Quot;The Morning Walk" by Th. Gainsborough

Gainsborough is famous for his brilliant sense of composition, harmony and form.: In the foreground of the picture you see a pretty slim young woman of about 25 and an elegant young man. The woman has a very fashionable long dress on, her face is attractive. She has dreamy blue eyes and thick curly golden hair. As for the man, he is tall and handsome, the features of his face are pleasant and expressive. His eyes are dark, his look is proud, his mouth is rather large, his nose is straight, and he has; classical strong figure. I am sure that the young people are happy because they are young, they are in love, because the day is fine, and life is beautiful. It is an idyllic scene in a romantic landscape. Thanks to the soft colour treatment the picture has a lyrical and poetic atmosphere.

4. "Family Portrait"

Van Dyck created the impressive, formal type of portrait and such masters as Reynolds, Gainsborough, Lawrence and Raeburn owed much to their study of his works. He created a genre of aristocratic and Intellectual portrait which influenced much the development of English painting, Van Dyck created the type of portrait which helped him to convey the sitter’s individual psychology.

The sitter's individuality is vividly expressed in this portrait. One can easily follow the gentle and even character of the young woman and the outstanding searching, restless ; personality of her husband. The artist managed to create the impression ,of spiritual relationship in spite of the difference of characters. The colour scheme of this canvas is very beautiful. The prevailing tones are red, 'golden and brown.

DISCUSSION QUESTIONS

• What is the first thing you notice about the sitter on the painting?

• What does the facial expression tell us about him or her? His or her posture? His or her gestures?

• How about his or her attire? The setting? The props he or she is holding?

• Do you think he or she works? What does he or she do?

• Would you like to meet this person? Why or why not?

• What do you think the sitter wanted his or her portrait to communicate?

• What do you see that makes you say that?

1. The general effect. (The title and the name of the artist. The period or trend represented. Does it appear natural and spontaneous or contrived and artificial?)

2. The contents of the picture. (Place, time and setting. The accessories, the dress and environment. Any attempt to render the emotions of the model. What does the artist accentuate in his subject?)

3. The composition and colouring. (How is the sitter represented? Against what background? Any prevailing format? Is the picture bold or rigid? Do the hands (head, body) look natural and informal? How do the eyes gaze? Does the painter concentrate on the analysis of details? What tints predominate in the colour scheme? Do the colours blend imperceptible? Are the brushstrokes left visible?).

4. Interpretation and evaluation. (Does it exemplify a high degree of artistic skill? What feelings or ideas does it evoke in the viewer?)

Analyzing landscapes:

To start with close your eyes and think about an outdoor space that means something to you. It can be a place you have visited, your homeland, or a place they have lived in. Think of all the details you can remember about a typical day at this place, such as the weather, what was nearby, who you were with, what you were doing, etc. Describe their meaningful place focusing on the following questions:

What does it look like? What is in the foreground? Middle ground? Background? From what point of view are you seeing the landscape?

Study the following descriptions:

1. Bruegel's use of landscape defies easy interpretation, and demonstrates perhaps the artist's greatest innovation. Working in the aftermath of the Reformation, Bruegel was able to separate his landscapes from long-standing iconographic tradition, and achieve a contemporary and palpable vision of the natural world. For the Antwerp home of the wealthy merchant Niclaes Jongelinck, who owned no less than sixteen of the artist's works, Bruegel executed a series of paintings representing the Seasons, of which five survive: Gloomy Day, Return of the Herd, Hunters in the Snow (all Vienna, Kunsthistoriches Museum), Haymaking (Prague, Národní Galerie), and The Harvesters (19.164). Though rooted in the legacy of calendar scenes, Bruegel's emphasis is not on the labors that mark each season but on the atmosphere and transformation of the landscape itself. These panoramic compositions suggest an insightful and universal vision of the world—a vision that distinguishes all the work of their remarkable creator, Pieter Bruegel the Elder.


