История становления портретного жанра

Первые образцы портрета относятся к древнеегипетской скульптуре.

Средневековый портрет в основном был лишён персонализации, хотя фрескам и мозаикам византийских, русских и других церквей присущи ясная физиономическая определённость и духовность: художники понемногу придают святым черты лица реальных людей.
Начиная с X-XII вв. портрет в Западной Европе начинает развиваться интенсивнее: сохраняется в надгробиях, на монетах и в книжной миниатюре. Его моделями являются в основном знатные лица – правители и члены их семей, свита. Постепенно портрет начинает проникать и в станковую живопись. Один из первых примеров станкового портрета этого периода – «Портрет Иоанна Доброго», второго короля Франции.

Неизвестный художник. «Портрет Иоанна Доброго» (около 1349 г.)
Что касается портретного жанра на Востоке, то там ситуация была более благоприятной: сохранившиеся портреты относятся к 1000 н.э., а средневековый китайский портрет вообще отличается большой конкретностью.

Неизвестный художник. «Портрет буддистского монаха Учжунь Шифаня» (1238 г.)
Этот портрет поражает не только умением изображать индивидуальные черты внешности персонажа, но и способностью передачи внутреннего мира человека, его интеллекта.
Древняя перуанская культура индейцев мочика (I-VIII вв.) была одной из немногих древних цивилизаций Нового Света, где существовали портреты.

Развитие жанра

Особого расцвета жанр портрета достиг в эпоху Возрождения. Это и понятно: ведь изменилась идеология эпохи – человек стал личностью и мерой всех вещей, поэтому его изображению придавалось особое значение. Хотя первые портреты ещё повторяли изображения античных монет и медалей (изображения в профиль).

Пьеро делла Франческа «Портрет герцога Федериго Монтефельтро» (1465-1466) В эпоху раннего Возрождения произошёл «выход из профиля в фас», что указывало на становление жанра европейского портрета. К тому же в это время возникла техника масляной живописи – портрет становится более тонким и психологичным.
В портретном творчестве мастеров Высокого Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто) жанр получил ещё большее развитие. В портретных образах очевидно выражен интеллект, человеческое достоинство, чувство свободы, духовная гармония. Самый известный портрет в мире, относящийся к этому периоду, – «Мона Лиза» Леонардо да Винчи.

Известные немецкие портретисты этого периода – А. Дюрер и Ганс Гольбейн Мл.

В эпоху маньеризма (XVI в.) возникают формы группового и исторического портрета. Известным портретистом того времени был испанский художник греческого происхождения Эль Греко.

В XVII в. высшие достижения в портретной живописи принадлежат Нидерландам. Мировосприятие портрета того времени наполнено уж другим, по сравнению с эпохой Возрождения, содержанием: взгляд на действительность больше не был гармоничным, внутренний мир человека усложнялся. Происходит демократизация портрета – это особенно заметно в Голландии. На полотнах появляются люди самых различных социальных слоёв общества и возрастных групп.

Рембрандт «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632)
Увеличивается количество заказных портретов. Художники (Диего Веласкес, Хальс) начинают создавать портреты-типы людей из народа. Разрабатывается форма автопортрета (Рембрандт, его ученик Карел Фабрициус, Антонис ван Дейк, Николя Пуссен). Создаются парадные портреты, а также портреты семейные.Рембрандт «Саския в красной шляпе»

Величайшими фламандскими портретистами были Питер Пауль Рубенс и Антонис ван Дейк, голландскими – Рембрандт, Франц Хальс. Испанский художник того периода Диего Веласкес считается одним из величайших портретистов всей истории жанра. В портретах Веласкеса явно ощущаются артистизм и психологическая завершённость.

В начале XVIII в. портрет как жанр деградирует. Особенно это касается реалистического портрета. Почему это произошло? Всё чаще портреты стали писаться по заказу. А кто заказчики? Конечно же, не беднота. Аристократы и буржуа требовали от художника одного: лести. Поэтому портреты этого времени обычно приторны, безжизненны, театральны. Парадные портреты сильных мира сего становятся эталоном портретного жанра – вот отсюда его упадок.

Но упадок жанра не означал его полного уничтожения. Эпоха Просвещения способствовала возвращению реалистического и психологического портрета. Поздние работы Антуана Ватто, простые и искренние «жанровые» портреты Шардена, портреты Фрагонара, английского художника У. Хогарта открывают новую страницу портретного жанра. В Испании в этом жанре начинает работать Гойя. В России появились живописцы мирового уровня – Д. Левицкий и В. Боровиковский. Широкое распространение получает портретная миниатюра.

Классицизм, господствовавший в XIX в., сделал портрет более строгим, потерявшим пышность и слащавость XVIII в. Наиболее заметным явлением в этом жанре был художник Жак Луи Давид.

