Пейзажисты второй половины XIX века

Пейзаж не имеет цены, если он только красив, в

нем должна быть история души. Он должен

быть звуком, отвечающим сердечным чувствам.

К.Коровин

Внимание русских художников к окружающей их действительности в 19-м веке постепенно ширилось. Вслед за изучением образа человека и его жизни глазам художников начала открываться и своеобразная прелесть русской природы. Венецианов еще робко намечал простые сельские виды, но и только, как фоны картин на темы жизни крестьян. Сильвестр Щедрин, правда, писал чудесные пейзажи, но то были виды далекой Италии. Во второй половине 19-го века появляется ряд весьма интересных русских пейзажистов. На первой выставке Товарищества Передвижников в 1871 году была картина художника Саврасова «Грачи прилетели». На картине изображен весенний день, когда снег еще не стаял, но вернулись уже птицы и своим появлением говорят о новой поре года. За домами и забором видны колокольня и белая церквовь, а дальше простирается далекая равнина с лежащим еще кое-где снегом. Мотив самый простой, но не в мотиве дело, это пейзаж настроения, проникнутый любовью художника к русской природе. «Изучайте и чувствуйте», - говорил Саврасов своим ученикам. Картина Саврасова полна тонких переживаний, тут чувствуется дуновение весны, тихая жизнь природы, оживленная прилетом птиц.

Ученик Саврасова, художник Коровин вспоминает: «Он учил свою мастерскую мечтать, умел разбудить эту жажду мечты. Он сильно чувствовал красоту в природе и умел пробудить к ней восторг... Он учил чувствовать не форму, а какую-то особую скрытую жизнь природы».

Умение показать «душу» природы выделяет Саврасова как тонкого лирика в русской живописи.

Колорит картины «Грачи прилетели» выдержан в серебристо-голубых тонах. Прекрасно написано небо, занимающее половину плоскости картины, по которму плывут нежные облака. Ветки берез тают в своих очертаниях и тянутся к высокому небу. Привлекает в картине игра солнечного света, то попадающего на снег и забор, то оставляющего в тени далекую равнину; это разнообразие освещения повышает живописные качества картины.

Еще сильнее почувствован художником внутренний помысел картины «Просёлок» Вечернему небу отведено здесь еще больше места, чем в картине «Грачи прилетели». После сильного дождя по небу несутся разорванные тучи, размыта глинистая дорога, она вся в лужах. Ветер качает придорожные ивы. Золотистые отсветы облаков в мокрой земле и лужах объединяют небо с землею. Картина написана как будто одним порывом и заставляет зрителя переживать непогоду, влажность воздуха, ветер.

Жизнь Саврасова кончается трагически. Он уходит в 1882 году на пенсию, пишет на продажу яркие картинки, живет полуслепой в страшной нужде и умирает в 1897 году. Ученики его любили и хранили его заветы.

В том же 1871 году, когда Саврасов написал картину «Грачи прилетели», молодой художник Васильев в возрасте 21 года выставляет на той же Передвижной выставке картину «Оттепель». Как и Саврасов, Васильев пишет весеннее пробуждение природы. В картине также много лирического чувства, что-то грустное замечается в этом пейзаже. Замерзшая река начала оттаивать и переходить ее уже опасно. Сквозь мутное небо прорывается луч вечернего солнца и выделяет отдаленный берег, деревья и покосившуюся избу.

Васильев юношей был почтальоном, поступил в Школу Поощрения Художеств в Петербурге, знакомится с Крамским, Репиным и Шишкиным, поражает всех своим талантом и необыкновенным мастерством живописи. Он едет вместе с Репиным на Волгу, где Репиин собирает материалы для картины «Бурлаки», и пишет там ряд пейзажей.