Landscape with the Fall of Icarus	Winter Landscape with a Bird Trap	The Hunters in the Snow

2. Теперь Шишкин с наслаждением пишет “русское раздолье с золотой рожью, реками, рощами и

A Rye Field

русской далью”, которые снились ему в Европе. Один из первых его шедевров можно назвать песней радости — “Полдень. В окрестностях Москвы” (1869). Он и дальше предпочитает ясность, полдень, яркий солнечный свет, лето, полноту жизни — “Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии” (1872), “Рожь” (1878), “Среди долины ровныя” (1883), “Лесные дали” (1884) и другие, где раскрываются особенности русского национального пейзажа. Эти работы намечали направление, которое развивалось впоследствии Товариществом передвижных художественных выставок. Вместе с И. Н. Крамским, В. Г. Перовым, Г. Г. Мясоедовым, А. К. Саврасовым, Н. Н. Ге и другими в 1870 году он становится членом-учредителем Товарищества. И. Н. Крамской, высоко ценивший искусство Шишкина, помогавший ему, вплоть до того, что предоставлял свою мастерскую для работы над конкурсной картиной “Мачтовый лес в Вятской губернии” (1872, эта картина сейчас называется “Сосновый бор”), писал о достоинствах Шишкина: “Шишкин нас просто изумляет своими познаниями... И когда он перед натурой, то точно в своей стихии, тут он и смел, и не задумывается, как, что и почему... тут он все знает, я думаю, что это единственный у нас человек, который знает природу ученым образом... Шишкин — : это человек-школа”.

На Вторую выставку передвижников Шишкин представил картину “В лесной глуши”, за которую в 1873 году получает звание профессора. При помощи затененного переднего плана и пространственного построения композиции (где-то в глубине, среди чахлых деревьев виден слабый солнечный просвет) художник дает возможность ощутить сырость воздуха, влажность мхов и валежника, проникнуться этой атмосферой, словно оставляя зрителя наедине с гнетущей глухоманью. И как настоящий лес, этот пейзаж открывается зрителю не сразу. Полный деталей, он рассчитан на долгое рассматривание: вдруг неожиданно замечаешь лисицу и улетающую от нее утку. И, напротив, полна приволья, солнца, света, воздуха его известная картина “Рожь” (1878). Картина эпична: она словно синтезирует черты национального характера русской природы, то родное, значительное, что видел в ней Шишкин: “Раздолье. Простор. Угодье, рожь. Божия благодать. Русское богатство...”

Morning in a Pine Forest

За иллюзорную выписанность деталей Шишкина часто упрекали. Многие художники находили его живопись неживописной, называли его картины раскрашенным рисунком. Тем не менее его картины, при всей их детализации, всегда дают целостный образ. И это образ мира, который Шишкин не может “смазать” произвольными движениями собственной души. В этом смысле он далек от нарождавшегося в 1880-х гг. в русской живописи “пейзажа настроения”. Даже самое малое в мире несет в себе частицу большого, потому его индивидуальный облик не менее важен, чем изображение целого леса или поля (“Травки”, 1892; “Сныть-трава. Парголово”, 1884 или 1885). Вот почему малое никогда не теряется в его программных картинах. Оно выходит на первый план, как будто нам под ноги, каждой травинкой, цветком, бабочкой. Потом мы переводим взгляд дальше, и он теряется среди безбрежных просторов, вобравших в себя все.

Поэтическим чувством проникнуто полотно “Среди долины ровныя” (1883), в нем сочетаются величие и задушевная лирика. Названием картины стали строки из стихотворения А. Ф. Мерзлякова, известные как народная песня. Но картина не является иллюстрацией стихов. Ощущение русского раздолья рождает образный строй самого полотна. Что-то радостное и вместе с тем задумчивое есть в широко распахнувшейся степи (именно такое ощущение вызывает свободная, незамкнутая композиция картины), в чередовании освещенных и затемненных пространств, в засохших стеблях, словно стелющихся под ноги путнику, в величественном дубе, возвышающемся среди равнин.

