Книжная миниатюра и прикладное искусство.
Никогда ранее не создавалось такого количества лицевых рукописей и миниатюры не занимали в них такого большего места; никогда не было столь разнообразной и богатой мотивами орнаментики.
В 60-70-х годах создается многотомный «Лицевой летописный свод», большая часть иллюстраций которого посвящена русской истории.
В орнаменте XVI века существуют несколько стилей – нововизантийский, балканский, старопечатный. Большое место принадлежит «травному» орнаменту, восточным и ренессансным мотивам. В орнаменте фантазию народных мастеров продолжают питать полуязыческие образы и мотивы, порой совершенно преображая заимствованный стиль.
Лекция. Искусство Руси XVII вв.
XVII век – сложный, бурный век, его называют бунтарским временем. Искусство этого столетия, особенно второй его половины отличается небывалым разнообразием форм, обилием сюжетов, порой совершенно новых, и оригинальной их трактовки. В это время рушатся иконографические каноны, достигает апогея любовь к декоративной проработке деталей и нарядной полихромии в архитектуре, становящейся все более «светской». Происходит сближение культового и гражданского зодчества.
Каменное зодчествоотличается нарядным декоративным убранством, придающим им особую жизненность. Большая заслуга в организации строительства принадлежит «Приказу каменных дел», который объединил наиболее квалифицированные кадры.
Теремной дворец в Московском кремле построен Баженом Огурцовым, Антипом Константиовым, Трофимом Шарутиным и Ларионом Ушаковым и декорирован как снаружи, так и изнутри резным по белому камню, ярко раскрашенным, травяным орнаментом. Интерьер дворцовых палат расписал Симон Ушаков (ИРА, с.206). В архитектуре дворца заметно влияние деревянного зодчества.
Гражданское каменное строительство приобретает большой размах и ведется во многих городах. В Пскове купцы Потемкины сооружают разноэтажные (от 1 до 3 этажей) хоромы, в плане напоминающие «П». С суровых фасадов стен «смотрят» маленькие «глазки» асимметрично расположенных окон (ИРА, с.210).
Светское каменное зодчество влияло и на каменную архитектуру. В 30-40-х годах начинает распространятся характерный для XVII века тип бесстолпного, обычно пятиглавого приходского храма с сомкнутым или коробовым сводом, с глухими (не световыми) в большинстве случаев барабанами и сложной, затейливый композицией, в которую помимо основного куба входят разномасштабные пределы, низкая, вытянутая трапезная на западе и шатровая колокольня, крыльца паперти, лестницы и т.д. (московские ц. Рождества Богородицы в Путинках, 1649-52 гг., (ИРА, с.222) и ц. Троицы в Никитках, 1628-53 гг. (ИРА, с.214)). Церковь Рождества Богородицы в Путинках невелика по размерам и имеет шатровые завершения. Сложность завершения и обилие декора придают зданию динамичность. Церковь Троицы в Никитках представляет собой комплекс разномасштабных, соподчиненных объемов, объединенных пышным декоративным нарядом, в котором белокаменная резьба, расписанные красками и золотом архитектурные детали, зелень черепичных главок и белизна «немецкого железа» крыш, полированные изразцы «наложены» на ярко окрашенные кирпичные поверхности.
Церковные реформы Никона коснулись и архитектуры. Запрещалось воздвигать шатровые храмы. Известный зодчий Павел Потехин возводит храм в Останкине (1678 г.).
Богатство архитектурного декора свойственно постройкам поволжских городов, прежде всего Ярославля.
Строятся общественные здания. В Москве это Печатный двор (1679) и Монетный двор (1696), здание Приказов (аптека) на Красной площади (90-е годы), Сухарева башня (1692-1701), построенная Михаилом Чоглоковым.
В последней четверти XVII века распространяется стиль «нарышкинского барокко» или «нарышкинский стиль». И в светском и в культовом зодчестве основными принципами архитектурной композиции стали центричность, ярусность, симметрия и равновесие каменных масс, четкость художественной логики. В декоративном убранстве используется высокий рельеф из белого камня, элементы ордерной системы. В окнах применяется стекло, что усиливает освещенность. Среди сооружений «нарышкинского стиля» к лучшим относятся ц. Спаса в Уборах (1694-1697), сооруженная Яковом Бухвостовым и особенно усадебный храм Л.К. Нарышнина – ц. Покрова в Филях (1690-1695; ИРА, с. 230). Построенная на высоком арочном подклете, окруженная открытой папертью и широкими, пологими лестничными всходами, Покровская церковь прекрасно вписана в пейзаж. Она – воплощение башеннообразной, слитой с колокольней церкви. Нарастание ярусов происходит мягко.
