Деятельность музыкальных учреждений Беларуси: Театра оперы и балета,Театра муз.комедии,Филармонии,Академии музыки

Национальный академический Большой театр оперы и балета Республики Беларусь (1933)— единственный оперный театр и крупнейший театр в Беларуси, расположенный в столице государства городе Минске, главная музыкальная и театральная сцена страны.

Помимо оперной и балетной трупп в театре имеется симфонический оркестр (старейший творческий коллектив республики), хор, детский музыкальный театр-студия, творческий коллектив «Белорусская капелла».

Представления в театре идут в большинстве спектаклей на языке оригинала, а также на обоих государственных языках страны — на белорусском и русском. Национальный академический Большой театр оперы и балета Республики Беларусь создан в 1933 году как Государственный театр оперы и балета Беларуси на базе Белорусской студии оперы и балета. С 1940 года – Большой, с 1964 – академический.

В 2009 году закончилась реконструкция здания театра .

В составе театра также работает творческий коллектив "Белорусская капелла", который занимается научной, издательской и концертной деятельностью, направленной на возрождение старинной белорусской музыки (в частности, по инициативе и при участии коллектива были осуществлены записи старинных белорусских опер "Агатка" и "Аполлон-законодатель", постановка оперы "Фауст").

За последние годы коллектив театра побывал более чем в 30 странах мира. Наверное, на географической карте скоро останется совсем мало государств, где хотя бы один раз не выступал театр оперы и балета Республики Беларусь: от Португалии и Испании до Японии и Китая, от Норвегии и Великобритании до Турции и Таиланда — везде коллектив нашел своих горячих поклонников.

23 мая 2013 г. Национальному академическому Большому театру оперы и балета Республики Беларусь - 80 лет!

Белорусский Государственный Академический Музыкальный ТеатрСоздан в 1970 году. До 2000 года именовался «Государственный театр музыкальной комедии Республики Беларусь». Свой первый театральный сезон открыл 1971 года спектаклем «Поёт Жаворонок» белорусского композитора Ю.Семеняко. За период своей творческой деятельности театр осуществил более ста постановок, многие из которых своей неординарностью привлекли к себе внимание самой взыскательной критики и театральной общественности. Сегодняшний репертуар театра отличается широтой творческого диапазона и жанровым разнообразием. На его афише широко представлены классическая оперетта, мюзикл, музыкальная комедия, комическая опера, рок-опера, балет, спектакли для детей, разноплановые концертные программы. Коллектив театра обладает большим творческим потенциалом, имеет в своём составе много ярких актёрских индивидуальностей – выдающихся мастеров сцены, чьи имена составляют гордость белорусского театрального искусства, и одарённую молодёжь, высокопрофессиональный симфонический оркестр, прекрасный хоровой коллектив, замечательную балетную труппу, что позволяет успешно решать самые сложные художественные задачи. Творческое кредо театра – уважение традиций музыкального искусства и смелость эксперимента. Для воплощения этих идей театр сотрудничает со многими известными композиторами и драматургами, приглашает для создания спектаклей талантливых постановщиков. О спектаклях театра много говорят, спорят, пишут, он является одним из самых популярных и посещаемых театров Минска.

Белорусская государственная филармония официально открылась 1937 года в составе симфонического оркестра, оркестра белорусских народных инструментов, Белорусского ансамбля народной песни и танца и Белорусской хоровой капеллы.

За выдающиеся успехи в развитии белорусского музыкального искусства Белорусская государственная филармония в 1940 году была награждена орденом Трудового Красного Знамени.

В апреле 1963 года состоялось открытие концертного зала Белгосфилармонии на 930 мест в районе площади Я.Коласа в Минске. На сцене был установлен современный орган чешской фирмы «Ригер-Клосс» на шесть с половиной тысяч труб. Регулярно проводимые органные концерты и сейчас пользуются популярностью у публики.

В музыкальных программах коллективов и солистов филармонии наряду с классикой видное место занимают лучшие образцы творчества белорусских композиторов. Вся многообразная деятельность Белгосфилармонии направлена на приобщение слушателей к произведениям мировой музыкальной культуры.