Look at the landscape painting. Try to answer these questions:

If you were in this picture, what would you?

… hear?

… smell?

… feel?

What would you have with you?

Who would you take with you to this place?

Were would you like to be in the picture?

If you were standing in that spot, what is the first thing you would notice about this place?

Do you think this place is real or imaginary? Why or why not?

Analyzing narrative paintings (genre painting):

Begin with the following questions:

Why do we tell stories?

How do we learn about stories?

Are they always truthful?

Study the following descriptions:

1. «Тайная вечеря»

«Тайная вечеря» особенно заставляет удивляться интеллектуальной силе художника, показывая, как тщательно он размышлял и над общей концепцией и над каждой деталью. Эту громадную фреску, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, постигла трагическая участь: написанная маслом на стене, она начала разрушаться еще при жизни Леонардо – результат его неудачного технического эксперимента с красками. Теперь о ее деталях можно судить только с помощью многочисленных копий.

В «Тайной вечере» можно видеть пример мудрого понимания законов монументальной живописи, как они мыслились в эпоху Возрождения, то есть как органическая связь иллюзорного пространства фрески с реальным пространством интерьера.

«Тайная вечеря» написана на узкой стене большой продолговатой залы – трапезной монастыря Санта Мария дела Грации. На противоположном конце залы помещался стол настоятеля монастыря, и это принято во внимание художником: композиция фрески, где тоже написан стол, параллельный стене, естественно связывалась с интерьером и обстановкой. Пространство в «Тайной вечере» умышленно ограничено: перспективные линии продолжают перспективу трапезной, но не уводят далеко в глубину, а замыкаются написанной стеной с окнами – таким образом, помещение, где находится фреска, кажется только слегка продолженным, но его простые прямые очертания зрительно не нарушены. Христос и его ученики сидят как бы в этой же самой трапезной, на некотором возвышении и в нише. А благодаря своим укрупненным размерам они господствуют над пространством залы, притягивая к себе взгляд.

Христос только что произнес: «Один из вас предаст меня». Эти страшные, но спокойно сказанные слова потрясли апостолов: у каждого вырывается непроизвольное движение. Двенадцать человек, двенадцать различных характеров, двенадцать различных реакций. "Тайную вечерю» изображали многие художники и до Леонардо, но никто не ставил такой сложной задачи – выразить единый смысл момента в многообразии психологических типов людей и их эмоциональных откликов. Каждый их апостолов ищет сочувствия и отклика у соседа – этим оправдана симметричная, но выглядящая естественно разбивка на четыре группы, по трое в каждой. Только Иуда психологически изолирован, хотя формально находится в группе Иоанна и Петра. Он отшатнулся назад, тогда как все другие непроизвольно устремляются к центру – к Христу. Судорожное движение руки Иуды, его темный профиль выдают нечистую совесть.

В жесте Христа – стоическое спокойствие и горечь: руки брошены на стол широким движением, одна – ладонью кверху. Говорили, что лицо Христа Леонардо так и не дописал, хотя работал над фреской шестнадцать лет.

2. In front of the painting ‘Boyarina Morozova’

‘У художников часто бывает, что какой-то зрительный образ подсказывает им сюжет картины. Например, Крамской написал свою картину «Христос в пустыне» после того, как увидел сидящего в задумчивости на камне нищего старика. А эта картина была подсказана образом сидящей на снегу вороны.’

‘The colouring of the picture is amazing. The artist uses the entire gamut of the pallet from the white to the black. His blues, yellows and blacks are of very high saturation, and yet that does not turn the picture into a merely decorative canvas.’