Во внутренних пространствах храмов «высокий» иконостас продолжает наращивать количество ярусов, сохраняя основную форму пирамиды, разделенную расписанными тяблами на горизонтальные ряды. Во второй половине XVII века резьба, покрывающая нижние ряды, стала покрывать весь иконостас, сделалась более декоративной, в ней появились новые мотивы (виноградная лоза – «белорусская резь»). Иконостас приобрел вертикальную ориентацию с подчеркнутой центральной осью. Основными стали вертикальные членения, украшенные горельефной резьбой.
Деревянное зодчество. (ИРА, с. 136-160).
Дворец царя Алексея Михайловича в Коломенском, воздвигнутый Семеном Петровым и Иваном Михайловичем в 1667-1668 гг. – сложный комплекс зданий, связанных переходами, с шатрами, высокими кровлями, «килевидными» бочками крыш и лестничных входов.
Излюбленными в деревянном зодчестве были шатровые храмы. Основу их конструкции составлял восьмерик, надстроенный над четвериком и завершеный восьмигранным шатром.
Двадцатидвухглавая Преображенская церковь погоста Кижи на Онежском озере (1714, ИРА, с. 154) имеет стройные маковичные главы, отмечающие каждую ступень в пирамидальной композиции.
Живопись.
В тематике изображений увеличился вес светских (исторических) сюжетов. Для образцов использовались западноевропейские гравюры. Начало XVII века ознаменовано господством двух направлений:
1.Годуновская школа (от имени основного заказчика – царя Бориса) характеризуется тяготением к повествовательности, дробности и перегруженности композиций, увлеченностью архитектурным стаффажем, ориентацией на образы далекой рублевско-дионисовской школы. Цветная палитра сдержанна, большое значение отводится рисунку.
2.Строгановская школа (большинство произведений связано с заказами купеческого рода Строгановых). Это искусство иконной миниатюры проявилось в станковой живописи камерных размеров. Тщательное, мелкое письмо, мастерство отделки деталей, виртуозная каллиграфия линий, изысканность и богатство орнаментации, полихромный колорит, важнейшей частью которого стало золото и серебро - все это компоненты художественного языка школы.
Представитель этой школы – Прокопий Чирин (икона «Никита – воин», 1593 г.) Элементы своеобразного реализма получили дальнейшее развитие у изографов оружейной палаты. Их главой являлся Симон Ушаков (1626-1686) – теоретик и практик живописи, графики и прикладного искусства. В «Троице» С. Ушакова ощутима глубина перспективы, в фигурах выявлена телесность и объемность.
Фресковая живопись в XVII веке переживала последний взлет. Стенописные работы в это время осуществлялись большими артелями (в Успенском соборе трудились в это время в общей сложности более 100 человек), члены которой имеют узкую специализацию (знаменщики, личники, доличники, златописцы, травщики, терщики красок и т.д.). В фресковой живописи этого времени почти отсутствует тектоника, соотнесение живописных поверхностей с архитектурными (например, сложные композиции часто пишутся на столбах). Масштаб изображений порой настолько измельчен, что их прочтение на расстоянии практически невозможно. Фрески необычайно декоративны, часто применяется орнамент. Известные мастера Гурий Никитин и Силы Савин в фреске «Сцены деяний пророка Елисея» смещают акцент с действий главного героя на изображение жизни вообще, здесь изображена жанровая сцена покоса и русский пейзаж.
Человек в росписях XVII века редко предстает в образе погруженного в себя философа, неподвижного созерцателя. Обычно он деятельный, он жестикулирует, торгует, воюет, жнет, пашет, ездит в каретах и верхом, плывет на корабле. Сцены многолюдны, помимо главных героев в них действуют крестьяне, воины, слуги и т.д.
В это время развивается искусство «парсун» (от лат. Parsona – личность) – портретное изображение реального исторического лица. Их содавали: Симон Ушаков, Федор Юрьев, Иван Максимов, Иван Безлин, Ерофей Елий, Лука Смольянинов; тем самым протягивая нить к портретной живописи петровского времени.
Прикладное искусство.