Но подкрадывается болезнь – туберкулез. С помощью друзей Васильева отправили в Крым. Он не бросает любимого дела и пишет там несколько пейзажей, среди них прекрасную картину «В Крымских горах». Васильеву удалось передать торжественную тишину горных вершин. Величие природы видно и в могучих соснах, стоящих у дороги, и в отдаленных снежных горах, окутанных облаками. Можно понять восторг Крамского, когда он писал Васильеву: «Что-то туманное, почти мистическое, чарующее, точно не картина, а в ней какая-то симфония доходит до слуха оттуда, сверху... Решительно никогда не мог я представить себе, чтобы пейзаж мог вызвать такие сильные ощущения».

В возрасте 23-х лет Васильев скончался в Крыму в 1873 году. Надо поражаться, как смог он в такие молодые годы создать столь совершенные произведения.

Богатырь русской пейзажной живописи – Шишкин – оставил богатое наследство. Работоспособность его была исключительна. Уезжая весной на этюды, он привозил поздней осенью до 800 этюдов и рисунков. Он был борцом за реализм, народность и национальность пейзажа. Любя родную страну и зная ее превосходно, Шишкин показал в картинах раздолье равнин, красоту соснового леса и дубовых рощ.

Нередко слышны теперь обвинения Шишкина в фотографичности, в чрезмерном показе деталей. На это надо возразить, что Шишкин не списывал безразлично виды природы, но строил свои картины и в них всегда есть внутренний образ. Кроме того он своими работами открыл новые темы пейзажа, до него не затрагивавшиеся. По своей натуре он был оптимистом.

Одна из ранних картин Шишкина – «Полдень в окрестностях Москвы», высокое небо с прозрачными облаками охватывает ржаное поле, среди которого вьется дорога. Прошел дождь, кое-где еще видны лужи, в воздухе свежо, солнце светит ярко, по дороге идут крестьяне. Чувствется мирное благословение, ее эпически величавый образ.

Крепкое начало жизни заложено у Шишкина в известной картине «Рожь». Среди спелой ржи уходит вглубь дорога и как величавые гиганты высятся отдельные могучие сосны. Порывы ветра колышат спелые колосья и как будто доносится шум качающихся от ветра сосен.

Саврасов и Васильев стремились запечатлеть задушевность русской природы, ее поэтичность, в то время как Шишкин говорит о природе языком трезвым, как бытописатель. Ему помогает точный рисунок, которым он владеет в совершенстве. «Природу должно искать во всей ее простоте, - утверждал Шишкин, - рисунок должен следовать за ней во всех ее прихотях формы».

Не только законченные картины Шишкина, но и его этюды, рисунки, офорты и литографии представляют большой интерес. Из породы деревьев он особенно любит дубы и сосны. Его увлекает красота изгиба ветвей мощного дуба, по стволу которого ползут прозрачные тени, а листва шумит, как бы приглашая насладиться приятной тенью под дубом. Шишкин указывал зрителю на возможность радостного восприятия природы. Поэтому понятны слова Шишкина:

«Надеюсь, придет время, когда вся русская природа, живая и одухотворенная, взглянет с холстов русских художников».

Уроженец Вятской губернии, Шишкин сохранил привязанность к родному краю и многие его картины связаны с местами, где он вырос и жил. С 1852 по 1856 год он учится в Московском училище живописи и ваяния, а затем 4 года в Академии Художеств. Получив при окончании Академии Большую золотую медаль, он едет за границу и знакомится с западноевропейской пейзажной живописью. Особенное впечатление на него производят работы французского художника Теодора Руссо. Возвратясь в Россию, Шишкин близко сходится с Крамским, становится деятельным членом Товарищества Передвижных Выставок, где показывает всегда свои работы.

К передвижной выставке 1897 года Шишкин готовил картину и на эскизе к ней сделал надпись: «Раздолье, простор, угодье, рожь. Божья благодать. Русское богатство». Таким, благословляющим природу художником, представляется сейчас Шишкин. Он скончался в 1898 году внезапно, работая в мастерской.