‘Да, Суриков прекрасно справился с колористической и с композиционной задачей. А ведь изображение толпы на снегу ставило перед художником нелегкие задачи в этих отношениях. Кстати, в русской живописи изображение громадной массы людей на открытом воздухе было новым.’

‘What is most amazing is that the image of the boyarina, forceful as it is, dominates the canvas without obliterating the crowd. The painter created a gallery of types of characters, one more striking than the other. A most gripping picture, really.’

‘Да, совершенно верно. В композиционном отношении образ Морозовой как бы объединяет собой народную толпу, нисколько ее не затмевая. И сам благодаря ей приобретает новую значимость. Великолепный тип лица у нее, не правда ли?’

‘Oh yes, you don't forget such a face in a hurry. And how well did the artist capture the expression of this proud face and the drama of the moment!’

3. During the 18th century the truly national school of painting was created, William Hogarth was the first great English painter who raised British pictorial art to a high level of importance. Hogarth (1697—1764) wasn't a success as a portrait painter. But his pictures of social life which he called "modern moral subjects" brought him fame and position. Among his favourite works are six pictures united under the title "Marriage a la Mode." This famous series is really a novel in paint telling the story of the marriage of earl's son and city merchant's daughter, a marriage made for reasons of vanity and money. Despite the satirical, often amusing details, the painter's purpose is serious. He expects his pictures to be read and they are perhaps full of allusions. At the same time Hogarth remained an artist and passages especially in "Shortly after the Marriage" show how attractively he could paint. The free handing of the "Shrimp Girl" is combined with cockney vivacity. The girl is brushed onto the canvas in a vigorous impressive style. As a painter Hogarth was harmonious in his colouring, very capable and direct in his theme land composition. He painted many pictures. He is well known as a humorist and satirist on canvas.


The Marriage Settlement	The Tête à Tête	The Lady's Death

Bruegel, Peasant wedding

4. One of the most perfect of Bruegel's human comedies is his famous picture of a country wedding. Like most pictures, it loses a great deal in reproduction: all details become much smaller, and we must therefore look at it with double care. The feast takes place in a barn, with straw stacked up high in the background. The bride sits in front of a piece of blue cloth, with a kind of crown suspended over her head. She sits quietly, with folded hands and a grin of utter contentment on her stupid face. The old man in the chair and the woman beside her are probably her parents, while the man farther back, who is so busy gobbling his food with his spoon, may be the bridegroom. Most of the people at the table concentrate on eating and drinking, and we notice this is only the beginning. In the left-hand corner a man pours out beer - a good number of empty jugs are still in the basket - while two men with white aprons are carrying ten more platefuls of pie or porridge on an improvised tray. One of the guests passes the plates to the table. But much more is going on. There is the crowd in the background trying to get in; there are the musicians, one of them with a pathetic, forlorn and hungry look in his eyes, as he watches the food being carried past; there are the two outsiders at the corner of the table, the friar and the magistrate, engrossed in their own conversation; and there is the child in the foreground, who has got hold of a plate, and a feathered cap much too large for its little head, and who is completely absorbed in licking the delicious food - a picture of innocent greed. But what is even more admirable than all this wealth of anecdote, wit and observation, is the way in which Bruegel has organized his picture so that it does not look crowded or confusing. Tintoretto himself could not have produced a more convincing picture of a crowded space than did Bruegel with his device of the table receding into the background and the movement of people starting with the crowd at the barn door, leading up to the foreground and the scene of the food carriers, and back again through the gesture of the man serving the table who leads our eyes directly to the small but central figure of the grinning bride.

DISCUSSION QUESTIONS

• What moment in the story has this artist chosen to portray?

• What is happening at this moment?

• How does the artist help us understand this moment in the story?

• What do you think is happening in the work of art?

• What do you see that makes you say that?

• Who do you think is the main character of this story?

• Do you recognize any of the characters? If so, how?

• What can we say about these characters?

• Describe the relationship between the different characters.

• Describe the setting.

• What time of day is it?