Главные центры – мастерские Московского Кремля (Оружейная, Золотая, Серебряная, Царицына палаты). В них работали оружейники, ювелиры, серебряники, мастера инкрустации, золотой и серебряной насечки, мастера резьбы, высокой горельефной чеканки, глухой и прозрачной финифти, черни, мастерицы плетения кружев, золотого шитья и т.д.
XVII век завершает развитие истории Древнерусского искусства.
Лекция. Искусство Руси XVIIIв.
Россия в это время интенсивно осваивает опыт западноевропейских стран, ликвидируя свое двухсот- трехсотлетнее отставание. Этот процесс шел несколькими путями: приобретением за границей готовых произведений искусства; привлечение иностранных специалистов; для подготовки отечественных кадров отправление русских людей за государственный счет за границу в качестве пенсионеров.
Центр творческих усилий сосредоточен в Петербурге (он связывает Россию с Западом). Москва более взаимодействует с провинцией. В ней остались работать старые мастера и не желающие учиться новому молодые художники. Провинция в первой четверти XVIII века испытывает слабое воздействие новшеств.
В архитектуре наиболее важной задачей становится приобщение к общим закономерностям античной, ренессансной, барочной и зародившейся во Франции архитектуре классицизма. Прямоугольные, лучевые, веерные планировки городов, соблюдение красных или «фасаднических» линий, взаимодействие несущих и несомых частей на основе классического ордера, анфиладное расположение интерьеров, сложившиеся приемы сочетания парадных и второстепенных помещений – черты, заимствованные русским зодчеством.
В первой четверти XVIII века бурно строится Петербург. На Васильевском острове было положено начало культурно-просветительскому и административному центру. Композиционным центром острова становится Петропавловская крепость.
Петропавловский собор, первоначально деревянное здание, а затем воплощенное в камне, является наиболее крупной работой Доменико Трезини (1670-1734), родившегося в Швейцарии и приглашенного в Россию из Дании. Храм – трехнефная базилика. Единый массив колокольни расчленен на ярусы – этажи. Голубая с белым цветовая гамма была новой для того времени. Здание Двенадцати коллегий спроектировано Трезини совместно с Земцовым. Важным становится введение пилястр на фасадах, которые объединяют этажи и укрупняют фасады зданий. Например, здание Кунцкамеры (арх. Г. И. Маттарнови, Н. Ф. Гебель, Г.Кьявери, М.Г. Земцов). Принципы регулярной композиции (Летний сад) получили дальнейшее развитие при создании пригородных резиденций – Петергофа, Ораниенбаума, Стрельны.
Предпринятое при непосредственном участии М. В. Ломоносова основание МГУ (1775г.), Академии художеств(1757 г.), возникновение русского театра оказали непосредственное воздействие на искусство.
К середине века смягчается противостояние древний средневековых традиций и нового в архитектуре.
Расцвет русского барокко связан с творчеством Франческо Барталомео Растрелли (1700 – 1771). Загородные построенные им резиденции Петергофа и Царского Села (Екатерининский дворец в г. Пушкин) состоят из симметричных корпусов и связующих галерей. Интерьеры украшены позолоченной резьбой и лепниной, янтарем и бронзой, узорами паркета и многоцветной живописью. Упругие побеги и раковины (рокайли) почти не оставляют свободных полей стен. Помимо сооружений дворцов и богатых частных домов Растрелли занимается крупным монастырским строительством. Начиная с 40-х гг. на смену базиликальной композиции храма приходит центрическая. В соборе Смольного монастыря Растрелли использовал принцип «золотого сечения». Архитектор придает пятиглавию этого собора небывалую компактность.
Во главе московской архитектурной школы находился Ухтомский Д. В. Многоярусная колокольня Троице-Сергиевской лавры (арх. И.Я.Шумахер, Н.Ф.Мигурин, Д. В.Ухтомский) органично вошла в ансамбль монастыря. Московская колористическая гамма чаще всего остается прежней – красно-белой , декоративному резному и лепному убранству возвращается обилие и узорная пышность.
В XVIII веке складывается искусство станковой картины. На смену обратной перспективы приходит прямая. Первые шаги становления портрета связаны с деятельностью живописной мастерской Оружейной палаты. Это создание так называемых парсун. Среди парсун выделяются два основных вида:
- портрет-тезис – наиболее архаичный, имеющий многочисленные поясняющие подписи;
- портрет-апофеоз, символизирующий ратные подвиги (портреты в рост Петра I, Шереметьева, Меньшикова).