Ж. Л. Давид «Наполеон на перевале Сен-Бернар» (1800)
Эпоха романтизма привнесла в портрет критическую линию. Выдающимся мастером этого периода считается испанец Гойя, создавший групповой «Портрет семьи Карла IV». Эта работа была заказана как парадный портрет, но в итоге отразила безобразие правящей династии.

Ф. Гойя «Портрет семьи Карла IV»
Техника письма этого портрета великолепна, но Гойя принципиально отказался от всего того, что было создано в парадном групповом портрете до него. Он поставил представителей королевской семьи в ряд, и центром стали фигуры тучного короля Карлоса и его некрасивой жены Марии-Луизы. Дана точная психологическая характеристика каждому персонажу. Изображения достоверны, написаны на грани гротеска и карикатуры. Это правдивый портрет королевских персон. Французский романист Теофил Готье так сказал о главных персонажах этого портрета: они напоминают «булочника с женой, которые получили крупный выигрыш в лотерею».
В портрете не заметно ни малейшего желания приукрасить королеву Марию-Луизу. И только дети на картине Гойи прекрасны – симпатия Гойи к детям была неизменной.

С середины XIX в. появляется портрет реализма. Для него характерен интерес к социальной характеристике изображаемого, психологическая характеристика. В России передвижники открыли новые возможности в живописи, в частности, в портретной.

К этому времени относится рождением фотографии, фотопортрет становится серьёзным конкурентом живописному портрету, но в то же время побуждает его к поискам новых форм, недоступных фотоискусству.
Импрессионисты внесли новую концепцию в портретный жанр: отказ от максимального правдоподобия (его они оставляли фотопортрету), но сосредоточенность на изменчивости облика человека и его поведении в изменчивой среде.

Поль Сезанн стремился в портрете выразить какие-то устойчивые свойства модели, а Винсент ван Гог через портрет пытался отразить проблемы нравственной и духовной жизни современного человека.
В конце XIX-начале XX вв. в искусстве главенствовал стиль модерн, портрет того времени становится лаконичным и часто гротескным (у Тулуз-Лотрека, Эдварда Мунка и др.).

В XX в. портрет снова переживает упадок. На почве модернизма возникают произведения, номинально считающиеся портретом, но лишенные его качеств. Они намеренно уходят от реального облика модели и сводят её изображение к условности. Считается, что точность изображает фотография, а художник должен показать неповторимость и уникальность изображаемого персонажа. Ну, примерно вот так.

Хуан Грис «Портрет Пикассо» (1912)

Среди портретистов XX в., работающих в реалистическом портретном жанре, можно назвать американских художников Роберта Генри и Джорджа Беллоуза, Ренато Гуттузо (Италия), Ганса Эрни (Швейцария), Диего Ривера и Сикейроса (Мексика) и др. Но интерес к портрету в 1940-1950-х гг. в целом падает, но повышается интерес к абстрактному и нефигуративному искусству.

Жанр портрета жив и сегодня и, надеемся, будет жить вечно, потому что интерес к человеку, человеческой личности никогда не исчезнет. Фотография заняла своё место в жанре портрета, но живописный портрет имеет бо́льшие выразительные возможности, чем фотография.

РАЗВИТИЕ ПЕЙЗАЖА:В переводе с французского слово пейзаж (paysage) означает природа.

В качестве самостоятельного жанра пейзаж появился уже в VI веке в китайском искусстве. Картины средневекового Китая очень поэтично передают окружающий мир. Одухотворенная и величественная природа в этих работах, выполненных в основном тушью на шелке, предстает как огромная вселенная, не имеющая границ.

В Европе пейзаж как отдельный жанр появился намного позже, чем в Китае и Японии. В период Средневековья, когда право на существование имели лишь религиозные композиции, пейзаж трактовался живописцами как изображение среды обитания персонажей.

Ярко выраженный интерес к пейзажу заметен в живописи Раннего Возрождения. И хотя художники еще очень неумело передают пространство, загромождая его ландшафтными элементами, не сочетающимися друг с другом по масштабу, многие картины свидетельствуют о стремлении живописцев добиться гармоничного и целостного изображения природы и человека. Более важную роль пейзажные мотивы начали играть в эпоху Высокого Возрождения. Многие художники стали внимательно изучать натуру. Отказавшись от привычного построения пространственных планов в виде кулис, нагромождения деталей, несогласованных в масштабе, они обратились к научным разработкам в области линейной перспективы. Теперь пейзаж, представленный как цельная картина, становится важнейшим элементом художественных сюжетов. Так, в алтарных композициях, к которым чаще всего обращались живописцы, ландшафт имеет вид сцены с человеческими фигурами на первом плане.

