Периодизация музыкальной культуры Западной Европы.

В развитии музыкальной культуры Западной Европы длительную и широкую историческую полосу средних веков трудно рассматривать как единый период, даже как одну большую эпоху с общими хронологическими рамками.

Под западноевропейской музыкой подразумевается музыкальная культура Европы – наследница культур Древней Греции, Древнего Рима и Римской империи, чей распад на западную и восточную части произошел в 4 в.

В русле западноевропейской культуры развивались также культуры Восточной Европы и Америки. Русская музыкальная культура, обнаруживающая много черт, сходных с музыкой Европы, рассматривается, как правило, самостоятельно. Древнегреческая культура оплодотворила как Запад, так и Восток. Но и Древний Восток (Египет, Вавилон, Мидия, Парфия, Согдиана, Кушаны и др.) оказал заметное влияние на музыкальное развитие Европы. В средние века разнообразные музыкальные инструменты, новые ритмы и танцы распространялись с юга Европы на север, а мусульманская Испания была проводником арабских музыкальных и литературных традиций. Позже турки-османы стали носителями музыкального профессионализма Исламской цивилизации, которая по-своему умножала унаследованное ею от античности богатство музыкальной культуры народов Ближнего и Среднего Востока.

Свои характерные черты западноевропейская музыкальная культура обрела в средние века. Тогда профессиональные музыкальные традиции формировались и в рамках христианской церкви, и в замках аристократов, и в рыцарской среде, и в практике городских музыкантов. Долгие века традиции эти были одноголосны, и только в период зрелого Средневековья появилось многоголосие и музыкальная письменность, родилась единая система церковных ладов и ритмики, достигли совершенства европейские музыкальные инструменты (орган, клавесин, скрипка). После эпохи Возрождения музыка стала более самостоятельной, отделяясь от текстов (богослужебных, литературных и поэтических). Высоко оценивалась индивидуальная изобретательность, зарождались новые музыкальные жанры мирского содержания (опера) и формы инструментальной музыки, появились представления о записанном музыкальном «сочинении» (композиции) и творчестве композитора. Начиная с 17 в. индивидуализация творческого процесса усиливается – как в сочинении музыки, так и в ремесле изготовления музыкальных инструментов, позже – в исполнительском искусстве. Интенсивнее, нежели церковная культура, развиваются придворная и городская музыкальная культура. Церковные лады и техника многоголосия в том виде, как его развивала церковь (полифония) уступают место новым ладам (мажору и минору) и гомофонно-гармоническому принципу соединения голосов.

Новые процессы, развивавшиеся после 17 в., по-прежнему обнаруживали общность музыкального «языка», на котором «говорили» музыканты, независимо от того, в какой части европейского мира они проживали. Возникавшая то в Италии, то во Франции, то в Германии музыкальная «мода» распространяла одни и те же эстетические представления о музыке и методах ее создания, которые определяли своеобразие музыкального стиля (норм, музыкального языка) той или иной исторической эпохи. Границы этих стилей, несмотря на разнообразие творческих портретов музыкантов, отчетливо выделялись и формировали те же стилистические основания (барокко, классицизм, романтизм, экспрессионизм, импрессионизм и др.), что и в литературе, архитектуре, изобразительном искусстве соответствующих эпох.

В результате постоянной смены музыкальных стилей как определенных «техник» сочинения музыки, менялась семантика, открывались различные грани ее способностей выражать динамические, поведенческие, рационально-математические, психологические способности человека. Потребность европейцев создавать в области музыки новое, непохожее на предшествующее, приводило к разнообразию индивидуальных стилей композиторов, а с 20 в. – с одной стороны, – к «компилятивному» методу творчества, использующему известные техники для создания нового музыкального произведения, и с другой – к полному отрицанию всех известных стилистических норм в области создания и исполнения музыки, к экспериментальному творчеству (авангард), к поиску новизны в материалах, связанных с современными представлениями о музыке (шум и конкретные звучания окружающей среды), и с новыми электронно-инструментальными звучаниями, к техническим способам обработки любого вида звука (на синтезаторах, магнитофонных пленках, компьютерах), к отказу от способов фиксации музыкального произведения на бумаге с помощью нотной системы письма.