При этом пространство парсун трактуется символически, существует нарушение масштабности. Скурпулезная передача орнамента одежды и различных деталей придает полотну повышенное декоративное звучание. Здесь в одной работе соединяются подчеркнуто выпуклое написание лица и плоскостное одежды. Образ парсуны сосредоточен на самом себе.
Как свидетельство незавершенности перехода от средневекового письма к новой живописи следы парсун можно обнаружить и в произведениях ведущих художников первой половины XVIII века И. Никитина, И. Вишнякова, А. Антропова.
Основателем новой русской живописи считают Ивана Никитина (1680-1742). Сын священника, он был певчим в патриаршем хоре, потом учителем рисования и «цифири» (арифметики) в артиллерийской школе. Заметив склонность юноши к искусству, Петр 1 определил его сначала в ученики к иностранному художнику (вероятно к Таннауеру), а в 1716 году послал вместе с его братом Романом, тоже художником, в Италию. Через четыре года художник возвращается из Флоренции зрелым мастером. Его работы: «Портрет Петра I» 1721 г., «Портрет канцлера Г. Головина» 1716 г., «Портрет напольного гетмана» 1720-е гг. Картины И. Никитина часто схожи по композиции и формату. Автора привлекает отражение характера человека. После смерти Петра I находится в оппозиции к власти. Его арестовывают, ссылают в Сибирь, в 1741 г. выходит указ о его освобождении, по дороге в Петербург художник умирает.
А. Матвеев (1701/02 – 1739), посланный учиться в Голландию, вернулся на родину уже после смерти Петра I в 1727 г. Загруженный заказами на батальные сцены, плафоны и декоративные панно для дворцов, художник, возможно, не полностью проявил свое дарование. Среди его произведений «Венера и Амур» и «Аллегория живописи» свидетельствовали о трудном освоении мифологического сюжета. “Автопортрет с женой» 1729 г. – наиболее известная работа Матвеева. Тонкое, интимное чувство впервые представлено на обозрение. Живопись богата мягкими колористическими переходами.
Живопись середины века.
Одно поколение художников сменяло другое и можно проследить непосредственную преемственность мастеров: А. Матвеев – А. Антропов – Д. Левицкий – В. Боровиковский – А. Венецианов.
А.П. Антропов (1716-1795) являлся наиболее ярким выразителем национального варианта барокко. Небольшие по формату, с довольно однообразной грузноватой посадкой фигуры, портреты Антропова перекликаются с приемами иконописания, с характерным для него контрастом объемного «личного» и плоскостного «доличного» письма («Портрет атамана Ф.И.Краснощекова» 1761г., «Портрет Т. А. Трубецкой» 1761г., «Портрет А. М. Измаиловой»).
Парадные портреты И.Я. Вишнякова напоминают искусство рококо. Мастер наделяет свои модели тонкой одухотворенностью, теплотой затаенных чувств, трогательной незащищенностью соединенной с несколько наивной торжественностью композиции («Портрет Сарры Фермор» 1749г.).
На творчество И.П. Аргунова (1729-1802) во многом повлияло его положение крепостного. Его образцами были произведения современной западноевропейской живописи (стиль рококо), работы придворного мастера Гроота, с которым он был связан ученичеством. В обширном наследии мастера преобладает полупарадный вариант портрета, обычно предполагающий поколенный срез фигуры. Значительная часть моделей – многочисленное семейство его хозяев – Шереметьевых, и их предки. Качество интимного портрета, доброжелательное приглашение к соучастию начинают проявляться и в изображении равных ему по положению и умонастроению людей («Портрет К. А. Хрипунова» 1757 г.).
Георг Гроот (1716-1749) немец по происхождению, сообщает своим произведениям привкус гротескности.
П. Ротари (1707-1762) – итальянец, снискал огромную популярность благодаря «портрету-головке». Он изображает миловидные женские модели в грациозных поворотах, то одетые в маскарадные костюмы, то скрывающие смеющиеся лица за веерами и муфточками («Головка девушки»).
Гравюра – очень важный вид искусства XVIII века. Оно доносит до зрителя живой отклик событий: извещает о крупных сухопутных и морских баталиях, великолепных фейерверках и торжественных процессиях, изображает виды городов и портреты современников.
Наиболее значительная роль в этой области принадлежит А. Ф. Зубову (1682/83 – 1749). Он изображает морские баталии и Петербург. В «Панораме Петербурга 1716г.» Зубов несколько искажает топографические особенности застройки, совмещая в пределах одной композиции наиболее выгодные ансамбли и упуская второстепенные элементы.