Рядом с Шишкиным надо назвать Куинджи (1842-1910), художника, шедшего в своей живописи совершенно иным путем. Шишкин – уроженец северной России, Куинджи родился на юге. Шишкин уделял рисунку главное внимание, Куинджи – краскам и свету. Но оба, каждый по-своему, любили природу и восторженно претворяли ее в своих картинах.

Куинджи родился в Мариуполе в бедной греческой семье. Он добивается возможности поехать в Феодосоию и работать несколько месяцев у Айвазовского. В 1868 году поступает в Академию Художеств, сходится с Репиным, Васнецовым и Крамским. Ранние картины исполнены им еще в академическом стиле и только с середины 1870-х годов Куинжди находит свой особый живописный язык. Картина «Украинская ночь» вызвала всеобщий восторг. Поэтический образ теплой южной ночи, бездонного ночного неба и спокойствия всей природы были показаны удивительно просто и убедительно. Над оврагом стояли освещенные лунным светом хаты и тополя, а в тени оврага поблескивала заросшая камышем река. Приемом обобщения плоскостей Куинджи добивался полного впечатления лунного света.

Еще более выразительно показал Куинджи яркий солнечный свет в картине «Березовая роща». Тут художник достиг соверешенного впечатления освещенной солнцем поляны, по которой протекает ручей. От родника, заросшего осокой, веет сыростью, на белых стволах берез играют яркие солнечные пятна. Свет на поляне настолько ярок, что хочется даже зажмурить глаза. Передача света становится главной темой картин Куинджи.

В 1880 году он устраивает в Петербурге необычную выставку, где была показана всего одна его картина – «Ночь на Днепре». Она вызвала небывалый успех. В бездонном ночном пространстве среди легких туч видна полная луна, и ее фосфорическое сияние отражается зеленоватыми отблесками в водной поверхности Днепра. «Тиха украинская ночь», - уснула в ночном мраке деревушка и только лунный свет наполняет спокойствие летней ночи. Не видно никаких подробностей пейзажа, одно только небо, величественное течение реки и льющийся свет луны. Есть нечто чарующее в этом полотне, говорящем о космичности природы.

Уроженец юга России Куинджи любил Днепр и степи. Он пишет в 1881 году картину «Днепр утром», когда в предрассветные часы берега Днепра полны тишины и покоя. Вспоминаются слова Гоголя: «Глядишь и не знаешь, идет или не идет его величавая ширина; и чудится, будто весь вылит он из стекла, и будто голубая зеркальная дорога, без меры в ширину, без конца в длину, реет и льется по зеленому миру».

С 1882 года Куинджи не выставляет своих картин, хотя продолжает работать. В конце века Куинджи был несколько лет профессором в Академии Художеств, его учениками были Рерих, Богаевский, Рылов, Пурвит и др.

«Надо научиться выражать то, что вас волнует, - говорил Куинджи своим ученикам, - что является вашим внутренним чувством... собирайте материал, который должен выразить ваши чувства живописью».

«Если я богат, - говорил Куинджи, - то мне все возможно, а вот если денег нет, то значит – буду голоден, болен и учиться нельзя, как было со мною. Но я добился своего, а другие погибают. Так это же не так, это же надо исправить, ... надо деньги дать тем, кто нуждается, кто болен, кто учиться хочет».

Так Куинджи и поступал. В 1898 году он повез на свой счет всех своих учеников в Европу, чтобы показать им произведения великих мастеров живописи, а для поощрения молодых художников пожертвовал в Академию сто тысяч рублей, чтобы проценты с этого капитала шли на премии за лучшие картины.

Также уроженцем юга России был Айвазовский (1817-1900). С детских лет он был зачарован Черным морем, морская стихия стала главной темой его картин. Айвазовский был высоко оценен и на Западе, шесть европейских Академий Художеств избрали его почетным членом, а музей Уффицци предложил ему написать автопортрет для своей галереи. Слава Айвазовского распространилась далеко за пределами России.