Несмотря на столь явный прогресс, вплоть до XVI столетия художники включали в свои произведения пейзажные детали лишь в качестве фона для религиозной сцены, жанровой композиции или портрета. Ярчайшим примером тому является знаменитый портрет Моны Лизы (ок. 1503, Лувр, Париж), написанный Леонардо да Винчи. Великий живописец с замечательным мастерством передал на своем полотне неразрывную связь человека и природы, показал гармонию и красоту, которые на протяжении вот уже многих столетий заставляют зрителя в восхищении замирать перед Джокондой.

Постепенно пейзаж вышел за рамки других художественных жанров. Этому способствовало развитие станковой живописи.

В создании пейзажного жанра большую роль сыграли мастера венецианской школы. Первым художником, придававшем пейзажу огромное значение, стал Джорджоне, работавший в начале XVI столетия. Природа является главным персонажем его картины Гроза (ок. 1506-1507, Галерея Академии, Венеция).

В Северной Европе в XVI веке пейзаж также завоевал в живописи прочные позиции. Образы природы занимают важное место в творчестве голландского художника Питера Брейгеля Старшего. В картинах, посвященных временам года, мастер проникновенно и поэтично показал суровые северные ландшафты. Все пейзажи Брейгеля оживлены фигурами людей, занятых повседневными делами.

Реалистическое искусство Испании, Италии и Франции также сыграло свою роль в развитии пейзажной живописи. В творчестве Диего Веласкеса есть пейзажи, отразившие тонкую наблюдательность великого испанского мастера (Вид виллы Медичи, 1650-1651, Прадо, Мадрид). Веласкес виртуозно передает свежесть зелени, теплые оттенки света, скользящего по листьям деревьев и высоким каменным стенам. Картины Веласкеса свидетельствуют о зарождении пленэрной живописи: оставив мастерские, художники отправились работать на открытый воздух, чтобы лучше изучить натуру.

В XVII веке в искусстве классицизма сложились принципы создания идеального пейзажа. Классицисты трактовали природу как мир, подчиненный законам разума. Французский живописец Никола Пуссен, работавший в Италии, стал создателем героического пейзажа. Картины Пуссена, показывающие грандиозность мироздания, населены мифологическими персонажами, героями, воспитывающими в зрителе возвышенные чувства. Художник, полагавший, что основная цель искусства - воспитание человека, считал главной ценностью порядок и рациональное устройство мира.

В XVIII веке дальнейшее развитие пейзажная живопись получила и в искусстве Франции. Антуан Ватто, которого называли живописцем галантных праздников, писал мечтательные сцены на фоне чудесных парков. Его пейзажи, выполненные нежными и трепетными красками, очень эмоциональны, они передают разнообразные оттенки настроения (Паломничество на остров Киферу,).

РАЗВИТИЕ НАТЮРМОРТА:В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte - "мертвая природа") принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельное значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины.

Предметы, вещественный элемент получили в картинах новое значение в XVII веке - в эпоху развитого натюрмортного жанра. В сложных композициях с литературной фабулой они заняли свое место наряду с другими героями произведения. Анализируя произведения этого времени, можно увидеть какую важную роль стал играть натюрморт в картине. Вещи стали выступать в этих произведениях, как главные действующие лица, показывая, что может достичь художник, посвятив этому роду искусства свое мастерство.

Натюрморт - сравнительно молодой жанр. Самостоятельное значение в Европе он получил лишь в XVII веке.

Особенно полно и ярко натюрморт расцвел во Фландрии и Нидерландах. Его возникновение связано с теми революционными историческими событиями, в результате которых эти страны, получив независимость, в начале XVII столетия вступили на путь буржуазного развития.

Прямо не изображая исторических событий, художники по-новому взглянули на мир, новые ценности нашли в человеке. Жизнь, обыденно предстали перед ними с неизвестной дотоле значительностью и полнотой. Их привлекали особенности национального быта, родной природы, вещей, хранящих на себе отпечаток трудов и дней простых людей. Именно отсюда, из сознательного, углубленного, самим строем подсказанного интереса к жизни народа, родились обособленные и самостоятельные жанры бытовой картины, пейзажа, возник и натюрморт.

Искусство натюрморта, сложившееся в XVII веке, определило основные качества этого жанра. Картина, посвященная миру вещей, рассказывала об основных свойствах, присущих предметам, окружающим человека, раскрывала отношение художника и современника к тому, что изображено, выражала характер и полноту познания действительности. Виллем Клас Хеда. Одним из самых первых выделился цветочный натюрморт в произведениях таких художников, как Амброзиус Босхарт Старший и Бальтасар ван дер Аст, и далее продолжал своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема