К учащимся 3-го класса

Требования по музыкальной грамотности

К учащимся 1-го класса

1. Уметь определять характер музыки, различать песню-танец-марш (Трех китов), различать части в музыкальном произведении (куплет, запев, припев).

2. 3вуковысотность: уметь различать звуки высокие, низкие, средние, знать регистры, определять направление мелодии — вверх, вниз, на одной высоте.

3. Метроритм — определять звуки долгие, короткие, соотношение сильных и слабых долей.

4. Уметь определять темп — быстрый, медленный, умеренный.

5. Понимать динамику — громкое и тихое звучание.

6. К концу года знать нотный стан (I октаву), скрипичный ключ, длительности: восьмая, четвертная, половинная, целая.

7. Уметь сольфеджировать упражнения и песни, попевки. Знать средства музыкальной выразительности.

Требования по музыкальной грамотности

К учащимся 2-го класса

1. Уметь определять характер музыки, различать смену частей («Вальс» Шуберта, Аллегретто) в 2-х и 3-х частных произведениях, элементы средств музыкальной выразительности, сольфеджировать и сольмизировать песни и попевки.

2. 3вуковысотность — различать на слух законченность и незаконченность мелодий, определять тонику как главный устойчивый звук, петь мажорную и минорную гамму, тоническое трезвучие вверх и вниз.

3. Метроритм — уметь выделить на слух сильную долю, отмечать ее в движении, при дирижировании (например, «Полонез» Шопена, «Скворушка прощается»), иметь представление о тактовой черте и такте, знать, что такое лига, пауза, знаки повторения. Начинать петь двухголосие (канон, терция).

Требования по музыкальной грамотности

к учащимся 3-го класса

1. Развитие певческих и музыкально-слуховых навыков. Уметь определить характерные особенности народных песен (распевность, широта мелодии, смена тональностей).

2. Иметь понятие о ладах как общей слаженности звуков, определять на слух мажор и минор, устойчивые и неустойчивые ступени, знать цифровое обозначение ступеней звукоряда: I, II, III, IV, V, VI, VII.

3. Знать знаки альтерации, названия интервалов в пределах октавы.

4. Метроритм — знать размеры 2/4; 3/4;4/4 счет на 2 и на 3, определять размер по слуху. Пение 2-х голосных песен, знакомство с 16-ми длительностями. Петь по нотам все песни 3-го класса.

Методы музыкального обучения

Методы музыкального обучения рассматриваются как способы организации усвоения содержания предмета, отвечающих цели и ведущим задачам учебного процесса.

До появления новой программы по музыке в практике музыкальных занятий, в методических работах, в специальных исследованиях было накоплено большое разнообразие конкретных методов и приемов, соответствующих отдельным видам музыкально-учебной деятельности школьников на уроке. Но это были только различные подходы обучения, поиски эффективных путей и средств, методов музыкального обучения.

Программа по музыке Кабалевского с ее тематическим содержанием, основными принципами музыкальной педагогики объединила все формы и виды музыкальной деятельности на уроке. Все они стали подчиняться теме.

Цель и содержание, принципы, положенные в основу программы по музыке позволяют выделить 3 ведущих метода музыкального обучения:

1) метод музыкального обобщения;

2) метод перспективы и ретроспективы в процессе обучения;

3) метод эмоциональной драматургии.

Все эти методы направлены на активизацию мышления школьников, творческую организацию музыкальных занятий.

I. Метод музыкального обобщения направлен на организацию усвоения школьных тем уроков. Программа содержит в себе систему музыкально-эстетических тем («Что такое музыкальная речь», «Интонация», «Развитие музыки»). Каждая тема носит обобщенный характер и объединяет все формы и виды занятий. Так как сама тема носит обобщенный характер, то и усвоить ее можно методом обобщения. Метод, направленный на организацию усвоения содержания обучения, в основе которого лежит обобщенное знание, условно называется методом музыкального обобщения. Этот метод направлен на развитие осознанного отношения учащихся к музыкальному искусству. Он представляет совокупность способов организации деятельности учащихся, направленных на усвоение ведущих умений и навыков. Метод музыкального обобщения складывается из ряда последовательных действий: 1-е — активизировать тот музыкальный жизненный опыт школьников, который необходим для введения в тему и ее углубления. Например, тема урока «Марш». Дети вспоминают всевозможные жизненные обстоятельства, при которых может звучать марш (на праздниках — торжественные, в лагере — пионерские, на соревнованиях — спортивные, траурные, а затем с помощью учителя приходят к выводу о существовании разных типов маршей.

