Понятие классицизма в рококо.

К самым ярким и заметным направлениям архитектуры (и интерьеров) того времени можно отнести четыре стиля: барокко, рококо, классицизм и ампир. Эти стили существовали во всех развитых странах Европы, сменяли или дополняли друг друга, кроме того в каждой стране они обрели свои национальные отличительные особенности. Поэтому сегодня мы пользуемся такими понятиями как "русское барокко", английский классицизм" или "французский ампир". Несмотря на это, все стиле относятся к одной группе и к одному историческому периоду, поэтому мы можем выделить в них ряд общих особенностей.

- роскошь: эти стили использовались для оформления интерьеров аристократии, поэтому их иногда называют дворцовыми или королевскими (классицизм - самый скромный и сдержанный стиль в этой группе, хотя по современным меркам эти интерьеры - невиданная роскошь);

- большие просторные помещения с высокими потолками (в наименьшей степени это относится к стилю рококо);

- способы декорирования: лепнина, настенные росписи или картины с классическими сюжетами, резные изделия из дерева (в том числе использование резьбы в мебели).

Отличия рококо от классицизма:

- в классицизме наблюдается стремление к стройности и упорядоченности всех элементов архитектуры;

- классицизм стремится к сдержанности и простоте, избегая вычурных деталей;

- классицизм опирается на античную теорию архитектуры, и тщательно соблюдает пространственную гармонию.

Рококо

Термин рококо происходит от французского "rocaille" (произносится "рокайль"), а в переводе означает "ракушка". Стиль стал видоизмененным воплощением, более красивой и эффектной интерпретацией стиля Барокко, порождением французской аристократии и светской культуры. В отличие от других стилей, получивших распространение в различных областях искусства, рококо относится преимущественно только к интерьерам.

История. Стиль Рококо появился в XVIII веке во Франции, и уже в конце столетия он господствовал по всей Европе.

Этот стиль визуально часто путают с барокко, между ними действительно есть много общего, но есть и много узнаваемых отличий. Отличительные особенности стиля Рококо:

- для таких интерьеров характерны следующие эпитеты: изящный, лёгкий, игривый, затейливый;

- наряду с большими помещениями в планировке присутствуют маленькие комнаты, уютные пространства - альковы (большие ниши, например, для спальной зоны);

- цветовая гамма в светлых оттенках розового, голубого, нежно зеленого, жемчужного и перламутрового;

- отделка стен и потолка: тончайшие лепные узоры, резные панели, изысканные зеркальные элементы, гладкая покраска стен и потолка дополняется ручными фресками;

- полы: узорчатый паркет и ковры;

- декоры: позолота, текстильное убранство, хрустальные и стеклянные элементы;

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства.То, что мы сейчас называем «рококо», в своё время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус». Особенно преуспели в критике Энциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало.

Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Один из наиболее ранних случаев употребления этих терминов — увраж Мондона-сына «Третья книга рокайльных и картельных форм» 1736 г.

Несмотря на популярность новых «античных форм», вошедших в моду в конце 1750-х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса»; предметы этого стиля часто неверно принимают за позднее рококо), так называемый Рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия. Во Франции период рококо назывался временем Купидона и Венеры.

В 1960-70-е годы была распространена концепция рококо как результата измельчания барокко: «Вступая в фазу рококо, эмблематика все больше утрачивает самостоятельное значение, и становится частью общего декоративного убранства, наряду с нимфами, наядами, рогами изобилия, дельфинами и тритонами, „Амуры божества любви“ превращаются в — putti — рококо».

Классицизм

Как стиль интерьера и эстетическое направление Классицизм зародился в Европе вначале XVII века. В его основу легли спокойствие и строгой античной архитектуры, ее пропорции и гармоничность. В переводе с латыни "classicus" – это норма, порядок, образец. На развитие Классицизма значительно повлияло открытие Помпеи в 1755 году. В результате он стал результатом естественного развития и совершенствования архитектуры эпохи Возрождения.