3. Музыка Барокко(17-сер 18в).Инструментальные жанры светской музыкки. Творчество И.С.Баха, И.Вивальди.

Барокко– раковина неправильной формы.

Композиторы эпохи Барокко: Альбинони, Марчелло, Вивальди, Скарлаттини, Гендель, Бах.

В это время в Италии были открыты консерватории.

Барочная музыка появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке классицизма. В эпоху Возрождения и Барокко чувствуются большие изменения. Итальянские музыкальные школы, в первую очередь, и отдельные композиторы других стран начинают создавать чудесные мелодии и удивительно прекрасные стихи, которые сопровождают друг друга. Но главным их стремлением было поиск и исследование новых форм: мелодические линии и гармонические прогрессии, комбинации инструментов, новые жанры и формы музыки. Было два основных географических центра развития музыки. Один в северной Германии и Голландии, композиторы Иоганн Фробергер, Иоганн Керль и, особенно, Дитрих Букстехуде концентрировали свои усилия на искусстве контрапункта, главным образом на фуге. Голос и орган были здесь главными элементами. Другим центром был юг Европы - Италия, здесь формировались инструментальные формы - сонаты и концерт. В эпоху Барокко было необычайно велико влияние церкви и государства на развитие музыки. Ни Италия, ни Германия в то время не существовали в том виде, в каком мы знаем их сегодня. Германия представляла собой сложную массу мелких княжеств, каждое со своим правителем и придворными музыкантами. Судьба многих композиторов и их статус во многом зависел от благосклонности и от отношения к музыке двора, где он служил, и композиторы-музыканты искали места в городах или при дворах, где их музыка обретет известность и будет процветать под покровительством короля или принца. В эпоху Барокко многие инструменты достигли пика своего развития. Органы, постороенные немцами Арпом Шнитгером и Готфридом Зильберманом, были и до сих пор остаются лучшими инструментами. Скрипки и другие струнные инструменты, созданные в эпоху Барокко итальянскими мастерами, и сейчас обладают неповторимым звучанием и являются мечтой многих профессиональных музыкантов. Домашние, а потом концертные клавишные инструменты являются примером того, как музыкальный инструмент сначала исчезал, потом модифицировался и вновь возвращался. Широко распространённый клавесин в эпоху Барокко начал сменяться первыми фортепиано, которые также изготавливал друг И.С.Баха органостроитель Готфрид Зильберман.

В это время сложился оркестр с фиксированным состаавом. Его основа – струные инструменты(камерный оркестр), часто к ним добавл. Духовые инструменты, деревянные – флейта, гобой, фогот, кларнет; медные- трубы, валторны, тромбоны, иногда клавесин. Самый популярный инструмент – скрипка.

Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах. Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660—1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И. С. Баха и Генделя; оперы и оратории часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo.

Такие формы духовной музыки, как месса и мотет, стали менее популярны, но форме кантаты уделили внимание множество протестантских композиторов, в том числе Иоганн Бах. Развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги.

Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями.

Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И. С. Баха, общепризнанные интеллектуальными шедеврами эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

Мадригал – песня на родном языке, сохланная в аристократической среде.

Наиболее популярная сюита, в основу положены 4 танца:

· Аллиманда( шествие под музыку,открытие балов)

· Куранта(живой, быстрый)

· Сарабанда( медленный)

· Жига (быстрый)

Кроме основных, менуэт.( старинный народный французский грациозный танец, названный так вследствие своих мелких па)

И.С.Бах.

Родился 21 марта 1685 г. в Эйзенахе, где отец занимал должность придворного музыканта. В биографии Иоганна Себастьяна Баха изначально была заложена страсть к музыке, ведь его предки были профессиональными музыкантами.Рано потеряв родителей (Баху не было и десяти лет), мальчик переехал в Ордруф к старшему брату Иоганну Кристофу, у которого и учился музыке.