II. Метод перспективы и ретроспективы илиметод «забегания» вперед и «возвращения» назад позволяет учителю связать воедино все темы программы: между этапами обучения; между темами четвертей, между музыкальными произведениями. Например, прелюдии Шопена №7, № 20 встречаются в программе трижды: во 2 классе по теме «песенно-танцевальная» и «песенно-маршевая» музыка и «Развитие музыки» и в 3-ем классе по теме «определение музыки различных авторов по «сходству», и «различию». Здесь происходит усвоение новой темы на знакомом музыкальном материале.

III. Метод эмоциональной драматургиинаправлен на активизацию эмоционального отношения школьников к музыке. Он способствует созданию атмосферы увлеченности, интереса к музыкальному занятию. Этот метод требует от учителя умения выстроить «режиссуру» урока, эмоциональную драматургию, проведение особо важного момента урока «кульминация». Например, при слушании произведений («2 утра») «Утро Ивана Сусанина», его предсмертная ария и «Утро» Грига, светлое произведение.

Ведущие методы музыкального обучения выполняют регулятивную, познавательную и коммуникативные функции, направлены на решение образовательных и воспитательных задач.

Метод музыкального обобщения направлен на усвоение «ключевых» знаний, формирует музыкальное мышление.

Метод перспективы и ретроспективы дает возможность устанавливать единство и непрерывность процесса овладения музыкальной культурой.

Метод эмоциональной драматургии развивает эмоциональную сферу школьников, способствует повышению интереса к музыке.

Воспитание вокально-хоровых навыков младших школьников на уроках музыки

Занятия по хоровому пению на уроках музыки должны прививать:

1) любовь к хоровому пению;

2) воспитывать вокально-хоровые навыки;

3) научить петь в хоре с инструментальным сопровождением, а капелла (без сопровождения), петь по нотам;

4) способствовать музыкально-художественному развитию детей.

Основной задачей хорового пения по новой программе «Музыка» является выразительное исполнение песен, исполнять музыкально грамотно, раскрывать идейно-образное содержание песни. (Например, песни «Наш край» Д. Кабалевского — любовь к родному краю, воспевание красоты природы или «Скворушка прощается» Т. Попатенко.)

Хоровое пение по новой программе «Музыка» выполняет новую функцию — познание музыки средствами хорового искусства. Здесь предусматривается пение тем из опер, («Иван Сусанин», ария Сусанина «Ты взойдешь, моя заря», «Волк и семеро козлят» М. Коваля), симфоний, (тема из пятой симфонии Бетховена), концертов (тема 3-го фортепианного концерта С. Рахманинова, 1-го фортепианного концерта с оркестром Чайковского).

Выявляются характерные особенности русских народных песен, принципы развития 2-х голосия, пение каноном. Учащиеся должны овладеть новым навыком — петь выразительно, прочувствованно, исполнять. (Например, песни «Сурок» Бетховена, «Перепелочка» — белорусская народная песня, «Орленок»муз. В. Белого).

Художественно-выразительное исполнение невозможно без овладения вокально-хоровыми навыками, вокально-хоровой техникой. Поэтому каждый учитель должен знать особенности развития певческого голоса школьника, основные вокально-хоровые навыки, IV стадии развития голоса:

I — 7-10 лет, когда наблюдается чисто детское звучание, краевое колебание голосовых связок, недопустимы перегрузки в пении, крикливое пение, голосовой аппарат очень хрупкий.

II — 10-13 лет, голосовой аппарат усложняется, голос становится сильнее, компактнее. Наблюдается расцвет голоса, красота звучания.