М.И. Махаев (1718-1770) известен серией гравюр с видами Петбурга, исполненных в 1753 году. Он использует возможности перспективы.
Гравюра является в это время своеобразным посредником между живописью и зрителем, выполняя роль репродукции.
Скульптура.
Б.К. Растрелли (1675-1744) приехал в Россию в 1716 году. Бронзовая «Статуя императрицы Анны Иоановны» – барочная скульптура, напоминающая работы Бернини.
После смерти Б.К. Растрелли в 40-50х гг. скульптура развивается в основном как монументально-декоративная, подчиненная потребностям архитектуры.
Лекция. Искусство Руси второй половины XVIIIв.
Господствующим стилем в искусствевторой половины XVIIIв. был классицизм, хотя наряду с ним существовали сентиментализм и предромантическая тенденция. В истории русского искусства классицизм оказался очень живучим стилем. В самом общем виде следует различать эпохи:
-раннего классицизма 60-е гг. – первая половина 80-х гг.;
-строгого или зрелого классицизм вторая половина 80-х гг. до 1800г.;
-позднего классицизма 1800 – 1830 гг..
Искусство классицизма основано на идеалах Просвещения, зародившегося во Франции и нашедшего в России благоприятную почву для развития, особенно во времена правления Екатерины.
Стремление к простоте, логической упорядоченности, отказ от декоративной изощренности, приверженность к анатомической правильности здорового, близкого к античному идеалу тела, возвышенная духовная интонация в портрете – характерные черты искусства.
С середины 80-х гг. в архитектуре акцент переносится с общественных зданий на создание частных дворцов, особняков, загородных усадеб. Появляются произведения, восходящие к экзотической архитектуре Востока – шинуазри (китайщина, японщина), тюркери (туретчина). Они отражают желание отойти от нормативности классицизма.
Живопись.
Ф. Рокотов (1732-1808) любит молодые модели, не отмеченные печатью официальности. Особой выразительностью обладают вытянутые «по-рокотовски» глаза («Портрет В.Е. Новосельцевой»).
Д.Г. Левицкий (1735-1822) родился на Украине в семье священника, который занимался гравированием. В 1758г. Левицкий приезжает в Петербург. В 1770г. к живописцу приходит успех за одно из произведений, экспонированных на первой выставке в России в Академии художеств. Он был удостоен звания академика. Левицкий долгое время вел портретный класс и трудился над выполнением заказов, оставив обширное наследие(«Портрет П. А. Демидова»). Выразительны портреты его смолянок – воспитанниц Смольного института в Петербурге – закрытого учебного заведения для девушек из дворянских семей.
Боровиковский В. Л. (1757-1825) родился на Украине и обучался иконописному мастерству. В 1788г. переезжает в Петербург и сближается с Львовым. В портретах Боровиковского можно найти отражение сентиментализма (получившего развитие в Англии). К 90-м гг. относится появление сравнительно узкой, но знаменательной предромантической тенденции. В портретах Левицкого взволнованность персонажей передается в поворотах головы и подвижности торса. Предромантизм отразился и в поздних скульптурах Шубина и в статуях Козловского.
Историческая живопись получила развитие в работах А.П. Лосенко («Владимир и Рогнеда»). Развивается жанровая Живопись (И. А. Ерменев «Нищие»), пейзаж (С.Ф. Щедрин изображает окрестности Петербурга – Гатчину, Павловск, Царское Село).
Архитектура.
Французский архитектор Ж.Б. Вален-Деламот (1729-1800) и русский зодчий А.Ф Кокоринов(1726- 1772) являются соавторами проекта Академии художеств (1764- 1788) в Петербурге, которое ясно воплощает черты нового стиля. Здание имеет четыре этажа, сгруппированные попарно. Оно как бы слагается из надежного основания и легкой несомой части. Орнамент – абстрактные геометрические фигуры.
Ограда Летнего сада (арх. Ю.Фельтен и П. Егоров) также геометрична, уравновешенна и спокойна.
Василий Иванович Баженов (1737/38 – 1799)не смог осуществить многие свои постройки. Он окончил Академию художеств и был послан пенсионером за границу. Приобрел европейскую известность, избран профессором Римской, членом Флорентийской и Болонской академий. Крупнейшее псевдоготическое произведение мастера - подмосковная усадьба Царицыно (1775-1785).
