Искусство Испании XVI-XVII веков
В конце XV в. завершилась Реконкиста (война за освобождение Пиренейского полуострова от арабского владычества, длившаяся почти восемь веков) и образовалось единое Испанское королевство. В XVI в. активная военная политика, и прежде всего захват огромных территорий в недавно открытой Америке, превратила Испанию в одну из богатейших европейских монархий. Однако процветание длилось недолго — уже в конце столетия страна переживала экономический упадок, а в войнах с Англией XVI—XVII вв. она утратила господство на море.
Конец 16 — первая половина 17 века — период блестящего
расцвета испанской культуры, ознаменованный деятельностью Тирсо де Молина, Лопе де Вега, Сервантеса, автора бессмертного «Дон-Кихота» — подлинной энциклопедии народной жизни Испании 17 века. По пути реализма шло изобразительное искусство, и прежде всего живопись. Привязанность к правде, к национально-бытовому колориту сочеталась в произведениях живописи со страстными поисками прекрасного и возвышенного. В Испании подъем искусства наступает позднее, чем в передовых для того времени странах .
Католическая религия, игравшая большую роль в жизни Испании, оказывала сильное влияние на изобразительное искусство, на его тематику. В нем преобладали религиозные сюжеты, которые, однако, истолковывались художниками лишь в аспекте реальной жизни. Испанские художники, такие как Эль Греко, Хусепе Рибера, Франсиско Сурбаран, Диего Веласкес сумели передать такие черты национального характера, как сознание собственного достоинства, гордость, чувство чести, связанное с личными заслугами. Человек показывается большей частью в благородном, строгом и величавом аспекте.
состояло из могущественной аристократии, с одной стороны, и широких масс народа, крестьянства и плебейских элементов — с другой.
Живопись: Эль Греко, Сурбаран, Веласкес.
Глоссарий: реконкиста, бодегонес, инфанта.
Изобразительный ряд: Эль Греко - «Апостолы Петр и Павел», «Погребение графа Огргаса», «Толедо в грозу», портрет поэта О.Парависино; Сурбаран - «Святая Касильда», «Отрочество Марии», «Натюрморт с четырьмя сосудами»; Веласкес - «Трактирщик», «Менины», «Сдача Бреды», «Пряхи», портрет папы Иннокентия Х, «Инфанта Маргарита», «Венера с зеркалом».
Искусство Фландрии
В XVII в. художественные традиции нидерландского искусства продолжались во Фландрии и Голландии. На их основе сложились родственные, но самобытные фламандская и голландская школы живописи. Причиной такого разделения послужила драматическая история Нидерландов во второй половине XVI в. Северные провинции Нидерландов, завоевавшие в борьбе против испанского владычества независимость, образовали Голландскую буржуазную республику. Феодальное дворянство южных провинций Фландрии вместе с крупной буржуазией пошло на компромисс с испанской монархией — во Фландрии сохранялся испанский протекторат, господство католической церкви, феодальные порядки..Семнадцатый век был временем создания национальной х удожественной школы живописи Фландрии. Как и в Италии, господствующим направлением здесь стало барокко. Однако фламандское барокко во многом существенно отличается от итальянского, получают развитие реалистические черты.
Особенности художественной культуры Фландрии — жажда познавания мира, народность, жизнерадостность, торжественная праздничность — с наибольшей полнотой выразились в живописи. Фламандские живописцы, такие художники как Питер Пауль Рубенс, Антонис ван Дейк, Якоб Иорданс, Давид Тенирс Младший и другие, запечатлели в своих полотнах опоэтизированную чувственно-материальную красоту природы и образ цельного сильного человека, исполненного здоровья, неиссякаемой энергии. Задача украшения родовых замков, дворцов аристократии и богатого городского патрициата, а также католических храмов способствовала широкому распространению в живописи мощного декоративизма, основанного на колористических эффектах.
Фландрия — страна крестьянства — славилась возникшими еще в средневековье своеобразными формами народной праздничной культуры, в которой ярко проявлялся культ природы, стихийных могучих сил человека, связанных с прославлением плодородия. Массовые карнавальные действа, свадьбы, игры, празднества бобового короля были излюбленными в народе. Они порождали образы и темы, ставшие типичными для фламандской живописи 17 столетия, оттеснявшими религиозную живопись с ее догматическим католическим содержанием.