Айвазовский мог решать труднейшие задачи в показе морских просторов, прозрачности бушующих волн в океане, а также сияния солнца, или блеска луны с отражением в прибрежных волнах. Всё это делал он с легкостью и мгновенной маэстрией.

Всех удивляла необычайная быстрота работы Айвазовского. Но не всё огромное наследие художника (а им написано более трех тысяч картин!) одинакового качества. Были работы исполненные наспех и напоказ, но остается, конечно, еще много картин, которые и теперь поражают изображением стихийной силы моря.

Повышенная эмоциональность приводит Айвазовского в начале его деятельности к ряду романтических картин, из которых особой известностью пользуется «Девятый вал», написанная в 1850 году. В море бушуют грозные волны, набегая одна на другую; за ними идет громадная девятая волна, готовясь поглотить несчастных людей, спасающихся от кораблекрушения. Гребни волн подхватываются ветром и несутся над разъяренным океаном. Становится страшно за людей, уцелевших на остатках корабля, и хочется чтобы они спаслись.

Английский маринист Тернер восторженно приветствовал работы Айвазовского и писал в его честь: «Искусство твое высоко и могущественно, потому что тебя вдохновляет гений».

В 1880 году Айвазовский пишет картину «Черное море». Здесь нет бури, нет разъяренных волн, в их мерном движении чувствуется величие и сила природы. Морская стихия не обнаруживает себя внешне, а как бы исподволь руководит движением волн.

Крамской писал по поводу этой картины: «...Тут ничего нет кроме неба и воды, но вода – это океан беспредельный, суровый... а небо еще бесконечнее. Это одна из самых грандиозных картин, какие я только знаю. К ней именно приложимо выражение библейское: «Дух Божий, носящийся над бездной».

Одна из последних картин Айвазовского «Среди волн». Это подлинная стихия моря, где видны только пенящиеся волны, несущиеся под напором ветра, Годы не охладили юношеских порывов художника, а ему было во время работы над этой картиной 80 лет!

Как же писал художник огромные полотна, изображая бурный океан, морские баталии, ночные виды! Необычайная зрительная память помогала ему в работе. Сам Айвазовский говорил:

«Человек, не одаренный памятью, может быть живым фотографическим аппаратом, но истинным художником – никогда. Движения живых стихий неуловимы для кисти: писать молнию, порыв ветра, всплеск волн – немыслимо с натуры. Для этого художник должен запомнить их... Мое воображение сильнее восприимчивости действительных впечатлений».

Кроме активной художественной деятельности Айвазовский много сделал и для своего родного города Феодосии. На средства художника построен водопровод, вода найдена за 26 верст от города. Айвазовский строит картинную галерею в Феодосии, субсидирует школы, помогает молодым художникам, у себя в мастерской устраивает концерты. Память о великом маринисте Феодосия хранит по сей день, как о добром общественном деятеле, вся же Россия помнит удивительного художника, воспевшего жизнь моря во всех его проявлениях.

«Я пробовал и перепробовал все виды живописи и пришел к заключению, что мой талант всего ближе к пейзажному...» - писал Василий Поленов, автор картины жанрового характера «Больная» и картины на евангельский сюжет «Христос и грешница», и также автор многих декораций в мамонтовском театре.

Художник, по существу, был прав, во всем его творчестве именно пейзажи действуют сильнее всего. Влекут к себе поленовские полотна интимной любовью к русской природе. Ближе всего можно определить сущность поленовских картин словом «ласковость». Глазами пейзажиста воспринимал он исторические события, через призму пейзажа смотрел на евангельские события. Его творческий дар загорался от восприятия окружающего, он исходил в своем искусстве больше от увиденного. Поэтому там, где нужна была выдумка, творчество Поленова не пленяет так, как в пейзажах.