М.Ф. Казаков (1738 – 1812) как и В.И. Баженов являлся одним из основоположников классицизма в России. Он учился в школе Ухтомского, не прошел заграничного пенсионерства. Его работа – здание Сената в Московском Кремле (1776-1787). В 1780-90 гг. начинается новая эпоха в творчестве М.Ф. Казакова, связанная с развитием строгого классицизма (Колонный зал Благородного собрания или Дом союзов). Помимо общественных зданий, М.Ф. Казаков создает множество богатых частных домов. Он развивает два типа особняка: первый из которых ставится на красной линии, второй – относится вглубь парадного двора – курдоньера (дом Барышникова а Мясницкой улице).
И. Старов (1745-1808) – младший современник Баженова, он был более удачлив. В начале своей деятельности Старов создает ряд произведений в духе раннего классицизма (Никольское-Гагарино, Богородинск, Бобрики). Самое известное произведение – Таврический дворец в Петербурге (1783-1787). Это новый тип комфортабельного жилого дома, состоящего из главного корпуса и двух боковых флигелей.
Джакомо Кваренги (1744-1817) приехал в Россию в 1780г. Он явился выразителем строгого классицизма, поклонником римской античности и палладианства. Зодчий так же использует тип трехчастного жилого дома. Он строит здание Академии наук в Петербурге (1783-1789). В некоторых постройках, например, в Александрийском Дворце (1792-1796) тема колоннады становится доминирующей. Колонны как правило лишены канилюр и воздействуют на зрителя своей мощью.
Чарльз Камерон (1740(?)-1812) тонко чувствовал природу, поэтому его достижения сказались в основном в области загородного строительства и в искусстве интерьера. Его произведения близки по духу английской школе. В Павловском дворце (1782-1786) ощущается тяготение к палладианской вилле. Дворец создавался вместе с пейзажным парком (арх. Гонзага).
Декоративно-прикладное искусство.
На смену яркой раскраске и позолоте приходит теплая гамма красного дерева, более спокойная по рисунку обивка мебели и стен. Благородная сдержанность присутствует в декоре.
Скульптура.
Шубин Федот Иванович (1740-1805) родился в Архангельской губернии, славящейся искусством резьбы по кости. Девятнадцатилетним юношей Шубин попадает в Петербург и поступает в Академию художеств. После блестящего окончания совершает заграничное путешествие по Франции и Италии, избран членом Болонской академии художеств. Творческий диапазон Шубина разнообразен: монументальные произведения, декоративная пластика, рельефы, портреты. Его работы: “Портрет А.М. Голицина”, “Портрет И.С. Барышникова”, “Портрет П.В. Завадовского”.
Э.М. Фальконе (1716-1791) известен во Франции как мастер станковой, камерной и миниатюрной скульптуры. “Медный всадник” – итог его двенадцатилетней работы. Ф.Г. Гордеев (1744-1810) – мастер монументальной и декоративной скульптуры. Он проявил себя в мемориальной пластике (надгробие Н.М. Голициной). М.И. Козловский (1753-1802) – станковист (памятник А.В.Суворову на Марсовом поле в Петербурге).
Лекция. Искусство первой половины XIX в. Архитектура, скульптура. Живопись. Академическая живопись. К. Блюллов. А. Иванов. П. Федотов.
Первые десятилетия XIX в. в России прошли в обстановки всенародного подъема, связанного с войной 1812 г. Рост интереса к художественной жизни в России выразился в создании определенных художественных обществ и издании специальных журналов: «Вольного общества любителей словесности, наук и художеств» (1801), «Журнала изящных искусств» (1807-1825), «Общества поощрения художников» (1820), «Русской галереи в Эрмитаже» (1825).
Архитектура начала XIX в.
В это время решаются большие градостроительные проблемы. В Петербурге завершается планировка основных площадей: Дворцовой, Сенатской. Интенсивно после пожара 1812 г. строится Москва. Идеалом становится античность в ее греческом и даже архаическом варианте. Архитектура высокого и позднего классицизма обычно двухцветна – декоративные элементы белые, фон желтый или серый. Строятся театры, ведомства, конюшни, реже возводятся дворцы и храмы (за исключением полковых соборов при казармах).
В Петербурге работают А. Н. Воронихин (Казанский собор, Горный институт, 1806-1811 гг.), Тома де Томон, швейцарец (здание Биржи, 1805 г.), А.Д. Захаров (здание Адмиралтейства, 1806-1823 гг.), К. И. Росси (Александрийский театр, 1828 г., Арка Главного штаба, 1819-1829 гг., Михайловский дворец (Русский музей), 1818-1825), В. П. Стасов (Павловские казармы на Марсовом поле,1817 г.).
