Венская классическая школа музыки

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus - "образцовый")возник в XVII столетий во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке.В опере XVIII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка, создавшего новую трактовку этого вида музыкальнодраматического искусства. Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII - начала XIX столетия - венскую классическую шкалу.Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. Б музыке невозможно опираться на античные традиции - они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.

КРИСТОФ ВИЛЛИБАЛЬД ГЛЮК(1714-1787)

С середины XVIII столетия на развитие европейской музыкальной культуры стал оказывать влияние классицизм. Произведение искусства должно было создаваться по строгим правилам и решать высокие нравственные проблемы. Итальянские операсериа и операбуффа этим требованиям не отвечали. По явление оперы, основанной на художественных принципах классицизма, связано с творчеством КристофаВиллибальда Глюка.

Кристоф Виллибальд Глюк.

Композитор родился в австрийском городке Эрасбах (недалеко от границы с Чехией) в семье лесничего. Музыкальное образование он получил в Праге. пел в церковном хоре, под руководством известных чешских музыкантов изучал теорию. Позже, уже в Милане, Глюк по знакомился с итальянской музыкой. Здесь он брал уроки у известного композитора и органиста Джованни Баттисты Саммартини (около 1700-1775); именно Саммартини научил его блестяще владеть оркестром. В Италии Глюк сочинил свои первые оперы (они были написаны в жанре оперысериа). Во время пребывания в Лондоне (1745 г.) Глюк встретился с Генделем, и музыка немецкого мастера произвела на него огромное впечатление. В составе оперной труппы композитор посетил многие европейские города. Наконец в 1752 г. он обосновался в Вене, а в 1754 г. получил место придворного композитора.К тому времени Глюк был автором известных опер, имел опыт работы в театре, глубоко знал итальянскую, французскую и немецкую оперные традиции. Постепенно композитор пришёл к мысли, что оперу необходимо изменить. Первыми операми, созданными по новым правилам, стали "Орфей и Эвридика" (1762 г.), "Альцеста" (17б7 г.), "Парис и Елена" (1770 г.). Глюк написал их на тексты итальянского поэта и драматурга Раньери да Кальцабиджи (1714-1795). Это был первый пример сотрудничества автора музыки и либреттиста в процессе создания оперы. Прежде композиторы писали музыку на уже готовые и отдельно изданные либретто. Взгляды Глюка и Кальцабиджи на сюжет и развитие действия совпадали, что сделало их творческий союз плодотворным.

Эскиз декораций к опере "Орфей и Эвридика". Художник В. Д. Поленов. 1897 г.

Для опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты, в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнения долга. Действующими лицами его произведений являлись обобщённые символические фигуры, олицетворявшие нравственные понятия - любовь, верность, само отверженность и т. д. В драматургии оперы ясно выражена связь с традициями античного театра - количество персонажей минимально, происходящее комментирует хор. Основное внимание композиторуделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. Важную роль в операх Глюка играют речитативы; они всегда звучат под аккомпанемент оркестра (в отличие от секко - речитативов опезы-сериа, которые сопровождались клавесином). Главная мелодическая линия проводится в ариях; композитор отказался от виртуозных приёмов и украшений, отвлекавших слушателей от содержания текста. Возросла роль оркестра - уже в увертюре были обозначены основные идеи.Произведения композитора получили признание в Вене, но полное понимание мастер надеялся найти в столице Франции, и в 1773 г. он от правился в Париж. Для французской сцены Глюк создал новые редакции "Орфея и Эвридики" и "Альцесты", написал такие оперы, как "Ифигения в Авлиде" (1774 г.; по трагедии французского поэта и драматурга Жана Расина) и "Ифигения в Тавриде" (1779 г.; по мотивам трагедии древнегреческого драматурга Еврипида). Оперы Глюка, имевшие в Париже большой успех, вызвали тем не менее ожесточённые споры. Общество разделилось на сторонников Глюка и его яростных противников. Композитора поддержали писатели и философы Дени Дидро, Жан Жак Руссо. Однако многие выступили против новшеств - они отстаивали традиционные принципы французской оперы в духе Люлли и Рамо и итальянской оперысериа. Противники Глюка даже вызвали в Париж в 1776 г. известного итальянского композитора Никколо Пиччинни и добились постановки его опер. Разгорелась так называемая "война глюкистов и пиччиннистов", вызвавшая много споров в парижском обществе. В произведениях Глюка привлекали ясность драматургического развития, цельность образов, классическая строгость и выразительность музыки, естественность и красота мелодий, благородство чувств героев. Творческие принципы композитора приобрели немало приверженцев, но ни один из них не обладал таким же ярким дарованием, поэтому опыт венского мастера можно считать уникальным и не имеющим прямого продолжения. Однако к идее о ведущей роли поэтического текста обращались многие музы канты, в частности немецкий компо зитор Рихард Вагнер.

ЙОЗЕФ ГАЙДН (1732-1809)

О музыке Йозефа Гайдна - одного из основателей венской классиче ской школы - его друг и младший современник Вольфганг Амадей Мо царт писал: "Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это уме ет Гайдн". С творчеством Гайдна связан рас цвет таких жанров, как симфония (их у него сто четыре, не считая уте рянных), струнный квартет (восемь десят три), клавирная соната (пять десят две); большое внимание уделял композитор концертам для различ ных инструментов, камерным ан самблям и духовной музыке.

Йозеф Гайдн.

Родился Франц Йозеф Гайдн в де ревне Рорау (Австрия) в семье карет ного мастера. С восьми лет он стал петь в капелле Святого Стефана в Вене. Будущему композитору прихо дилось зарабатывать на жизнь пере пиской нот, игрой на органе, клави ре и скрипке. В семнадцать лет Гайдн потерял голос и был исклю чён из капеллы. Только через четы ре года он нашёл постоянную рабо ту - устроился аккомпаниатором к известному итальянскому оперно му композитору Николе Порпоре (1686-1768). Тот оценил музыкаль ное дарование Гайдна и стал препо давать ему композицию.

Дом, где родился Йозеф Гайдн. Рорау.

В 1761 г. Гайдн поступил на служ бу к богатым венгерским князьям Эстерхази и провёл при их дворе в качестве композитора и руководи теля капеллы почти тридцать лет. В 1790 г. капелла была распущена, но за Гайдном сохранили оклад и должность капельмейстера. Это да ло мастеру возможность поселиться в Вене, путешествовать, выступать с концертами. В 90х гг. Гайдн подол гу жил и плодотворно работал в Лондоне. Он приобрёл европейскую известность, его творчество по до стоинству оценили современники - композитор стал обладателем мно жества почётных степеней и званий. Йозефа Гайдна часто называют "отцом" симфонии. Именно в его творчестве симфония стала веду щим жанром инструментальной му зыки.

Титульный лист партитуры оратории "Времена года". Германия. 1801 г.

В симфониях Гайдна интересна разработка основных тем. Проводя мелодию в разных тональностях и регистрах, придавая ей то или иное настроение, композитор таким об разом обнаруживает её скрытые возможности, выявляет внутренние противоречия: мелодия то преображается, то возвращается к первона чальному состоянию. Гайдн обладал тонким чувством юмора, и эта осо бенность личности отразилась в музыке. Во многих симфониях рит мика третьей части - менуэта - на рочито тяжеловесна, словно автор пытается изобразить неуклюжие по пытки простолюдина повторить элегантные движения галантного танца. Остроумна Девяносто четвёртая симфония (1791 г.). В середи не второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются удары литавр - чтобы слушатели "не скучали". Не случай но произведение назвали "С боем литавр, или Сюрприз". Гайдн нередко использовал приём звукоподра жания (поют птицы, бродит по ле су медведь и т. п.). В симфониях композитор часто обращался к на родным темам, в основном к славян ским - словацким и хорватским.

Автограф партитуры симфонии Йозефа Гайдна.

Представителям венской клас сической школы, и прежде всего Гайдну, принадлежит заслуга форми рования устойчивого состава симфо нического оркестра. Прежде компо зиторы довольствовались лишь теми инструментами, которые в данный момент были доступны. Появление устойчивого состава оркестра - яркий признак классицизма. Звучание музыкальных инструментов приво дилось таким образом в строгую си стему, которая подчинялась правилам инструментовки. Правила эти основаны на знании возможностей инструментов и предполагают, что звук каждого - не самоцель, а средство, выражающее определённую идею. Устойчивый состав давал цельное, однородное звучание оркестра. Помимо инструментальной му зыки Гайдн уделял внимание опере и духовным сочинениям (создал ряд месс под влиянием Генделя), обращался к жанру оратории ("Со творение мира", 1798 г.; "Времена года", 1801 г.).

СИМФОНИЯ

Наиболее сложная форма инструментальной музыки - симфония (греч. "созвучие"). Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра велики: он позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях. Сформировался жанр в середине XVIII столетия в творчестве пред ставителей венской классической школы. Композиторы разработали со натносимфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы. Первая часть, построенная в сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием. Иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть медленная, созерца тельная; это лирический центр композиции. Третья - контрастна по отношению ко второй: подвижная, живая музыка носит либо танцевальный, либо шутливый характер. До начала XIX в. композиторы использовали форму менуэта (фр. menuet, от menu - "мелкий"), распространённого салонного таниа XVIII столетия. Позднее менуэт был заменён скерцо (от иг. scherzo - "шутка") - так назывались небольшие вокальные или инструментальные произведения, быстрые по темпу и шутливые по содержанию. Четвёртая, обычно быстрая, часть - финал симфонии; здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения.

СОНАТНАЯ ФОРМА

Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм, сонатная, начала складываться в первой половине XVIII в. и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. Сонатная форма - это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная - либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем проходит три этапа - экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции (от фр. expose - "изложение"). Главная звучит в основной тональности (которая и определяет наименование тональ ности всего сочинения, например Симфония до мажор), побочная обыч но излагается в иной тональности - между темами возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие. Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя "сопернице" полную свободу действий. Обе темы могут предстать в ином освещении, например будут исполнены другим составом инструментов, или резко поменять характер. В репризе (фр. reprise, от reprendre - "возобновлять", "повторять") темы на первый взгляд возвращаются в начальное состояние. Однако по бочная звучит уже в основной тональности, таким образом приходя к единству с главной. Реприза - итог сложного пути, к которому темы при ходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе - коле (от иг. coda - "хвост"), однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты и симфо нии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале. СОНАТАОдин из главных жанров инструментальной музыки - соната (ит. sonata, от sonare - "звучать"). Это многочастное (обычно из трёх или четырёх частей) произведение; у композиторов второй половины XIX - начала XX в. есть и одночастные сочинения. В творчестве мастеров венской классической школы соната, так же как и симфония, достигла расцвета. В отличие от симфонии соната предназначена либо для одного инструмента (как пра вило, фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано). Первая часть произведений такого жанра пишется в сонатной форме. Здесь обозначаются основные музыкальные темы произведения. Вторая часть, обычно спокойная, медленная, составляет резкий контраст с первой. Третья - финал, исполняемый в быстром темпе, - подводит итоги и окончательно определяет обший характер произведения.