Глава фламандской школы живописи – Питер Пауль Рубенс. (1577—1640). В его творчестве ярко выражены и мощный реализм и национальный своеобразный вариант стиля барокко. Всесторонне одаренный, блестяще образованный, Рубенс рано созрел и выдвинулся как художник огромного творческого размаха, искренних порывов, смелых дерзаний, бурного темперамента. Прирожденный живописец-монументалист, оформитель театральных зрелищ, график, архитектор-декоратор, талантливый дипломат, владевший несколькими языками, ученый-гуманист, Рубенс пользовался почетом и славой при княжеских и королевских дворах Мантуи, Мадрида, Парижа, Лондона, писал огромные полотна, которых не знали нидерландцы в 16 веке. Монументальные алтарные композиции Рубенса органически включались в барочную пышность церковного интерьера, захватывали зрелищностью, интенсивностью стиля, напряженными ритмами («Снятие с креста», 1611—1614, Антверпен, Собор).Рубенс был большим мастером картин на мифологические и аллегорические темы. Традиционные образы народной фантазии давали ему повод для изображения героических чувств и подвигов. Подобно античным мастерам, Рубенс видел в человеке совершенное создание природы. Отсюда особый интерес художника к изображению живого человеческого тепа. Он ценил в нем не идеальную красоту, но полнокровную, с избытком жизненных сип. Рассказы о подвигах античных богов и героев — свободные импровизации Рубенса, посвященные
прославлению красоты жизни.Со второго десятилетия 17 века усиливается драматическая динамика композиций Рубенса- («Похищение дочерей Левкиппа»).Рубенс часто обращался к темам борьбы человека с природой, к сценам охоты: «Охота на кабана» , «Охота на львов» .Живописное дарование Рубенса достигло расцвета в 1620-е годы. Цвет стал основным выразителем эмоций, организующим началом композиций. Рубенс отказался от локального цвета, перешел к тональной многослойной живописи по белому или красному грунту, сочетал тщательность моделировки с легкой эскизностью («Персей и Андромеда», портрет камеристки инфанты Изабеллы, эскизы к циклу « Жизнь Марии Медичи»). С 1630-х годов начался поздний период художественной деятельности Рубенса- «Портрет Елены Фоурмен с детьми», «Шубка», «Крестьяне, возвращающиеся с полей» . В дальнейшем творчество Рубенса оказало огромное воздействие на развитие европейской живописи.
Антонис ван Дейк – ученик Рубенса , созатель типа блестящего аристократического, интеллектуального портрета. Последние десять лет проработал в Англии, оказал огромное влияние на дальнейшее развитие английской и европейской портретной живописи.
Якоб Иорданс – своеобразие творчества в трактовке мифологических тем в жаровом плане, его связи со старыми нидерландскими традициями реализма – «Праздник бобового короля», «Сатир в гостях у крестьянина».
Фламандский натюрморт. В 17 веке натюрморт утвердился как самостоятельный жанр. Фламандские «лавки живности» поражают шумной жизнерадостностью и праздничной декоративностью. Полотна, крупные по размерам, яркие по колориту украшали дворцы и замки знати.
Крупным мастером монументального декоративного натюрморта из даров природы и «охотничьих сцен» был друг Рубенса живописец Франс Снайдерс (Снейдерс) (1579—1657). Натюрморты художника Снайдерса — это сказочно-щедрое изобилие различной снеди. Сочные плоды, овощи, битая птица, олени, кабаны, морские и речные рыбы нагромождены горами на больших дубовых столах кладовых и лавок («Натюрморт с лебедем», Москва, Государственный музей изобразительного искусства имени А. С. Пушкина), заполняя все живописное пространство — предметы заслоняют друг друга, свисают со столов и надают на пол. Яркие контрастные краски, разнообразные фактуры выделяют их на нейтральном фоне, выявляют их декоративные качества. Выполненная Франсом Снайдерсом серия «лавок» для загородного охотничьего дворца архиепископа Триста в городе Брюгге (1620-е годы, Санкт-Петербург, Эрмитаж) ярко характеризует его творчество.