Все эти годы филармония ведёт активную концертную деятельность на всех концертных площадкам страны. Очень часто выступают прославленные белорусские коллективы и за рубежом.

Белорусская государственная академия музыки — высшее музыкально-педагогическое учебное заведение и научный центр музыковедения, фольклористики, эстетики, музыкальной педагогики в г. Минске. Основана в 1932 году, до 1992 года — Белорусская государственная консерватория им. А. В. Луначарского.

В 2000 году Белорусской Академии музыки был присвоен статус ведущего вуза национальной системы образования в области музыкального искусства. История Белорусской государственной академии музыки неразрывно связана с историей всей музыкальной культуры Беларуси XX столетия. Именно в Академии музыки сформировалась национальная композиторская школа, у истоков которой стоял ученик Н.А. Римского-Корсакова – профессор Василий Золотарёв.

Белорусская государственная академия музыки – один из крупных научных центров в области гуманитарных наук – музыковедения, фольклористики, социологии, эстетики, музыкальной педагогики.

За последние годы значительно расширились международные связи вуза: ведётся сотрудничество с рядом крупнейших международных организаций (Международным советом по музыкальному образованию, Европейской ассоциацией консерваторий, академий и высших школ музыки, Европейской организацией фортепианных педагогов, Всемирной ассоциацией цимбалистов и др.), заключены двусторонние соглашения с рядом зарубежных вузов – Московской государственной консерваторией им. П.И. Чайковского, Санкт-Петербургской государственной консерваторией им. Н.А. Римского-Корсакова, Казанской государственной консерваторией им. Н.Г. Жиганова, Литовской академией музыки и театра, Эстонской академией музыки и театра, Академией музыки им. Ф. Шопена в Варшаве, Академией музыки им. К. Липиньского во Вроцлаве, консерваторией в г. Ухани (КНР), университетами в г. Чжэнжоу и г. Кайфын (провинция Хэнань, КНР) и др. На базе Академии музыки организуются международные конкурсы (пианистов, исполнителей на народных инструментах им. И. Жиновича, струнных смычковых инструментов им. М. Ельского и др.), проводятся мастер-классы известных зарубежных исполнителей и педагогов. В стенах Академии обучается около 200 иностранных граждан из Армении, Бельгии, Испании, КНР, Молдовы, России, Украины.

Вопрос 35

20-е и начало 30-х годов — это период становления советской школы музыкального исполни-тельства. Храня преемственную связь с русским дореволюционным искусством, она утверждает в те годы свой сильный и яркий реалистический стиль, жизнерадостный, мужественный, полнокровный. Его отличает большая человеческая теплота, вдумчивое воспроизведение авторского замысла, острое чувство современности; подчинение виртуозности задаче раскрытия образного идейно-эмоционального содержания музыки.

Крупнейшие очаги советской музыкальной культуры в те годы — Государственный академический Большой театр Союза ССР в Москве, Ленинградский государственный академический театр оперы и балета, Ленинградский академический Малый театр оперы и балета (Малегот), осуществивший ряд интересных новаторских постановок из классического и современного оперного репертуара; старейший русский академический хор — Ленинградская государственная академическая капелла имени М. И. Глинки Московская, Ленинградская консерватории, а также филармонии, ставшие подлинными организаторами концертной жизни.

Примечательным явлением нашей музыкальной жизни 20-х годов становится возникновение связей с музыкальной культурой зарубежных стран. На оперной сцене и в концертных залах впервые исполняются произведения современных зарубежных композиторов. В Советский Союз приезжают на гастроли первые иностранные исполнители-виртуозы. Некоторые из них (выдающийся немецкий дирижер Оскар Фрид) в дальнейшем прочно связывают свою судьбу с нашей страной, ее культурой и искусством.

Крупнейшей личностью советского периода русской музыки был Д.Д.Шостакович,С.С.Прокофьева, приобретенный в двадцатилетие жизни за рубежом, позволили композитору сохранить творческую независимость, остаться самим собой и достичь таких творческих вершин, как балеты Ромео и Джульетта, Золушка, оперы Война и мир и Обручение в монастыре, Пятая, Шестая, Седьмая симфонии, фортепианные сонаты.