III — 13-17 лет — мутационный период, голос теряет яркость, тускнеет, сипит («ломается»), в этот период растет гортань, связки становятся длиннее, голос переходит посте-пенно в малую октаву. Это самый опасный период в развитии голосового аппарата, при перегрузках можно вообще лишиться голоса, потерять его красоту как это случилось с Р. Лоретти, изменился тембр, звонкость голоса.

IV — 17-20 лет — послемутационный период, период окончательного формирования взрослого голоса.

Каждый возраст имеет свой певческий рабочий диапазон. Младший школьник от ЛЯ малой октавы до РЕ второй, звучащая зона МИ первой СИ первой октавы. (Показать на инструменте эти звуковые участки).

Для нормального пения, ровного звучания голоса всех возрастных групп необходимо равномерное колебание голосовых связок, подвижное мягкое нёбо, спокойный, без напряжения вдох, свободный, легкий звук без форсирования, без крика, нажима. Показать на примере песни «Наш край», «Скворушка прощается».

Необходимым условием для правильной настройки певческого механизма является: певческая установка; звукообразование; певческое дыхание. Хоровое пение требует овладения целым комплексом художественно-технических приемов или вокально-хоровых навыков.

Рассмотрим их.

1. Певческая установка— прямое положение корпуса и головы, расправленные, слегка оттянутые назад плечи, легкий прогиб позвоночника в области поясницы, свободно опущенные вниз или лежащие на коленях руки.

2. Певческое дыхание— бесшумный вдох через нос в характере песни, не поднимая плеч (как бы вдыхаем аромат цветка), задержать дыхание, сохранять «вдыхательную установку» до начала пения. Провести упражнение: сделать вдох, придерживая диафрагму, считая вслух (1,2,3,4,5...) без толчка выдыхать.

3. Певческое звукообразование — мягкая атака, напевный, протяжный звук, петь звонким, светлым звуком как скрипочка, избегать пения плоским, «белым» звуком. Попеть на примерах «Во поле береза стояла», «Мы спокойные ребята».

4. Дикция, артикуляция — манера произношения. Членораздельное произношение слова, работа органов речи (губ, языка, мягкого неба, голосовых связок).

5. Строй— точное по высоте пение, зависит от физического и эмоционального состояния. Для сохранения строя необходима тщательная предварительная работа над песней, анализ трудных мест, пение с закрытым ртом, в среднем темпе, пение без сопровождения, пение по нотам. Пропеть р. н. п. «Вниз по матушке по Волге».

6. Ансамбль— слитность, согласованность. Ансамбль должен быть интонационный, тембровый, ритмический, темповой, динамический и художественно-исполнительский.

7. Способ звуковедения — ровное, спокойное пение. Для выработки навыка правильного звуковедения необходимы вокально-хоровые упражнения:

1) для дыхания — пение гаммы, звукоряда, это воспитывает напевность, четкую артикуляцию, пение в унисон. Показать на примере попевки «Мы спокойные ребята»;

2) для отрывистого пения или стаккато брать упражнение — до, до, ре/ми, ми, фа/соль, соль, ля/соль, фа, ми, ре, до.

3) для связного, протяжного пения, выработки широкого диапазона петь упражнение — до-четвертная, си, ля-восьмые, соль-половинная/ля, соль, фа, ми; фа, ми, ре, до (по секундам малым вверх). Показать на примерах песен «Сурок», «Вниз по матушке по Волге».

4) для навыка двухголосного пения — пение каноном «Со вьюном я хожу», «Во поле береза стояла».

5) для исполнения различными динамическими оттенками пение попевки «Дон-Дон» (р — ф).

6) для навыка точного интонирования — до, ре, до, ре, до (секвенции...). Показать на примере попевки «Звонкий звонок» (Большая секунда и малая).

8. Выразительное исполнение— исполнение музыкально грамотно, с динамическими оттенками, темповыми отклонениями, раскрытие содержания, образов исполняемых произведений, передача чувств и настроения исполняемого произведения.

Методика разучивания песен на уроке музыки

Разучивание песни на уроке музыки является одной из основных форм работы, одним из необходимых видов деятельности.

Основные этапы разучивания песни:

1. Подготовка учителя к разучиванию песни

2. Показ песни

3. Беседа о прослушанной песне

4. Разучивание песни

Намечая песню к разучиванию, учитель должен тщательно подготовиться к ее исполнению, предусмотреть все трудности, которые могут возникнуть при освоении песни, определить пути их преодоления.