К 17 годам он играл на скрипке, альте, клавире и органе, пел в хоре. Баха пригласили в Веймар служить музыкантом при дворе. Это приглашение стало началом его карьеры, закончившейся в должности кантора (дирижёр хора, органист и сочинитель духовной музыки) в церкви Святого Фомы в Лейпциге (с 1723 г.).

Творческое наследие Баха огромно. Он создавал произведения во всех известных в то время жанрах, кроме оперы: оратории, кантаты, мессы, мотеты, музыку для органа, скрипки и фортепиано.

В Веймаре, где был прекрасный орган, Бах написал серию органных токкат (из них наиболее знаменита ре-минорная). В Лейпциге ему приходилось на каждой воскресной церковной службе исполнять новую кантату. Таким образом он стал автором 265 кантат (пять годовых циклов). Кроме духовных писал светские кантаты («Кофейная», «Крестьянская» и др.).

Полифонический жанр фуги Бах довёл до совершенства: в его «Хорошо темперированном клавире» (1722—1744 гг.) каждой тональности соответствуют отдельные прелюдия и фуга.

В цикле «Искусство фуги», над которым Бах работал последние десять лет жизни, представлены произведения, развивающие — каждый раз неповторимо — одну и ту же тему.

Вершинами вокально-инструментальной музыки явились композиции «Страсти по Иоанну» (1724 г.), «Страсти по Матфею» (1727 или 1729 г.), а также «Высокая месса си-минор» (1747— 1749 гг.).

Скончался 28 июля 1750 г. в Лейпциге, где жил постоянно с момента переезда туда.

Современники ценили творчество Баха, однако масштаб его дарования был осознан лишь спустя полвека после смерти композитора.

А. Вивальди

Антонио Вивальди родился в Венеции 4-ого марта 1678 года. Хотя он стал священником в 1703 году, согласно его собственному отзыву, в течение года после того, как он был назначен священником, Вивальди больше не желал служить мессу из-за физических жалоб ("плотность в груди"), указывая на стенокардию, астматический бронхит, или нервное расстройство.

Также возможно, что Вивальди изображал болезнь - есть история, что он иногда оставлял алтарь, чтобы быстро кратко записать музыкальную идею в ризнице. В любом случае он стал священником против своего собственного желания, возможно, потому что в своё время обучение духовенству часто было единственным возможным путем для бедной семьи, чтобы получить бесплатное образование.

Хотя он написал много прекрасных и незабываемых концертов, таких как Четыре Сезона и Опус 3, например, он также написал много работ, которые походят на упражнения с пятью пальцами для студентов.

Антонио Вивальди (Antonio Vivaldi, 1678-1741) - итальянский композитор, скрипач, дирижер, педагог. Учился у своего отца Джованни Баттисты Вивальди - скрипача собора Сан-Марко в Венеции, возможно также у Дж. Легренци. В 1703-25 педагог, затем дирижер оркестра и руководитель концертов, а также директор (с 1713) женской консерватории "Пьета" (в 1735 вновь недолго был капельмейстером). Антонио Вивальди сочинял музыку для многочисленных светских и духовных концертов консерватории. Одновременно писал оперы для театров Венеции (участвовал в их постановке). Как скрипач-виртуоз концертировал в Италии и других европейских странах. Последние годы провел в Вене.

В творчестве Антонио Вивальди высшего расцвета достиг concerto grosso. Опираясь на достижения А. Корелли, Вивальди установил для concerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Он создал жанр сольного инструментального концерта, способствовал развитию виртуозной скрипичной техники. Музыкальный стиль Вивальди отличают мелодическая щедрость, динамичность и экспрессивность звучания, прозрачность оркестрового письма, классическая стройность в сочетании с эмоциональным богатством. Концерты Антонио Вивальди послужили образцами концертного жанра для многих европейских композиторов, в т. ч. Иоганна Себастьяна Баха (переложил около 20 скрипичных концертов Вивальди для клавесина и органа). Цикл "Времена года" - один из ранних образцов программной оркестровой музыки. Существен вклад Вивальди в развитие инструментовки (он первым применил гобои, валторны, фаготы и другие инструменты как самостоятельные, а не дублирующие). Инструментальный концерт Вивальди явился этапом на пути формирования классической симфонии. В Сиене создан Итальянский институт имени Вивальди (возглавлял Ф. Малипьеро).