Успешно продолжали работать в 1920–1950-е годы отечественные мастера, выдвинувшиеся еще до революции: прежде всего, Николай Яковлевич Мясковский – автор 27 симфоний, замечательной камерной и фортепианной музыки, а также Рейнгольд Морицевич Глиэр, Сергей Никифорович Василенко, Михаил Михайлович Ипполитов-Иванов и другие; ленинградскую школу ярко представляли Юрий Александрович Шапорин, Владимир Владимирович Щербачев, Гавриил Николаевич Попов, московскую – Анатолий Александрович Александров, Виссарион Яковлевич Шебалин, Дмитрий Борисович Кабалевский и др

в 1960–1970-е годы важными были две тенденции: возвращение к духовным и собственно художественным истокам национальной традиции и стремление к наверстыванию упущенного в предшествовавшие три десятилетия, т.е. к освоению опыта мировой культуры 20 в.

Шостакович — классик музыки XX в. Ни один из ее великих мастеров не был так тесно связан с трудными судьбами своей родной страны, не сумел с такой силой и страстью выразить кричащие противоречия своего времени, оценить его суровым нравственным судом. Именно в такой сопричастности композитора боли и бедам своего народа и заключено основное значение его вклада в историю музыки века мировых войн и грандиозных социальных потрясений, каких дотоле не знало человечество.Шостакович по своей природе — художник универсального дарования. Нет ни одного жанра, где он не сказал своего веского слова. Вплотную соприкоснулся он и с тем родом музыки, который порой высокомерно третировался серьезными музыкантами. Он — автор ряда песен, подхваченных массами людей, и поныне восхищают его блестящие обработки популярной и джазовой музыки, которой он особенно увлекался в пору становления стиля — в 20-30-е гг. Но главной областью приложения творческих сил для него стала симфония. Но грубый и несправедливый разнос, учиненный в 1936 г. в редакционной статье газеты «Правда» под заглавием «Сумбур вместо музыки», надолго отбил у него охоту заниматься оперным жанром — предпринимавшиеся попытки (опера «Игроки» по Н. Гоголю) остались незавершенными, а замыслы не перешли в стадию воплощения.

Родился Дмитрий Шостаковичв 1906 г. Отец егоинженер-химик, сотрудник Менделеева, был большим любителем музыки. Обладатель мягкого, приятного баритона, он с тонким вкусом исполнял романсы и народные песни, выступая на домашних вечерах.Любовь к пению, музыке перешла к нему от отца.

Его жизненный путь не был богат событиями. Окончив Ленинградскую консерваторию с блистательным дебютом — великолепной Первой симфонией, он начал жизнь композитора-профессионала сначала в городе на Неве, затем в годы Великой Отечественной войны в Москве. Сравнительно краткой была его деятельность как преподавателя консерватории — покинул ее он не по своей воле.

Многие сочинения композитора, последовавшие за столь блистательным началом, отразили неспокойную атмосферу времени. Так во Второй и Третьей симфониях(«Октябрю» — 1927, «Первомайская» — 1929)

Стиль Шостаковича не только воспринял воздействия, исходящие из опыта мировой музыкальной культуры (здесь наиболее важны для композитора были М. Мусоргский, П. Чайковский и Г. Малер), но и впитал в себя звучания тогдашнего музыкального быта — той общедоступной культуры «легкого» жанра, которая владела сознанием масс. Отношение к ней у композитора двойственное — он порой утрирует, пародирует характерные обороты модных песен и танцев, но в то же время облагораживает их, поднимает до высот настоящего искусства. Такое отношение с особенной четкостью сказалось в ранних балетах «Золотой век» (1930) и «Болт» (1931), в Первом фортепианном концерте (1933).

И наконец, нельзя не сказать о другой стороне творческой деятельности молодого композитора — он много и упорно работал в кинематографе, сначала как иллюстратор при демонстрации немых фильмов, затем как один из создателей советского звукового кино. Его песня из кинофильма «Встречный» (1932) обрела всенародную популярность.

В 1932опера «Катерина Измайлова», написанная на сюжет повести Н. Лескова «Леди Макбет Мценского уезда». В образе главной героини раскрыта сложная внутренняя борьба в душе по-своему цельной и богато одаренной от природы натуры — под гнетом «свинцовых мерзостей жизни», под властью слепой, нерассуждающей страсти она идет на тяжкие преступления, за которыми следует жестокая расплата.

Однако наибольшего успеха композитор добился в Пятой симфонии (1937) — наиболее значительном и принципиальном достижении в развитии советского симфонизма 30-х гг. Сила Пятой симфонии заключена в том, что переживания ее лирического героя раскрыты в теснейшей связи с жизнью людей и — шире — всего человечества в канун величайшего потрясения, когда-либо пережитого народами мира, — второй мировой войны. Это и определило подчеркнутый драматизм музыки, присущую ей обостренную экспрессию — лирический герой не становится в этой симфонии пассивным созерцателем, он судит происходящее и предстоящее высшим нравственным судом. В неравнодушии к судьбам мира и сказалась гражданская позиция художника, гуманистическая направленность его музыки. Ее можно ощутить и в ряде других работ, относящихся к жанрам камерного инструментального творчества, среди которых выделяется фортепианный Квинтет (1940).

В годы Великой Отечественной войны Шостакович стал в первые ряды художников — борцов против фашизма. Его Седьмая («Ленинградская») симфония (1941) была воспринята во всем мире как живой голос сражающегося народа, вступившего в схватку не на жизнь, а на смерть во имя права на существование, в защиту высших человеческих ценностей. В этом произведении, как и в созданной позднее Восьмой симфонии (1943), антагонизм двух противостоящих друг другу лагерей нашел прямое, непосредственное выражение. Никогда еще в искусстве музыки силы зла не были обрисованы столь рельефно, никогда еще не была с такою яростью и страстью обнажена тупая механичность деловито работающей фашистской «машины уничтожения». После несколько облегченной Девятой (1945), своего рода интермеццо, не лишенного, однако, явственных отзвуков недавно завершившейся войны, композитор создал вдохновенную Десятую симфонию (1953), в которой была поднята тема трагической судьбы художника, высокой меры его ответственности в современном миреРеволюция 1905 г., отмеченная кровавым воскресеньем 9 января, оживает в монументальной программной Одиннадцатой симфонии (1957), а свершения победоносного 1917 г. вдохновили Шостаковича на создание Двенадцатой симфонии (1961). И наконец, в последней, Пятнадцатой симфонии (1971) вновь оживают образы детства, воссоздающиеся перед взором умудренного жизнью творца, познавшего поистине неизмеримую меру человеческих страданий.

Особенное внимание он уделял концертным и камерно-инструментальным жанрам. Им были созданы 2 скрипичных (1948 и 1967), два виолончельных концерта (1959 и 1966), Второй фортепианный (1957.Квартеты Шостаковича поражают разнообразием решений от многочастных циклов (Одиннадцатый — 1966) до одночастных композиций (Тринадцатый — 1970). В ряде своих камерных произведений (в Восьмом квартете — 1960, в Сонате для альта и фортепиано — 1975) композитор возвращается к музыке прежних своих сочинений, придавая ей новое звучание.

Среди произведений других жанров можно назвать монументальный цикл Прелюдий и фуг для фортепиано (1951), навеянный баховскими торжествами в Лейпциге, ораторию «Песнь о лесах» (1949), где впервые в советской музыке поднята тема ответственности человека за сохранение окружающей его природы. Продолжалась в послевоенные годы и работа в кинематографе — широкую известность приобрела музыка Шостаковича к кинофильмам «Овод» (по роману Э. Войнич — 1955), а также к экранизациям трагедий В. Шекспира «Гамлет» (1964) и «Король Лир» (1971). Шостакович оказал значительное воздействие на развитие советской музыки.