Казанский собор – главное детище А. Н. Воронихина. Плуциркульная колоннада храма, которую он возвел не со стороны главного – западного, а со стороны бокового – северного фасада, образовала площадь в центре Невского проспекта. Горный институт (Горный кадетский корпус) имеет мощный дорический портик из двенадцати колонн, обращенный к Неве.
Тома де Томон изменил облик стрелки Васильевского острова, оформив полукругом берега двух русел Невы, поставив по краям ростральные колонны – маяки, образовав вокруг здания Биржи площадь Сама Биржа имеет вид греческого храма на высоком цоколе.
А.Д. Захаров, перестроив старое коробовское здание Адмиралтейства, превратил его в ансамбль Петербурга. Фасад Адмиралтейства растянулся на 406 м. Боковые фасады – крылья выходят к Неве. Архитектор сохранил замысел центрального шпиля.
К. И. Росси мыслил ансамблями. Так создавался Михайловский дворец (Русский музей). В оформлении Дворцовой площади (1819-1829 гг.) перед К. И, Росси стояла труднейшая задача – соединить в единое целое барочный дворец Растрелли, монотонный классический фасад Главного штаба и министерств. Архитектор нарушил унылость последнего Триумфальной Аркой, открывающей выход к Большой Морской улице. Как некогда Растрелли, Росси сам составлял систему декора, конструировал мебель, создавал рисунки обоев, а также возглавлял огромную команду мастеров по дереву и металлу, живописцев и скульпторов. Он постоянно сотрудничал со скульпторами Пименовым-старшим и Демут-Малиновским, авторами колесниц на Арке Главного штаба и на Александрийском театре.
В. П. Стасов – самый «строгий» из всех архитекторов. Он строил Павловские казармы на Марсовом поле, Императорские конюшни на набережной Мойки (1816 г.), собор Измаиловского полка (1828 г.). В. П. Стасов подчеркивал массу, ее пластическую тяжесть. Если он применял декор, то чаще всего это орнаментальные фризы.
В Москве работают О. Н. Бове (Большой театр, 1822 г.), Д. И. Жилярди, А. Г. Григорьев. О. Н. Бове участвует в решении градостроительных задач, где необходимо было соединить средневековую архитектуру с новой застройкой. Площадь с объектом Большого театра у ее основания, будучи как и петербургские площади одной из самых больших – имела московскую отличительную черту – она была замкнута, не входила в ожерелье площадей.
Почти всегда вместе плодотворно работали Дементий Иванович Жилярди и Афанасий Григорьевич Григорьев. Д. И. Жилярди перестроил сгоревший во времена войны Университет (1817-1819 гг.). Особое обаяние русского ампира донесли до нас московские жилые дома первой трети XIX в. В них мирно сосуществовали торжественные аллегорические фигуры на фасадах с мотивами балконов и палисадников в духе провинциальных усадеб. Здесь во всем царила композиционная живописность и динамика, в отличии от Санкт-Петербургского равновесия и упорядоченности (дом Луниных у Никитских ворот Д. И. Жилярди; дом Хрущевых (ныне Музей .А. С. Пушкина).А. Г. Григорьева). Эти два архитектора способствовали распространению ампира по всей России.
К 1840-м гг. классицизм утратил свою гармонию, утяжелился и усложнился (Исаакиевский собор в Петербурге, строившейся Огюстом Монфераном 40 лет). В творчестве мастеров середины века преобладают стилизации: псевдоготика у Н. Л. Бенуа (Царские конюшни и вокзал в Новом Петергофе), барокко у А. И, Штакеншнейдера (дворец Белосельских-Белозерских в Петербурге), древнерусского стиля у К. АА, Тона (храм Христа Спасителя и Большой Кремлевский дворец в Москве).
Скульптура.
Пути развития скульптуры неразрывно связаны с архитектурой. И. П. Мартос (1752-1835) в 1780-1890 гг. прославился своими надгробиями, излучающими величие и тишину. В 1804-1818 гг. он работает над созданием памятника Минину и Пожарскому, средства на который собирались по общественной подписке. Вместе с Ф. Щедриным И. П. Мартос работает над скульптурами для Казанского собора. Степан степанович Пименов (1784-1833) и Василий Иванович Демут-Малиновский (1779-1846) работали над скульптурами воронихинского Горного института. Они создали Колесницу Славы Триумфальной Арки. Знаток античности, особенно гомеровской Греции, Федор Толстой создает знаменитые рельефы-медальоны, посвященные войне 1812г.