Наряду с монументальной живописью во Фландрии развивалась
станковая, сложившаяся на основе традиций нидерландской живописи 16 века. Ведущее место в ней занял бытовой жанр, в котором проявилось острокритическое отношение фламандских художников к окружающей жизни и официальному искусству, нашли также отражение интимные настроения и стороны жизни нидерландского народа.Наиболее демократическое направление фламандской живописи 17 века представляло творчество Адриана Браувера (Брауэр) (1605—1638), ученика Франса Хальса. Браувер писал небольшие картины, продолжая в них гротескно- юмористическую традицию жанровой живописи Питера Брейгеля. В отличие от Брейгеля — создателя широких панорам народной жизни, Браувер обратился к конкретным бытовым ситуациям и островыразительным индивидуальным характерам («В кабачке», «Драка за картами», «Спящий курильщик»).
Изобразительный ряд:Рубенс- «Похищение дочерей Левкиппа», «Снятие с креста», «Охота на львов», «Персей и Андромеда», портрет камеристки инфанты Изабеллы, эскизы цикла «Жизнь Марии Медичи», «Союз Земли и Воды», « Потрет Елены Фоурмен с детьми», «Шубка», «Крестьяне, возвращающиеся с полей»; Ван Дейк – «Семейный портрет», автопортрет, портрет Карла 1 в охотничьем костюме, портрет Томаса Чалонера; Якоп Иорданс - «Праздник бобового короля», «Сатир в гостях у крестьянина»; Снайдерс – «лавки»; Адриан Браувер - «Драка за картами», «Спящий курильщик».
Искусство Голландии
В 1581 г. жители Северных Нидерландов после многолетней войны за освобождение из-под власти Испании провозгласили независимую Республику Соединённых провинций. Среди них в хозяйственном и культурном отношении лидировала Голландия, поэтому так вскоре стали называть и всю страну, которая получила государственный статус в 1609 году после заключения перемирия с Испанией. В духовной жизни последовали значительные перемены. Государственной религией стал кальвинизм. Кальвинизм - течение в протестантизме. Назван по имени его основателя — французского богослова Жана Кальвина (1509-1564).
Правило в Голландии бюргерство – предприимчивое, расчетливое, практичное. Оно вкладывало капиталы в торговлю и судостроение, пролагало пути в далекие страны Азии и Америки и основывало там колонии. «Эта горсточка людей, – писал глава королевского совета Франции кардинал Ришелье, – владеющих клочком земли, состоящим из вод и выпасов, снабжает европейские народы большей частью нужных им товаров». Произведения искусства предназначались главным образом для общественных светских зданий и частных жилищ, их тематика, хотя и отражала протестантскую мораль, имела светский характер. Картины на библейские и античные сюжеты воспринимались как исторические. Истинным призванием голландских художников стала станковая живопись. Художников было много. Характерна для Голландии специализация художников по жанрам. В начале XVII столетия наиболее популярным в Голландии стал жанр портрета, национальная тема широко звучала в голландском пейзаже, в 1630-е годы оформился также крестьянский жанр. Одним из наиболее характерных жанров голландской живописи был натюрморт. К середине XVII века господствующее положение в голландской живописи занял бытовой жанр.
Живопись: Франс Хальс – основоположник реалисчтического портрета, смелый новатор, в поздних портретах достиг высокого психологизма. Рембрандт: этапы творческой биографии, значение творчества, достижения в жанрах живописи и графики. Бытовой жанр: Адриан ван Остаде, Герард Терборх,Габриэдь Метсю, Эммануэль де Витте, Питер де Хоох,- своеобразие жанра, разнообразие типов жанровых картин, высокое живописное мастерство, поэтизация повседневной жизни, - определяют роль голландского жанра в мировом искусстве.
Вермер Дельфтский: своеобразие художественного строя картин , передача световоздушной среды, изысканный колоризм, филигранная техника , выдающиеся достижения в пезажной живописи – черты определяющие уникальную роль Вермера в мировом искусстве.
Пейзажная живопись Голландии: Ян ван Гойен, Рейсдаль, М. Хоббема, - сложение принципов реалистического пейзажа, эмоциональная сила, глубокий драматизм, лиризм в творчестве голландских мастеров пейзажа.
Голландский натюрморт:Питер Клас, Виллем Хеда, Абрахам ван Бейерен, Виллем Кальф.