Вопрос 36

Русский послевоенный музыкальный авангард 1960-80-х гг. представлен творчеством композиторов, выступивших на авансцену в начале 1960-х гг. Хронологически первым авангардистом этой волны следует считать А.М. Волконского, который приехал в СССР с семьей из эмиграции (1947). Продолжив обучение в Московской консерватории, он начал сочинять в серийной технике Шѐнберга и Веберна. Группу «авангарда» возглавили три московских автора - Э.В. Денисов, С. А. Губайдулина и А.Г. Шнитке. Присоединялись в этот период и другие авторы, например Н.Н. Каретников, С.М. Слонимский, Р.К. Щедрин, Б.И. Тищенко, А.С. Караманов, на Украине - В.В. Сильвестров, Л.А. Грабовский, в Азербайджане - К.А. Караев, в Эстонии - А. Пярт и др. Характерной особенностью музыкального авангарда на территории СССР были неофольклорные ориентиры», когда новые техники применялись к разработке народных напевов, аутентичной культуры - нетемперированный строй русской крестьянской песни мог совмещаться с авангардистской микроинтервальной техникой. Хронологически первой осваиваемой «советским авангардом» техникой был сериализм, затем сонористика и алеаторика; одновременно началось развитие электронной музыки и разных смешанных видов письма и техник композиции: появились понятия из области полистилистики (термин введен в обиход А. Шнитке). К началу 1970-х гг. русский авангард «совпал» с некоторыми тенденциями западного искусства. Ко второй половине 1970-х гг. стали складываться явления, называемые «новым традиционализмом», неоромантизмом, «новой простотой» и т.д. Они отразились и в творчестве корифеев музыкального авангарда - у Губайдулиной, в основе техники которой в принципе лежит тембровая композиция, или у Денисова, в поздних сочинениях которого расширяется жанрово-стилистический спектр, у Пярта, который пришел к религиозному искусству аскетичной «новой простоты». Характерной особенностью музыки 60—90-х годов я в ляется соединение в одном произведении принципов различных жанров — симфонических, хоровых, камерных, инструментальных и вокальных. Появляются сочинения, имеющие особые, неизвестные ранее жанровые названия, например "Поэтория" Р. Щедрина, "Драматория" А. Караманова. Хоровые действа Гаврилина сочетают в себе признаки оратории, симфонии, вокального цикла, балета, драматического спектакля. Влияние жанра оратории обнаруживается в Тринадцатой симфонии Шостаковича, а синтез симфонии, камерной вокальной и инструментальной музыки — в его Четырнадцатой симфонии. Подобные взаимодействия характерны и для музыкального стиля. В одном произведении могут сочетаться тональная музыка мелодического склада и жесткая, атональная; строгий "классический" стиль и музыка современного быта, эстрада, джаз. Так, например, С. Губайдулина написала концерт для двух оркестров, эстрадного и симфонического, С. Слонимский — Концерт для бит-группы с оркестром, А. Эшпай — Концерт для саксофона с оркестром, в котором соединил принципы симфонического стиля и джаза. Соединение в одном произведении различных музыкальных стилей стало одним из характерных явлений современной музыки. Оно получило название полистилистика. В полистилистике применяется также прямое цитирование чужого музыкального материала, который либо противопоставляется авторской музыке, либо «растворяется» в ней. Одной из разновидностей полистилистики является коллаж (термин заимствован из живописи): использование в произведении фрагментов чужого или своего, ранее написанного сочинения. Коллаж должен вызвать впечатление парадоксальности, несовместимости с авторским музыкальным текстом. Коренные изменения происходят и в области композиторской техники. Вместо привычного мажора и минора преобладает атональная музыка, используются серийная, сериальная техника, алеаторика, сонористика, микротоновая техника. Композиторы создают не требующую нотной записи электронную музыку, конкретную музыку, находят новые тембровые возможности музыкальных инструментов и человеческого голоса.

Гео́ргий Васи́льевич Свири́дов - советский и русский композитор, пианист. Народный артист СССР (1970), Герой Социалистического Труда (1975), лауреат Ленинской (1960) и Государственных премий СССР (1946,1968, 1980).