Отличительные особенности стиля Классицизм:

- интерьер классицизма характеризуют следующие слова и словосочетания: спокойный, стремящийся к идеалу, лаконичный, благородный;

- интерьерное убранство характеризуется четкими геометрическими, максимально правильными формами;

- цветовая гамма: светлые и насыщенные тона нежной ванили, бледно голубого, цвет молодой листы;

- использование традиционных античных архитектурных конструкций: колоны, пилястры (полуколонны), фронтоны и фризы;

- орнаменты с античыми мотивами: строгие и геометричные;

- отделка стен.обои с роскошными ажурными рисунками или узорами, настенные плинтуса и бордюры, широко используется роспись;

- полы: – наборной художественный паркет из дорогих, элитных сортов древесины. В прихожей, холле или столовой зоне возможно использование мрамора или других покрытий из камня;

- декор не перегружен деталями и мелкими элементами.

Самым ярким представителем эпохи классицизма можно считать английского (шотландского) архитектора Роберта Адамса, на фотографиях ниже вы можете видеть выполненные им интерьеры.

В основе классицизма лежат идеи рационализма, нашедшие яркое выражение в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.

Как определенное направление сформировался во Франции в XVII веке. Французский классицизм утверждал личность человека как высшую ценность бытия, освобождая его от религиозно-церковного влияния. Об особенностях классицизма в Российской империи см. статью русский классицизм.

Во многом классицизм опирался на античное искусство (Аристотель, Гораций), взяв его за идеальный эстетический образец, «золотой век». Во Франции XVII века он назывался временем Минервы и Марса.

Пуссен Никола (1594-1665), французский живописец и рисовальщик. Учился у К.Варена и других французских художников; с 1624 Пуссен жил в Риме (в 1640-1642 - в Париже), испытал влияние Карраччи, Доменикино, Рафаэля, Тициана, Микеланджело, изучал трактаты Леонардо да Винчи и Дюрера, зарисовывал и обмерял античные статуи, занимался анатомией и математикой. С 1620-х годов живописец Никола Пуссен создавал картины высокого гражданственного звучания, заложившие основы классицизма в европейской живописи (картина “Смерть Германика”), поэтические композиции на литературные и мифологические темы, отмеченные возвышенным строем образов, эмоциональностью интенсивного, мягко сгармонизированного колорита (“Ринальдо и Армида”, “Танкред и Эрминия”, “Парнас”). Господствующий в произведениях Никола Пуссена 1630-х годов ясный композиционный ритм воспринимается как отражение разумного начала, придающего величие благородным поступкам человека (“Аркадские пастухи”, “Нахождение Моисея”). С 1650-х годов в творчестве Пуссена усиливается этико-философский пафос. Обращаясь к сюжетам античной истории, уподобляя библейских и евангельских персонажей героям классической древности, художник добивался полноты образного звучания, ясной гармонии целого (“Отдых на пути в Египет”, “Великодушие Сципиона”). Развивая принципы идеального пейзажа, Никола Пуссен делает природу воплощением целесообразности и совершенства (“Пейзаж с Полифемом”, около 1649, серия пейзажей “Времена года”, “Аполлон и Дафна”). Вводя в пейзаж мифологические персонажи, олицетворяющие различные стихии,используя в них

эпизоды библейских сказаний, Пуссен выражал идеи высшей необходимости или судьбы, как начала, регулирующего взаимоотношения человека и мироздания.

Ватто Жан Антуан (1684—1721), французский художник.

Родился в городе Валансьенн (на севере Франции) в семье кровельщика. Точная дата рождения неизвестна. Крещён 10 октября 1684 г.

Около 1702 г. Ватто приехал в Париж и начал работать как копиист. В Люксембургском дворце он имел возможность изучить картины П. П. Рубенса.

В 1717 г. Ватто получил звание академика за большую картину «Паломничество на остров Киферу». В 1719—1720 гг. художник посетил Англию. Расцвет творчества Ватто был непродолжителен. На протяжении менее чем десятилетия он написал полотна «Венецианский праздник», «Праздник любви», «Общество в парке», «Радости жизни», «Жиль»,

«Мецетен», «Вывеска лавки Э. Ф. Жерсена».