Анализ песни осуществляется в следующем порядке:

1) Автор музыки, краткие сведения о нем;

2) Автор текста;

3) Идейно-художественное содержание песни;

4) Структура произведения (деление на части, куплеты, фразы, кульминация произведения);

5) Динамические оттенки, нюансы;

6) Способ звуковедения и характер звука (легкий, летящий, плавное звуковедение).

Только после тщательного анализа учитель может приступить к работе над песней. Эта работа может длиться 15-20 минут и состоит из трех основных разделов:

Показ песни.

Учитель должен хорошо продумать, прочувствовать музыкальный образ, раскрываемый в песне. При показе новой песни он должен заинтересовать учащихся ее содержанием, активизировать внимание детей вопросами о характере музыки, средствах выразительности, выявить отношение детей к песне.

Беседа о песне.

Вступительная беседа к песне не должна превышать 3-5 минут. Учитель может использовать интересный рассказ с показом репродукций, иллюстраций или фотографий. В школьном репертуаре много песен, посвященных Родине, Российской Армии, различным праздникам. Перед их показом можно привести какой-либо конкретный пример, который сделает содержание песни более понятным и близким детям. При беседе о песне учитель может ограничиться лишь наиболее яркими сведениями из жизни композитора.

Разучивание песни.

После проведения беседы необходимо песню снова повторить. Приемы работы над песней разнообразны. В начале разучивания необходимо выстраивание хорового унисона на первом звуке первой фразы для организации слухового внимания учащихся для того, чтобы дети пели мелодию точно и чисто. Работа над унисоном при коллективном пении играет огромную роль. Для выстраивания унисона можно попеть упражнения на различные слоги (лю, лю, лю) (ду, ду, ду) (ку, ку, ку). При выстраивании унисона нужно учить детей прислушиваться, пристраиваться друг к другу, петь не громко, можно с закрытым ртом. Разучивание песни следует по фразам. Интонационно и ритмически трудные места надо учить отдельно: медленно, вслушиваясь в каждый звук. Для точного воспроизведения учащимися ритмического рисунка песни учитель может использовать схематические зарисовки мелодий графическим способом — черточками, точками (Мы в счастливый светлый день — (— — .. — -)).

При разучивании и исполнении песни дети часто не правильно дышат, разрывают слово, фразу. Для работы над развитием певческого дыхания можно использовать метод «внутреннего пения», когда учитель исполняет песню, а дети мысленно пропевают ее вместе с ним.

В процессе пения отрабатывается четкость дикции. Здесь полезно иногда проговаривать слова в ритме песни, преувеличенно четко. Это хорошо развивает артикуляционный аппарат. Такую работу полезно вести на тихом звуке, шепотом, так как при этом все дикционные недостатки выявляются отчетливее.

Необходимо также отдельно работать над выразительным исполнением песни. Для сохранения заинтересованности и активности в процессе разучивания песни необходимо разъяснение цели повторного пропевания, чередовать пение с сопровождением и пение а капелла, пропевание по нотам, исполнение запева учителем, а припева — учащимися и наоборот, в различных темпах, с различными динамическими оттенками. Работа над выразительностью исполнения сопровождает весь процесс разучивания песни, с самого его начала. Выразительному пению способствуют интересные сообщения об авторах произведения, истории его создания. Это повышает и воспитательную значимость исполняемого произведения.

Пение как исполнительский процесс развивает различные не только чисто музыкальные способности (музыкальный слух, эмоциональную отзывчивость на музыку), но и такие качества как умение слушать и запоминать, внимание, настойчивость в преодолении трудностей, воображение, самостоятельность. Весь смысл хорового пения по новой программе «Музыка» не в механическом заучивании песен, а в их творческой интерпретации, в творческом подходе к передаче их содержания, понятого и эмоционально пережитого. Исполняя песни разного характера, дети более глубоко, творчески осознают значение элементов музыкальной выразительности в создании содержания песни, в передаче заложенных в ней чувств и мыслей. Учитель должен довести до сознания детей, что над каждой, даже самой простой песней надо много работать.