Изобразительный ряд: Франс Хальс (Халс) (около 1580—1666) - групповые портреты офицеров стрелковой роты святого Георгия, «Малле Баббе «Цыганка», «Портрете мужчины в черной одежде», «Портрет регентш приюта для престарелых»; Рембрандт (1606—1669) - «Жертвоприношение Авраама», «Автопортрет с Саскией на коленях», «Урок анатомии доктора Тюлпа», «Даная», «Давид и Ионафан», «Ночной дозор», «Синдики», «Портрет Яна Сикса», «Возвращение блудного сына»; Адриана ван Остаде - «Живописец в своей мастерской»; Ян Стен (1626/1627—1679)- «Гуляки»; Габриэля Метсю - «Бокал лимонада»; Герарда Терборх - “Урок музыки”, Эмануэль де – Витте – «Семейный портрет»; Питера де Хоох - «Хозяйка и служанка»; Гойен – « Замок на реке с лодками у причала», Поттер - «Коровы на пастбище»,Якоб ван Рейсдал «Еврейское кладбище», Мейндерт Хоббема (1638—1709) — «Аллея в Миддельхарнисе» ,Хеда – натюрморт. Завтрак.
4 год обучения:
В этот курс входит западноевропейское искусство 18-19 веков и ознакомление с курсом отечественного искусства 10-20 веков. Начиная с 18 столетия необходимо проводить парралели между явлениями западной культуры и отечественной, стараться сопоставлять события, явления, творчество крупных хуДОЖНИКОВ, тенденции развития направлений, теорий искусства.
Введение – 18 век – век Просвещения, Разума - ведущее общественное движение. Просветители (Дидро, А.Поп, Дефо, Руссо и другие) прдавали огромное значение искусству, как силе, способной возродить исконные добродетели «естественного человека». В искусстве появляются новые герои – «малые люди» - с другой стороны – идеал эмансипированного и цивилизованного интеллектуального человека. В архитектуре возрастает роль гражданского строительства.
Искусство 18 века можно разделить на два этапа. Первый – до 1740 -1760 гг. В это время поздние формы барокко видоизменяются в декоративный стиль рококо. Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве , возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентстваФилиппа Орлеанского) . Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.
Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Также рококо активно использует экзотические для Европы мотивы, поэтому назывался также «шинуазри» - китайщина.
В середине 18 века немецкий историк искусства и археолого Винкельман издает «Историю искусства древности», Дидро обращается к античной теории. Возникает направление классицизма. Идеальное гармоничное общество, ПРЕОБЛАДАНИЕ долга над чувством, пафос разума - общие черты классицизма 17-18 веков. Продолжает жить реалистическое направление, во второй половине века зарождается сентиментализм – с преклонением перед чувствами, искренностью и наивностью. Все эти течения утверждали ценность и благородность чувств человека, драматизм конфликтов с окружением, призывали к справедливости.Энциклопедисты — группа авторов-составителей универсального справочника («Энциклопедия, или Толковый словарь наук, искусств и ремёсел» — фр. Encyclopédie, ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers), созданного во Франции в 1751—1780 годах по инициативе Дени Дидро и математика Жана д'Аламбера. В формировании этогопросветительского справочного издания активно участвовали Ж. Бюффон, Вольтер, К. Гельвеций, П. Гольбах, Л. де Жокур, Э. Кондильяк, Г. Рейналь, Ж. Ж. Руссо, Анн Робер Жак Тюрго и многие другие инженеры, ученые и писатели. Энциклопедисты активно критиковали стиль рококо, называвший ся в то время «живописным вкусом», называя его «испорченным вкусом», обвиняя рококо в отсутствии «разумного начала».
Франция:
Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства Филиппа Орлеанского (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой. Большая часть построек рококо — это богатые городские особняки французской аристократии, которые во Франции назывались «отелями», загородные дворцы. В создаваемых теперь особняках большое внимание уделено действительному удобству жизни. Архитекторы отказываются от цепи больших залов, вытягивающихся торжественной анфиладой, в пользу комнат меньшего размера, располагающихся более непринужденно в соответствии с потребностями частного быта и общественного представительства хозяев. Множество высоких окон хорошо освещает внутренние помещения.
По своему расположению в городе отели первой половины 18 в. представляли в значительной мере еще переходное явление от загородного поместья к городскому дому. Это замкнутый архитектурный комплекс, своеобразная усадьба внутри городского квартала, связанная с улицей только парадными воротами. Сам дом стоит в глубине участка, выходя фасадом на обширный двор, обстроенный низкими служебными помещениями. Противоположный фасад обращен к саду, сохраняющему регулярную планировку.