Ватто не датировал свои картины, но, скорее всего, его живопись становилась с годами более светлой. Художник сделал много рисунков.

Его постоянные любимые персонажи напоминают актёров, которые разыгрывают на полотнах Ватто длинную пьесу. В зрелую пору художник всё более театрализует композиции, в которых природа (деревья, холмы) становится похожей на декорацию. Театральные сцены и «галантные празднества» — основная тема его поздних сюжетов. Ватто, особенно его орнаментальные панно, оказал решающее влияние на развитие стиля рококо.

Жан Оноре Фрагонар (5 апреля 1732, Грасс — 22 августа 1806, Париж), французский живописец и график. Учился у Ж. Б. С. Шардена и Ф. Буше в Париже. В 1756-1761 годах работал в Италии, где исполнил циклы пейзажных рисунков (окрестности Рима и Неаполя). Привязанность к конкретно-неповторимому и непосредственно-эмоциональному в живой реальности побудила Фрагонара перейти от опытов исторической живописи ("Корез и Каллироя", 1765, Лувр, Париж) к бытовому жанру, пейзажу и портрету. Продолжая традиции "галантного" жанра Буше, порой отдавая дань условности и изощрённости рококо, Фрагонар вместе с тем достигал особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной (в т. ч. народной) жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. Отличающиеся свежестью и изысканной декоративностью колорита, лёгкостью и темпераментностью письма, плавными композиционными ритмами, произведения Фрагонара исполнены чувствительной неги, полнокровного наслаждения жизнью ("Качели", 1766, собрание Уоллес, Лондон, "Праздник в Сен-Клу", 1775, Французский банк, Париж; "Купающиеся наяды", Лувр, Париж), пронизаны чуть заметной насмешкой над жеманным томлением персонажей ("Поцелуй украдкой", Эрмитаж, Ленинград) или согреты искренним, несколько сентиментальным сочувствием судьбе героев ("Бедное семейство", Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва; "Дети фермера", Эрмитаж, Ленинград). Утончённые эффекты светотеневой градации характерны для его многочисленных рисунков (сангиной, бистром, реже - сепией) и офортов.

Шарден Жан-Батист Симеон (1699-1779) — французский живописец, ученик П.-Ж. Каза и НоэляКуапеля.

Помогая последнему исполнять аксессуары в его картинах, приобрел необычайное искусство изображать неодушевленные предметы всякого рода и решился посвятить себя исключительно их воспроизведению.

В начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы, битых животных, хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты с таким мастерством, что любители искусства принимали его картины за работы знаменитых фламандских и голландских художников, и только с 1739 г. расширил круг своих сюжетов сценами домашнего быта небогатых людей и портретами.

Картины этой второй категории, отличающиеся наивной простотой содержания, силой и гармоничностью красок, мягкостью и сочностью кисти, еще более, чем прежние работы Шардена, выдвинули его из ряда современных ему художников и укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, в 1743 г. избран в ее советники, в 1750 г. принял на себя должность ее казначея; кроме того, с 1765 г. он состоял членом руанской академии наук, словесности и изящных искусств.

Наиболее известные между ними — "Карточный замок", "Молитва перед обедом", "Трудолюбивая мать", "Битый заяц и охотничьи принадлежности", "Плоды на мраморном столе" и "Атрибуты искусства", "Три мальчика, пускающие мыльные пузыри", "Кухонный стол с провизией и посудой", портрет г-жи Жофрен, "Девушка, читающая письмо", "Возвращение с рынка", "Кухарка, чистящая репу", и повторения "Молитвы перед обедом", повторение "Карточного замка" и "Молитвы перед обедом" и "Прачки", "Молодая женщина, вышивающая ковер", "Служанка, наливающая воду в кувшин", "Битый заяц и медный котел" и повторения "Прачки" и "Молитвы перед обедом" и "Мать и дитя".