«Искусство хорового пения, даже в пределах школьной программы, — писал Д. Л. Локшин, известный хоровой деятель, — требует овладения всеми элементами, образующими красоту хорового звучания. Это — область вокальной культуры, вокальных исполнительских навыков, работа над каждым элементом вокальной и хоровой звучности является не только технической работой, дающей накопление умений и рост исполнительской техники, но и работой над раскрытием содержания данного хорового произведения».

Межпредметные связи в содержании музыкального обучения

Содержание любого предмета, так или иначе, связано с другими учебными предметами. Межпредметные связи предполагают взаимную согласованность содержания образования по различным учебным предметам, обусловленных спецификой предмета. Наиболее полно межпредметные связи или интеграция в художественной педагогике выступают в содержании родственных предметов, в том числе художественно-гуманитарного цикла.

В новом содержании предмета «Музыка» произведения других видов искусства рассматриваются в плане их художественных особенностей, эстетической ценности и под углом зрения темы урока.

О широких возможностях предмета «Музыка» в реализации межпредметных связей пишет в вводной статье к программе по музыке Д. Б. Кабалевский: «Опора на песню, танец и марш раскрывает широчайшие перспективы для установления многообразных связей музыки со всеми звеньями изучаемой в школе истории человеческого общества. Музыка выступает здесь как могучее средство не только познания, но и превращения любого логического факта, в том числе любого факта истории в факт музыкально одухотворенный, поэтому волнующий и гораздо глубже входящий в сознание».

(Например, опера «Иван Сусанин» М. Глинки).

В темах программы 1-го класса наиболее широко представлены связи музыки с литературой и историей. В теме «О чем говорит музыка» подчеркивается специфика связи музыкального языка с изобразительным искусством, в теме «Интонация» раскрываются связи музыкальной и речевой интонации, при изучении тем 3-го класса о музыке различных народов широко проявляются связи музыки с литературой, историей, изобразительным искусством. Среди произведений, с которыми знакомятся дети, многие написаны на хорошо знакомые им сказочные темы, балет «Конек-Гобунок» Р. Щедрин, опера «Волк и семеро козлят» М. Коваль.

В процессе музыкального обучения используются и другие формы привлечения материала смежных искусств. Например, при слушании песни Бетховена «Сурок» школьники знакомятся с картиной А. Ватто «Савояр с сурком», лучшему восприятию музыки Р. Щедрина из балета «Конек-Горбунок способствуют иллюстрации Милашевского к сказке Ершова «Конек-Горбунок».

При прослушивании многих произведений, как песня «Дон-Дон, загорелся кошкин дом», или балет Прокофьева «Золушка» учащиеся получают задание выразить свои впечатления в рисунках.

Изучение музыки в связи с литературой и изобразительным искусством является важной частью того фундамента, на котором строится тематическое содержание в старших классах, с 4-го по 7-ой. Начиная с 4-го класса, одной из важнейших задач уроков музыки является расширение не только музыкального, но и художественного кругозора учащихся. Названия тем учебных четвертей в 4 классе: «Музыка и литература», «Что стало бы с музыкой, если бы не было литературы», «Что стало бы с литературой, если бы не было музыки», «Музыка и изобразительное искусство», «Можем ли мы увидеть музыку», «Можем ли мы услышать живопись». (есть песня на стихи школьницы Исаковой)

«Я хочу увидеть музыку

Я хочу услышать музыку.

Что такое эта музыка,

Расскажите мне скорей…»,

«Птичьи трели — это музыка,

И капели — это музыка

Есть особенная музыка

В тихом шелесте ветвей…»

Когда ребята в 4-ом классе изучают тему «Можем ли мы услышать живопись», учащиеся знакомятся с картиной Рафаэля «Сикстинская мадонна» и они должны попытаться услышать музыку, которая бы соответствовала этому замечательному образу мадонны, как бы выразить чувства художника, создавшего этот шедевр, какую музыку мог сочинить композитор, чтобы выразить эти чувства. После высказываний учащихся, их мнений, названных произведений звучит музыка «Аве Мария» Шуберта. Эта музыка, полная большой внутренней силы — проникновенный гимн женской доброте и благородству. Здесь ребята подводятся к выводу об удивитель-ном сочетании в этих произведениях живописи и музыки, простоты и величия, отражающих богатство души человека, как два искусства, каждый своими средствами, создают ощущение возвышенного, одухотворенного, прекрасного. А специальные художественные средства, присущие музыке и живописи, помогают эстетическому восприятию произведений.