Сооружения были отделены высокой оградой от города, пряча жизнь их владельцев. Часто комнаты имели криволинейные очертания и образовывали асимметричные композиции. Парадный зал, как правило, размещался в центре, его называли салоном. Комнаты были меньше, чем залы во дворцах эпохи классицизма, и потолки - более низкие. Очень большие окна начинались почти от пола. Интерьеры украшались резными украшениями, скульптурами, живописью и большим количеством зеркал.
К стилю рококо относится парижский отель Субиз, построенный для принца де Субиза в 1705 — 1709 гг. архитектором Пьером Алексисом Деламером (1675—1745).
В его интерьере выделяется Овальный салон, созданный Жерменом Боффраном (1667—1754), архитектором, скульптором и декоратором. Все углы закругленные, прямых линий нет, и даже замаскирован переход стен к потолку с помощью картин, которые помещены в рамы с криволинейными очертаниями. На стенах резные панели, с зеркалами и позолоченным орнаментом.
К эпохе рококо относится один из самых лучших французских городских ансамблей — ансамбль в Лотарингии в городе Нанси, построенный по заказу герцога Лотарингского Станислава I.
Ансамбль хронологически завершает эпоху рококо.
Мебель эпохи рококо очень изящна. Она обильно украшена сложной прихотливой резьбой и позолотой. Ножки мебели выгнуты изящной линией. На потолках и стенах также в больших количествах используется лепнина, резьба и позолота. Стены оформляются деревянными панелями. На полу — узорный паркет и ковры-гобелены. Цветовая гамма интерьеров в стиле рококо — очень нежная, используются пастельные тона: розовый, голубой, светло-зеленый в сочетании с золотом и серебром. В качестве декора используется большое количество зеркал в резных рамах и осветительные приборы: огромные роскошные люстры, бра, подсвечники. Кроме того обязательны различные скульптуры, статуэтки и другие декоративные предметы интерьера.
Классицизм: Как раз к рубежу первой и второй половины столетия относится выступление энциклопедистов, выдвинувших критерий разума как единственного мерила всех вещей. С этих позиций критикуется все феодальное общество и его порождение — стиль рококо, как лишенный логики, разумности, естественности. И наоборот, все эти качества усматриваются в архитектуре древних. В эти годы появляются увражи, посвященные памятникам античной архитектуры. В 1752 г. известный любитель и меценат граф де Кайлюс начинает издавать труд «Собрание египетских, этрусских, греческих и римских древностей». Через два года архитектор Давид Леруа едет в Грецию и затем выпускает увраж «Руины прекраснейших сооружений Греции». Среди теоретиков зодчества выделяется аббат Ложье, чьи изданные в 1753 г. «Этюды по архитектуре» Париж обладал прекрасными памятниками архитектуры, рядом площадей, созданных в предшествующем веке, но все это были отдельные, замкнутые в себе, изолированные островки организованной застройки. В середине 18 столетия возникает площадь, сыгравшая громадную роль в сложении ансамбля парижского центра,— нынешняя площадь Согласия. Своим появлением она обязана целому коллективу французских зодчих, но основным ее творцом был Жак Анж Габриэль.
Его площадь стала осью дальнейшего развития Парижа. Это оказалось возможным благодаря ее разносторонней ориентации. С одной стороны, площадь мыслится как бы преддверием дворцовых комплексов Тюильри и Лувра: недаром к ней ведут из-за границ города три предусмотренных Габриэлем луча — аллеи Елисейских полей, мысленная точка пересечения которых находится во входных воротах Тюильрийского парка.
Очень остроумно и совершенно по-новому решает Габриэль границы площади. Застраивая только одну ее северную сторону, выдвигая принцип свободного развития пространства, его связи с природным окружением. Габриэль наметил такие принципы объемно-пространственного решения, которые получат развитие в период зрелого классицизма. Творчество Габриэля явилось переходным, связующим звеном между архитектурой первой и второй половины 18 века.
Характерным явлением зодчества этих предреволюционных десятилетий становится преобладание в строительстве общественных сооружений. Именно в общественных постройках ярче всего выражаются принципы новой архитектуры. И весьма знаменательно, что одно из выдающихся архитектурных произведений этого периода — Пантеон — очень скоро превратилось из здания культового предназначения в общественный памятник. Постройка его была задумана Людовиком XV как церковь покровительницы Парижа — св. Женевьевы, место хранения ее мощей. Разработка проекта была поручена в 1755 г. Жаку Жермену Суфло (1713—1780), только недавно вернувшемуся из поездки в Италию. Рационализм художественного образа, выраженный торжественно и монументально, оказался чрезвычайно близким мироощущению революционных лет, и только что законченная церковь была превращена в 1791 г в памятник великим людям Франции.
Живопись:Антуан Ватто - В ранних произведениях сюжеты весьма разнообразны: «военные жанры», сценки городской жизни, театральные эпизоды (один из них в 1712 г. был представлен в Академию). Среди этих современных жанров — и замечательный своей лирической проникновенностью эрмитажный «Савояр». Важнейшее место среди зрелых работ Ватто занимали галантные празднества. В них он изображал светские «ассамблеи» и театрализованные маскарады. Галантные празднества Ватто - основа важной роли его искусства для развития пейзажной живописи 18 века. Поиски эмоциональности влекут Ватто к наследию Рубенса. Это проявилось в мифологических композициях — например, «Юпитер и Антиопа». Но рубенсовская страстность уступает место меланхолическому томлению, полнота чувств — трепетности их оттенков. Художественные идеалы Ватто напоминают мысль Монтескье, что прекрасное выражается не столько в чертах лица, сколько в движениях его, часто неприметных.
Метод живописца характеризуется советом, который он дал своему ученику Лайкре: «Не терять времени на дальнейшее пребывание у какого-либо учителя, идти дальше, направить свои усилия на учителя учителей — природу. Пойти в окрестности Парижа и зарисовать там несколько пейзажей, зарисовать затем несколько фигур и создать из этого картину, руководствуясь собственной фантазией и выбором»(«Мастера искусства об искусстве», т. 1, М.- Л., 1937, стр.597). Соединяя пейзажи с фигурами, фантазируя и выбирая, Ватто подчинял разнообразные элементы, из которых он создавал картины, господствующему эмоциональному мотиву. Ватто неизменно влечет к тончайшей поэзии бытия.
Тонкая эмоциональность творчества Ватто была завоеванием, проложившим путь искусству столетия к познанию того, что Делакруа позднее назвал «областью неопределенных и меланхолических чувствований».
Франсуа Буше (1703—1770) считал себя последователем Ватто. Он начал с гравирования его картин. В пейзажных композициях Буше, есть лиризм, их оживляют мотивы, взятые из повседневной жизни. Кроме эскизов для гобеленов и фарфора, гравюр и рисунков Буше писал многочисленные станковые картины, связанные с принципами рокайльной декорации интерьера. Он является истинным создателем французского пасторального жанра, изображающего галантных пастухов и жеманных пастушек или чувственные эпизоды античной мифологии. Пасторали Буше слащавы, они служат примером сентиментальной дворянской моды на «сельские сцены». Таковы луврские «Уснувшая пастушка» (1745), «Купание Дианы» (1742) и другие произведения. Краски Буше характерны для того времени, когда искали изысканных, редких оттенков, носивших часто странные названия: «голубиная шейка», «резвая пастушка», «цвет потерянного времени», «веселая вдова» и даже «цвет бедра взволнованной нимфы». Особенность живописной манеры Буше, академического мастера, состояла также в том, что он тяготел к «большому стилю» и пользовался методами идеализации, подобно эпигонам Лебрена. В его картинах угадываются академические треугольные и пирамидальные композиции наряду с асимметричными рокайльными схемами. Эта холодная рассудочность отличает Буше от Ватто и его школы. Не склонный, по свидетельству современников, присматриваться к природе, Буше утверждал, что ей недостает гармонии и прелести, что она лишена совершенства и плохо освещена. Очевидно, поэтому в своих картинах он старался делать ее пестрой и очень светлой — розовой и голубой. Не удивительно, что манерность Буше подвергалась резкой критике; известна отрицательная оценка его искусства просветителями.
Вокруг Буше, который в середине века был ведущим мастером рококо, группировались многие художники этого направления — Шарль Жозеф Натуар, Пьер Шарль Тремольер, Карл Ванлоо, к его искусству внимательно присматривались галантные живописцы старшего поколения — Шарль Антуан Куапель, Жан Марк Наттье.
Одновременно с развитием искусства рококо во французской живописи в 1730—1740-е гг. складывается другое, реалистическое направление, связанное с идеями третьего сословия.
Жан Батист Симеон Шарден (1699 —1779) учился у академических мастеров (Пьер Жак Каз, Ноэль Никола Куапель, Жан Батист Ванлоо).
Еще в годы юности проявилось влечение Шардена к жанру натюрморта, а в 1728 г. на «выставке молодежи», устраивавшейся время от времени на одной из главных парижских площадей (площадь Дофина), он показал две композиции — «Буфет» и «Скат» (Лувр). Они имели успех и ввели Шардена в число академиков. В этих произведениях справедливо замечали влияние фламандской живописи; они декоративны и вместе с тем обогащены вдумчивым созерцанием природы. Шарден тяготел не к большим многословным композициям фламандцев, а к более сосредоточенным и углубленным голландским «завтракам». Довольно скоро он обратился к скромным сюжетам. Это «кухонные натюрморты» в духе Кальфа, еще темные по краскам, среди которых преобладают зеленые, оливковые и бурые. Уже в ранних натюрмортах тонко рассчитано равновесие масс, но предметы еще как-то разрозненны и точная передача формы кажется прозаичной.
Бытовой жанр занимал в 1730—1740-е гг. ведущее место в творчестве Шардена, завоевавшего симпатии зрителей как живописец третьего сословия.
Его «Прачки», «Кухарки», появившиеся во второй половине 1730-х гг., отличались от слащавых пасторалей Буше своей скромной поэтичностью, уловленной в повседневной жизни. Картинам Шардена свойственны тонкая эмоциональность и мягкая задушевность. Своеобразны и сюжеты, которые он избирает.Взаимоотношения персонажей раскрываются не в каком-либо необычном моменте их жизни, а в спокойно, неторопливо текущих будничных занятиях. Одно из величайших живописных завоеваний Шардена состоит в том, что он широко применил систему цветных рефлексов. Например, белый цвет соткан из розовых, желтых, светло-голубых, серых оттенков. Маленькие мазки, положенные один возле другого, вызывают ощущение живой трепетности цветовых переходов и взаимосвязи предметов с окружающей их средой.
К концу 1730-х гг. в бытовом жанре Шардена становятся сложнее сюжетные замыслы, заметнее нравственные ноты. Почти все жанровые картины этих лет изображают сцены воспитания: «Гувернантка» (Вена), две парные композиции, выставленные в Салоне 1740 года, — «Трудолюбивая мать» и «Молитва перед обедом»
Жанровые картины Шардена — поэтический рассказ о «добрых нравах» простых людей, о достоинстве их образа жизни. Реализм Шардена был одним из первых проявлений демократической мысли века Просвещения с его верой в достоинство человека, с его идеей равенства людей. Творческие искания живописца перекликались с размышлениями просветителей.
Лирическая эмоциональность — одно из главнейших свойств искусства Шардена. Гравер Кошен в своей биографии сообщает об одном высказывании мастера, прозвучавшем как творческое кредо. Рассерженный болтовней поверхностного художника, заинтересовавшегося тайнами живописного мастерства, Шарден спросил: «Но кто вам сказал, что пишут красками?» — «А чем же?»—удивился тот. — «Пользуются красками, — ответил Шарден,—но пишут чувством».
Шарден считался одним из авторитетнейших знатоков красочных составов, и именно ему Академия поручала проверять качества новых красок.
В 1770-е гг.,перейдя к технике пастели, Шарден сосредоточивает внимание на портрете.
Почти одновременно с творчеством Шардена складывалось портретное искусство Латура, одно из крупнейших явлений реализма середины 18 века. В 1750-е гг. Латуром были исполнены самые известные его произведения. В Салоне 1753 г. он выставил цикл портретов, изображавших философов-просветителей, писателей и ученых Франции. Один из важнейших аспектов творчества мастера в эту пору — утверждение достоинства деятельной и волевой личности. Портретные образы Латура, как правило, интеллектуальны. Эти черты проявились и во многих автопортретах Латура.