Среди его музыкальных произведений всемирно известный вальс к фильму по повести Александра Пушкина «Метель» (1964) и сюита «Время, вперёд!» (1965), тема заставки советского главного выпуска новостей «Время» в 21 час. Свои первые сочинения Свиридов написал ещё в 1935 году — ставший знаменитым цикл лирических романсов на слова Пушкина. Пока он учился в Ленинградской консерватории, с 1936 по 1941, Свиридов экспериментировал с разными жанрами и разными типами композиции. Он написал Концерт для фортепиано № 1 (1936—1939), Симфонию № 1 и камерную симфонию для струнных инструментов(1940). Стиль Свиридова значительно менялся на ранних этапах его творчества. Его первые произведения были написаны в стиле классической, романтической музыки и были похожи на работы немецких романтиков. Позже многие сочинения Свиридова писались под влиянием его учителя Дмитрия Шостаковича, но также, например в Первой партите для фортепиано, заметно внимание композитора к музыкальному языку Пауля Хиндемита. Начиная с середины 1950-х годов, Свиридов обрел свой яркий самобытный стиль, и старался писать произведения, которые носили исключительно русский характер. Самым непосредственным образом с родным краем связан хоровой цикл Свиридова «Курские песни». Это произведение дало определение новому направлению в русской музыке, получившее название «новая фольклорная волна», в русле которой работали и композиторы-«шестидесятники» — Р. К. Щедрин, Н. Н. Сидельников, С. М. Слонимский, В. А. Гаврилин и другие. Музыка Свиридова долго оставалась малоизвестна на Западе, но в России его работы пользовались грандиозным успехом у критиков и слушателей за их простые, но тонкие по форме лирические мелодии, масштаб, мастерскую инструментовку и ярко выраженный, оснащенный мировым опытом национальный характер высказывания. Свиридов продолжал и развивал опыт русских классиков, прежде всего М. П. Мусоргского, обогащая его достижениями XX столетия. Он использует традиции старинного канта, обрядовых попевок, знаменного пения, а в то же время — и современной городской массовой песни. Творчество Свиридова сочетает в себе новизну, самобытность музыкального языка, отточенность, изысканную простоту, глубокую духовность и выразительность.

Родио́н Константи́нович Щедри́н (род. 16 декабря 1932, Москва, СССР) — советскийкомпозитор, пианист, педагог. Народный артист СССР (1981). Лауреат Ленинской (1984),Государственной премии СССР (1972) и Государственной премии РФ (1992). ЧленМежрегиональной Депутатской группы (1989—1991).

ервым учителем музыки Р. К. Щедрина стал его отец Константин Михайлович, который родился в селе Воротцы Тульской губернии, а детство провёл в Алексине под Тулой. Он был одарён редкостными музыкальными способностями -«магнитофонной» памятью (запоминал музыку с одного раза), абсолютным слухом. Его способности заметила приезжавшая в город актриса В. Н. Пашенная, которая за свой счёт отправила мальчика в Москву, где он окончил Московскую консерваторию.

Музыкой Р. Щедрин был окружён с самого детства: слышал игру отца на скрипке, инструментальное трио в составе отца и его братьев.

В 1941 году был отдан в Центральную музыкальную школу-десятилетку при Московской консерватории. Реально же заниматься по фортепиано начал частно — у М. Л. Гехтман.

Во время Великой Отечественной войны (в октябре 1941 года) семья Щедриных была эвакуирована в Самару. В этот же город был эвакуирован и Д. Шостакович, завершивший в нём свою знаменитую Седьмую симфонию; юному Родиону довелось услышать её на генеральной репетиции под управлением С. Самосуда. Д. Шостакович и К. Щедрин вели работу в Союзе композиторов, первый — как председатель, второй — как ответственный секретарь. Шостакович заботливо помогал семье Щедриных в трудных бытовых и иных обстоятельствах.

Продолжил своё музыкальное образование Щедрин в Московском хоровом училище (1944—1950), возглавляемомА. В. Свешниковым.

В 1950—1955 годах Р. К. Щедрин учился в МГК имени П. И. Чайковского, которую с отличием окончил по двум специальностям: композиции (класс Ю. А. Шапорина) и фортепиано (класс Я. В. Флиера).

В 1959 году там же окончил аспирантуру (рук. Ю. А. Шапорин).