Оперы (более 40), в т. ч. Нерон, ставший Цезарем (Венеция, 1715), Олимпиада (там же, 1734); оратории - Юдифь (1716) и др.; светские кантаты, серенады, Stabat Mater и другие церковные произведения; инструментальные концерты (465), в т. ч. concerti grossi (49), для одного инструмента с basso continue (331, в т. ч. 228 для скрипки) и др.

4. Жанр оперы в Италии(17-нач 18 в):опера-сериа и опера-буффа, сюжеты, стиль, певчиские голоса. Оперные школы итальянских городов.

Опера в Италии. В конце XVI века в Италии сложился художественный стиль барокко (от ит. barocco — странный, причудливый). Этому стилю были присущи выразительность, драматизм, зрелищность, стремление к синтезу разных видов искусства. Данные черты в полной мере проявились в опере, возникшей на рубеже XVI— XVII веков. Одно произведение соединяло в себе музыку, поэзию, драматургию и театральную живопись. Первоначально опера имела иное название: «драма для музыки», слово «опера» (opera) стало употребляться для подобного рода музыкально-драматических произведений только в середине XVII века.

Опера - жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки.

Строение оперы: большое музыкально-театральное сочинение, в котором участвуют хор, солисты, оркестр, танцоры. Сценография( декорации,свет,костюмы). Машинерия ( технические, инженерные приспособления и приемы, необходимые для того, чтобы обеспечить наглядное развитие сюжета: эффекты и т.д.).

Опера состоит из нескольких актов. Весь текст и нотный, и словесный помещен в книгу « партитура»( лежит перед дирижером). Текст и содержание оперы – либретто. Отдельные номера опер- арии.

Ария – сольный номер, который поручается герою. В них характеризуется либо сам герой, либо др. действующие лица, либо какая –то ситуация, в которую попал герой. В арии действие оперы останавливается. Есть дуэты, трио. Арии часто запечетлевали различные грани чувств внутреннего мира. На протяжении 17 века сложилось 2 типа опер:

· Опера – сериа( серьезная опера) жанр итальянской оперы, возник в конце XVII века в творчестве композиторов неаполитанской оперной школы. Оперу-сериа создавали на основе героико-мифологического или легендарно-исторического сюжета с чётким распределением сценического действия и музыки. В музыке преобладали речитативы и большие виртуозные арии солистов, которые словно соревновались в мастерстве вокализации.

· Опера – буффа (комическая) итальянская комическая опера. Возникла в XVIII веке на основе интермедий и народно-бытовой песенной традиции (в противовес опере-сериа). Самые известные авторы оперы-буффа: Джованни Перголези, Джованни Паизиелло, Доменико Чимароза. Для этого жанра характерны небольшие масштабы, 2-3 действующих лица, весёлая буффонада, подвижность действия, пародия, яркая, живая жанровая мелодика, ясность стиля. Опера-буффа основывалась на бытовых сюжетах, нередко приобретавших сатирическую окраску.

Впервые муз. Драм. Спектакль был поставлен во Флоренции, во дворце Медичей. В конце 16 века это было дорогое удовольствие, увлекательное развлечение.в 1600 году по случаю бракосочетания дочери Медичей и сына французского короля, среди прочих развлечений была показзана опера «орфей»., приглашены самые знаменитые люди италии. Знаменитые гости разнесли по всей Европе славу об этом новом жанре и многие устраивали у себя оперные театры. В этот же год была поставлена еще одна опера на этот сюжет « Эвридика». На протяжении 17 века в разных городах Италии сложились оперные школы. В риме любили религиозные сюжеты, часто нравствено-поучающего характера. Опер длилась 5-6 часов. Во время антракта показывали оперу (20-30 минут) веселую, в современных костюмах.

Певческие голоса:

Женские

· Сопрано, лирическое сопрано, колоратурное, меццо-сопрано, альт.

Мужские

· Тенор (лирический, драматический), баритон, бас, дискант, тенор-альтино.