Инструменты симфонического оркестра

Оркестр — слово греческого происхождения, место перед сценой называлось орхестра. Это коллектив музыкантов, большой инструментальный ансамбль. Оркестры различаются по составу входящих в них инструментов: 1) симфонические оркестры, 2) оркестры народных инструментов, 3) духовые оркестры. В театре, место, где помещается оркестр, называется оркестровая яма. Состав современного симфонического оркестра делится на следующие группы.

1. Смычковые — скрипки, альты, виолончели, контрабасы (это ядро оркестра).

2. Духовые — деревянные (из дерева) и медные (металлические):

а) деревянные — флейты, гобои, кларнеты, фаготы;

б) медные — валторны, трубы, тромбоны, туба (это сердце оркестра, которое оживляет весь организм».);

3. Ударные (шумовые) — литавры, барабаны, тарелки, треугольник, бубен, колокольчики, там-там.

4. Клавишные — фортепиано, рояль, челеста, ударный клавикорд, клавесин, орган.

В состав симфонического оркестра включается арфа.

5. Электроинструменты — электроорган, электророяль, электрогитара, электроскрипка.

Музыкальные инструменты своим характером, поведением, судьбой очень похожи на людей. Каждый инструмент имеет свою индивидуальность. Они могут быть общительны или замкнуты, говорливы или немногословны, бывают блестящими, невзрачными, с тихими голосами, умеющими ждать, когда их услышат, громкоголосыми. Одни из них могут рассказывать о ярких, героических, значительных событиях («Неаполитанский танец» — труба), другие чаще повествуют о невидимых событиях внутреннего мира (адажио из балета «Лебединое озеро» — гобой). У каждого своя биография.

Скрипка — ее родина Италия, XVI век, существует около 400 лет. Знаменитые мастера Гварнери, Страдивари. Самый совершенный благородный музыкальный инструмент. Ее тон певучий, страстный, скорбный, веселый, глубоко человеческий. У нее слабый голос, но очень необходимый людям.

Альт — (извлекают звук смычком) большего размера, чем скрипка, тон ее ниже.

Виолончель — басотенорового регистра.

Контрабас — басовый инструмент. Это дружная скрипичная семья.

Деревянные духовые

За 3000 лет до н. э. появился инструмент флейта. Издавна дружил с человеком, пастухом, охотником, внешне простая дудочка, с просверленными в ней отверстиями, издающая нежный, похожий на легкое дуновение трепетный звук. Флейта-пикколо — самый маленький деревянный духовой инструмент.

Потомок свирели — гобой, высокий деревянный инструмент. Очень авторитетный среди музыкальных инструментов, любит сельские наигрыши, природу, звук грустный, насмешливый, шутливый, с певучим характером. Пользовался уважением композитора Баха, Гайдна, Генделя (появился примерно в VI веке).

Кларнет — один из важнейших деревянных инструментов появился в конце VII века. Обладает характером уверенного в себе человека счастливой судьбы, занимает прочное положение в музыкальном обществе. Умеет быть мягким и вкрадчивым со скрипками, озорным с трубой и барабаном. Может найти общий язык с любым инструментом: и среди военных и военно-духовых оркестров, в симфонических и камерных джазовых оркестрах, во всевозможных ансамблях. Очень подвижен и гибок. Кларнет всегда и везде желанный гость (кино, телевидение), родственный семейству саксофонов.

Фагот — обладает низким голосом, появился в VI веке. Воссоздает картины Древней Руси. Грибоедов называл фагот «хрипуном, удавленником». В симфонической поэме Прокофьева «Петя и волк» роль деда поручается фаготу, образ ворчливого, старого деда. Но в компании с флейтой, гобоем, кларнетом фагот способен на любые фокусы, но боится одиночества.