Поленов родился в 1844 году в культурной дворянской семье. Отец был секретарем Археологического общества. Мать создала в семье художественную атмосферу, в которой выросли художник и его сестра Елена, - автор многих иллюстраций к русским народным сказкам. Проведя детство и юность в Петрозаводске, Поленов поступает в 1863 году одновременно в два высших учебных заведения: в Петербургский университет на юридический факультет и в Академию Художеств. В 1871 году весною кончает университет, а осенью, вместе с Репиным, - Академию Художеств, получает Большую золотую медаль за картину «Воскрешение дочери Иаира» и право на заграничную поездку. Профессор Чистяков в Академии, Крамской вне ее, содействовали развитию молодого художника и уяснению им самого себя.

Проф. Чистяков много позже говорил Поленову: «...Я ведь учил потому, что голова болела... Да и люблю я это дело. А всякий не может учить. Во всяком деле любовь... Вот и у Вас в картинах любовь...»

В Париже встречаются Поленов с Тургеневым, гр. А.К.Толстым; веселились у Полины Виардо, видел Э.Золя и Ренана. Ставили живые картины, в которых Поленов принимал главное участие. Во время балканской войны он едет добровольцем в отряд генерала Черняева. По окончании войны возвращается в Москву и примыкает к кружку Мамонтова. Ему близка атмосфера мамонтовского дома, которая способствует его художественным запросам.

В первые годы жизни в Москве Поленов пишет картины «Московский дворик», «Бабушкин сад», «Заросший пруд», «Больная» и др. Традиции Саврасова и Васильева чувствуются в картине «Московский дворик». Всё купается в лучах летнего солнца - дома, церкви, сараи. Жизнь течет мирно, нет никакой спешки, дети играют, протоптанные тропинки ведут в глубь тихого поэтического пространства. Задушевность изображения такого уголка старой Москвы явно чувствуется. Любовь художника к Божьему миру сквозит в каждой детали картины.

Картина «Заросший пруд» перекликается с описанием природы у Тургенева. Затаенный уголок парка окружен густой листвой деревьев. В тихой зеркальной поверхности пруда отражаются кусты и купы деревьев, а в глубине можно заметить сидящую на скамейке женскую фигуру. Все оттенки красок приведены в полную гармонию, создавая аккорд звучных насыщенных тонов. Можно сказать, что Поленов писал тут не объективную природу, но природу прошедшую сквозь душу художника, а это создавало поэтическое настроение.

Поленов дважды посещал Палестину и на этюдах его засветилось яркое южное солнце. Этюды служат ему материалом для большой картины «Христос и грешница».

Поленов мечтал устроить мастерскую среди природы и там всецело отдаться любимому делу. Эти мечты осуществились. Художник строит себе дом на берегу Оки и в этом доме-мастерской проводит последние 35 лет своей жизни. Среди сельской природы он чувствует себя привольнее и здоровее. Мирный уклад жизни способствует укреплению в нем взгляда, что «искусство должно давать счастье и радость, иначе оно ничего не стоит. В жизни так много горя, так много пошлости и грязи, что если искусство тебя будет обдавать ужасами да злодействами, то уже жить станет слишком тяжело».

Такой взгляд на целительную силу искусства Поленов прививал своим ученикам, среди которых были Левитан, Коровин, Архипов и др. Умея видеть радостное в жизни, Поленов горел желанием передать эту радость другим, зажечь сердца любовью к прекрасному. Последние пейзажи «Золотая осень», «Ранний снег», «Весенний разлив» дают представление о Поленове – поэте природы, услышавшем тайные голоса пробуждения жизни и ее осеннего увядания. «В багрец и золото одетые леса» в пейзажах Поленова раскинулись по берегам реки и красочным своим богатством поют хвалу Создателю.

«Добро он делал всем и каждому», - вспоминает художник Остроухов. – Он часто, бывало, раскрывал сундук со своими этюдами и предлагал нам брать из него что понравится». Поленов скончался в 1927 году.

Так прошла жизнь чистого душою художника, бескорыстно отдававшего окружающим свой светлый дар.

………………………………………….