Среди работ 1753 г.— портрет Даламбера (Лувр; подготовительный набросок в музее Латура в Сен Кантене). Черты лица — в движении, блики света усиливают ощущение изменчивости улыбки и живого взгляда. Характер блистательного полемиста, который был душой философских споров, раскрывается как бы в общении с собеседником. Это типичный прием Латура.
Руссо с восхищением говорил о «редких талантах» Латура и об исполненном им портрете.
Портретные этюды Латура отличают свобода штриха, эскизность фактуры, разнообразие техник: пастель смешана в них с карандашом, мелом, сангиной. Но они обладают высокой образной и формальной завершенностью.
Один из лучших — этюд портрета актрисы Мари Фель. Латур отражал в портрете не только социальное положение человека — это делали и другие живописцы, — но и ту активность натуры, которая соответствовала содержанию и характеру деятельности портретируемого.
Судя по многим сообщениям, Латур был человеком твердым и независимым. Резкий со знатью, задевавшей его гордость, он отказался от ордена, пожалованного Людовиком XV.
Латур обогатил технику пастели, отличавшуюся такой нежностью бархатистой фактуры, такой чистотой цвета, придав ей особенную пластическую силу.
Создавая портрет, Латур обходился без аксессуаров; изучая лицо, он не замечал даже выразительности рук. Зато лицо Латур изображал с удивительным мастерством.
Латур говорил о тех, кого он портретировал: «Они думают, что я схватываю только черты их лиц, но я без их ведома спускаюсь в глубину их души и забираю ее целиком»
Придавая большое воспитательное значение искусству, просветители рассматривали его как средство воспитания нравов в соответствии с их теорией «естественного человека». Но поскольку именно в этом пункте, в области этики, они поворачивали к идеализму, мнимая добродетельность буржуа стала предметом идеализации в искусстве. Противопоставляя порочности аристократов отвлеченную добродетель, просветители не видели того, что нес с собой капитализм. Поэтому буржуазные герои в драмах самого Дидро нереальны, безжизненны и ходульны, служат рупорами для произнесения проповедей. Едва ли не самым слабым местом в просветительской эстетике является требование нравоучительности в искусстве, а самыми бледными страницами очерков, посвященных искусству, оказываются те, где расточаются восторги по адресу нравоучительного жанра. Слепота Дидро в подобных случаях поразительна. Особенно любопытны те трогательные сюжеты, которые он сам сочинял для живописцев.
В изобразительном искусстве художником, творчество которого отразило эти противоречия, был Жан Батист Грез (1725—1805). Грез учился в Лионе у второразрядного живописца Грандона. Первую известность ему принесла жанровая картина «Отец семейства, читающий Библию».
Программная работа Греза была выставлена в Салоне 1761 года. Это «Деревенская невеста» (Лувр). Картина Греза — не только изображение одного из моментов домашней жизни. Задача, которую он перед собой вполне сознательно ставил, была гораздо шире — в развернутой многофигурной композиции представить исключительное событие семейной жизни, прославляя добрые нравы третьего сословия. Композиция строится по-новому: персонажи Греза чувствуют себя будто на сцене, они не живут, не действуют, а представляют. Расстановка персонажей, их жесты и мимика продуманы будто режиссером, воспитанным школой «слезной комедии». Английский драматург Гольдсмит писал по поводу похожих явлений в театральном искусстве: «В этих пьесах почти все персонажи хороши и чрезвычайно благородны: щедрой рукой раздают они на сцене свои жестяные деньги». В 1760-е гг. с каждым новым произведением герои Греза как бы приобретают «окаменелые эпитеты»—страдающий отец семейства, порочный сын, почтительный зять, злая мачеха и т. п. Во второй половине этого десятилетия отрицательные стороны грезовского искусства выступают все обнаженнее («Отцовское проклятие», Лувр, и другие).
В произведениях Греза позднего периода все больше манерности. Таковы «Разбитый кувшин» (Лувр), «Мертвые птички», «Головки» и «Утренние молитвы» с их двусмысленностями, мещанской сентиментальностью и плохой живописью. Не удивительно, что именно Грезом было сказано: «Будьте пикантным, если не можете быть правдивым». «Искусство нравиться» одержало верх над стремлением выразить в живописи прогрессивные идеи времени.
Крупные мастера собственно пейзажной живописи появились в середине 18 века. Старшим из них был Жозеф Верне (1714—1789). Творчество Верне напоминает о традициях Клод<