куда нужно балетмейстеру. Однако часто случается обратное, например (мы не видим, что делают солисты, хотя они являются главными носителями содержания, так, как им мешает кордебалет, или наоборот кордебалет на заднем плане выполняет сложные и интересные комбинации, но зритель не может этого оценить, т. к. смотрит на солистов). То есть на сцене всегда есть что-то главное, а что-то второстепенное и зритель должен увидеть это главное и интересное.

5.Закон перспективы (всё, что дальше меньше) Например: построение линейной композиции, для сохранения равномерного роста исполнителей в глубину нужно ставить более высоких, или можно создать эффект уходящей дороги двумя линиями исходящими в центре задника.

6.Сценические планы. Сценическое пространство имеет 3 измерения: глубину, ширину, высоту.

По глубине сцена делится на сценические планы, которые определяются на кулисы, и зависит от их количества

а) аванс сцена (просцениум)

б) первый план (расстояние от красной линии до первой пары кулис).

Красная линия - это черта, по которой проходит занавес.

Просцениум и первый план воспринимаются почти одинаково, в случаи чего массовые танцы выглядят громоздко, здесь выдаются сценические фокусы, «убиваются» иллюзии, нужно убирать все силовые трюки, чтобы не выдавать «белых ниток» работы артиста, напряжения мимики. Слишком крупное движение на «носу» у зрителя утомляет восприятие.

в) второй план человек воспринимает здесь всё сразу. Здесь хорошо смотрятся массовые танцы, прыжки, трюки. Хорошо делать выходы, когда выход персонажа нам бросается в глаза. Этот план называют, ещё семенным именно здесь легче всего создаётся атмосфера жизни действия одновременно целой группой людей.

г) третий и четвёртый план сцены, чем дальше мы удаляем исполнителей от зрителей, тем незаметнее становятся физические усилия, мимика исполнителей не видна, но зато взгляд охватывает всю или большую часть сценического пространства. Поэтому задние планы хороши для больших монументальных композиций, масштабных мизансцен (статичное расположение на сцене). Эффектом удаления от зрителя достигается большая компактность композиций, а так же более чёткое вписывание фигур в декорации. Но долговременное пребывание на заднем плане размагничивает зрителя. Поэтому нужно использовать закон контраста и полноценно использовать различные планы.

По высоте сценическое пространства делится на 3 размера:

1. На полу (ниже человеческого роста- par terre);

2. На высоте человеческого роста;

3. Выше человеческого роста.

Приёмы использования сценического пространства

1. Изменение климата сцены (климат создают кулисы и задник)

2. Использование различных возвышений, перегородок, которые должны входить в предметную режиссуру и использоваться как можно правильнее

3. Использование декораций и различных бытовых предметов.

V.Закон драматургического построения произведения.

Драма (от греческого языка действие). Драматургия – это логическая последовательность в развитии действия, одно действие порождает другое и является причиной его появления. Согласно этому закону танец имеет начало, развитие и конец. Состоит из нескольких частей, каждое из которых имеет свою нагрузку - это развитие позволяет танцу смотреться с непрерывным, все нарастающим вниманием.

1 часть Экспозиция (от латинского языка изложение, описание). Это часть произведения предшествующая действию, вводит зрителя в образный мир танца. Экспозиция знакомит зрителя с действующими лицами, с их характерами, местом и временем действия. Становится понятнее жанр танца, или с помощью костюма, декорации, стиля и манеры исполнения можно создать образ эпохи, страны, времени ит.д. Длительность экспозиции зависит от той задачи, которую решает балетмейстер, может быть неторопливой или динамичной, но должна быть короче средней.

2 часть Завязка – начало действия (может быть началом возникновения конфликта). Зрителю должно быть интересно, что произойдёт дальше. Экспозиция и завязка должны вызывать интерес и захватывать внимание.

3 часть Развитие действия (вступление перед кульминацией). Самая большая основная часть, где развёртывается содержание, развивается сюжет, раскрываются характеры действующих лиц. Необходимо добиваться яркого, интересного развития. Число ступней может быть различным и зависит от объёма и содержания номера, каждая ступень может оказываться ложной кульминацией (3 ступени). Но каждая должна быть образной и помогать развитию действия.

4 часть Кульминация (от латинского языка вершина). В хореографии это наивысшая точка развития музыкально-хореографического действия. Здесь достигается наивысший накал в развитии содержания сюжета во взаимоотношениях героев. Композиционное решение в кульминации должно быть неожиданным и любопытным.

5 часть РазвязкаОна должна логически вытекать из всего танцевального действия. Она должна завершить мысль, образ, поставить ясную точку. Это идейно-нравственный итог, который зритель должен осознать в процессе постижения всего происходящего на сцене. Развязка должна быть короткой с сохранением, а затем снятием напряжения, которое было достигнуто в кульминации.