Балеты

·«Конёк-Горбунок» (по одноимённой сказке П. П. Ершова, 1960)

·«Кармен-сюита» (транскрипция фрагментов оперы Ж. Бизе «Кармен» , 1967)

·«Анна Каренина» (лирические сцены по роману «Анна Каренина» Л. Н. Толстого, 1972)

·«Чайка» (по мотивам одноимённой пьесы А. П. Чехова, 1980)

·«Дама с собачкой» (по одноимённому рассказу А. П. Чехова, 1985)

Оперы

·«Не только любовь», лирическая опера в 3 действиях с эпилогом (по мотивам рассказов С. П. Антонова, либретто В. А. Катаняна,1961)

·«Мёртвые души», оперные сцены (по роману «Мёртвые души» Н. В. Гоголя, либретто Р. Щедрина, 1977)

·«Лолита» (по одноимённому роману В. В. Набокова, либретто Р. Щедрина, 1992)

·«Очарованный странник» (по одноимённой повести Н. С. Лескова, либретто Р. Щедрина, 2002)

·«Боярыня Морозова» (русская хоровая опера для 4 солистов, смешанного хора, трубы, литавр и ударных, либретто Р. Щедрина по мотивам «Жития протопопа Аввакума» и «Жития боярыни Морозовой», 2006)

·«Левша» (Сказ о тульском косом Левше, опера в 2 действиях по одноимённой повести Н. С. Лескова, либретто Р. Щедрина, 2013)

Симфонии

·Первая симфония. Для большого симфонического оркестра. В трех частях (1958)

·Вторая симфония (25 прелюдий). Для большого симфонического оркестра. В пяти частях (1965)

·Третья симфония «Лица русских сказок». Symhonie concertante. Для симфонического оркестра. В пяти частях (2000)

Валерий Александрович Гаври́лин (17 августа 1939 — 28 января 1999) — советский и российский композитор, автор симфонических и хоровых произведений, песен, камерной музыки, музыки к кинофильмам. Лауреат Государственной премии СССР (1985). Народный артист РСФСР (1985).

Для творчества Гаврилина характерны русская напевность и лиризм. Им введены новые формы хорового музицирования, основанные на синтезе академических и бытовых жанров. Со своей «Русской тетрадью» он вошёл в музыку в 60-е годы, в период так называемой второй неофольклорной волны, своеобразной параллели творчеству русских писателей-«деревенщиков». В «Русской тетради» и в «Военных письмах» он воплотил образ северо-русской крестьянки, а в вокальном цикле «Вечерок» создал портрет своеобразной Гретхен русской провинции.

Как эстетика, так и стиль Валерия Гаврилина — пример неоромантических тенденций в русской музыке. Это проявлявлось прежде всего в тяготении к излюбленному романтиками жанру песни, в эстетизации и утончённой разработке простых песенных форм. Из песен складываются камерные вокальные циклы, вокально-симфонические поэмы. Композиционно им близки и своеобразные песенные «действа» — найденная композитором форма музыкально-поэтического театра. В «действах» угадывается отдалённая связь с народными музыкальными представлениями, традиции «играть» песню, есть в них и психологическая тонкость вокальных циклов. Имеют они условный сюжет, обычно сводящийся к какой-нибудь одной драматической ситуации. «Действа» разнообразны по содержанию, по своей жанровой природе. Так, «Свадьба» (либретто В. А. Гаврилина и А. Шульгиной) и «Пастух и пастушка» (поВ. П. Астафьеву) ближе к психологической драме, а представление и песенки из старой русской жизни «Скоморохи» (слова В. Коростылёва) — образец социальной сатиры. В хоровой симфонии-действе «Перезвоны» сатирический элемент переплетен с мифологическим, со сказочной фантастикой, с аллегорией, с драматической темой суда личной совести перед лицом смерти.

В инструментальной музыке Валерия Гаврилина большое место занимают программная миниатюра, характерные и жанровые пьесы, составляющие его оркестровые сюиты и дивертисменты. Вокальный по природе талант композитора отличается неповторимой, собственной интонацией. Как и у любимых им ранних романтиков, у Гаврилина — культ мелодии. Свежий, первозданный песенный мелодизм — душа его музыки.

Балеты

·Анюта, балет в 2-х действиях, либретто А. А. Белинского по А. П. Чехову. постановка В. В. Васильева (1982)

·Дом у дороги, балет в 1-м действии, либретто А. А. Белинского по поэме А. Т. Твардовского (1984)

·Подпоручик Ромашов по А. И. Куприну (1985)

·Женитьба Бальзаминова по А. Н. Островскому (1989)

Оперы

·Моряк и рябина (1968)

·Семейный альбом (1969)

·Пещное действо (1970)