В середине века скульптура либо движется к сухости академизма, либо стремится отобразить многогранный мир. Но в том и другом случие она постепенно утрачивает монументальность Петр Карлович Клодт создает композицию «Укрощение коней» для Аничкова моста.
Живопись.
Ведущее направление в живописи – романтизм. Огюст А. Кипренский – первый романтик в русском искусстве, портретист. На его знаменитой картине «Портрет Евграфа Владимировича Давыдова» показан сплав военной доблести, светского изящества и возвышенности поэтической души. Этот портрет – жертва музейного недоразумения. Сто лет считали, что изображенный – поэт-партизан Денис Давыдов.
Сельвестр Щедрин (1791-1830). Академия художеств с детства была его родным домом – отец Федеос Щедрин, известный скульптор, был адъютант-ректором Академии, ее профессором был и дядя пейзажист Семен Щедрин. Сельвестр поступил в Академию в 9 лет, закончил с золотой медалью, дававшей право на заграничную поездку. В Риме он жил недолго, переехал в Неаполь. Навыки свободной живописи он обрел на пленере. Свет и воздух сделались героями его живописи. Здесь темная глубина гротов контрастирует с ярким солнцем. С. Щедрин оттягивал свое возвращение в Петербург, т. к. до него дошли слухи о декабрьском восстании 1925 г., до конца жизни он так и не вернулся в Россию.
Василий Тропинин (1776-1857) – самый популярный московский портретист пушкинской эпохи. Он бывший крепостной, только в 47 лет получает от отца вольную. За всю жизнь написал почти 3000 портретов. Нарядные и приятные образы – это не четкое следование оригиналу. Живописец старался избегать хмурых лиц. Его модели: мечтательные дамы, которым он подправлял носы и уменьшал рты; военные, которых он делал сильнее и энергичнее; дородные купцы и значительные сановники. Он неоднократно повторял своих застенчивых золотошвеек, кокетливых кружевниц, сентиментальных мальчиков с птичками. Наследник сентиментализма XVIII в., он не остался в стороне от романтических веяний и считался предшественником передвижничества.
Алексей Гаврилович Венецианов (1780-1847) – художник, в чьем творчестве бытовой жанр впервые в русском искусстве получил форму стройной концепции. С 1819 г. Венецианов жил в имении Сафонково Тверской губернии, наблюдал крестьянскую жизнь, подчиненную размеренному ритму. Его герои пребывают в бесконфликтном, вневременном мире. Самобытный русский пейзаж с сереньким небом, бескрайними полями напоминают стихи Тютчева «Край родной долготерпимый» («Спящий пастушок»). В имении он обучал местных ребятишек рисованию. И в среде художников появилось много его последователей. Их называли венециановцами.
Карл П. Брюллов (1799- 1852) – выпускник Петербургской Академии художеств (окончил в 1822 г.). Уехал в Италию, в 1834 г. представляет картину «Последний день Помпеи». В русской исторической живописи до Брюллова главным действующим лицом был герой, совершающий свой поступок в присутствии оттеняющих его лиц. В картине Брюллова представлено романтическое переживание исторического события как движения народных масс. В художнике с коробкой кистей на голове художник запечатлел самого себя.
Александр Андреевич Иванов (1806-1858) после окончания Академии едет в Италию, где не ищет светских развлечений, поводя свои дни в стенах мастерской и на этюдах. За картину «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения» (1835) получает звание академика и его срок пенсионерства продляется на три года. Картина «Явление Христа народу» писалась в Риме. Первые эскизы датируются 1833 г. В 1837 г. Иванов начал работать над большим полотном и посвятил картине 20 лет. В последнее десятилетие жизни у Иванова возникает идея создания цикла библейско-евангельских росписей для какого-либо общественного здания. Неоконченные, выполненные акварелью библейские эскизы органически завершают творчество Иванова. Эти эскизы представляют новые возможности графики, ее пластического и линейного ритма, акварельного пятна, необычайную свободу в трактовке сюжетов.
Павел Федотов (1815-1852). Картина «Сватовство майора» экспонировалась на выставке 1849 г. и была дебютом художника. Он получил за нее звание академика. П. Федотов – бывший офицер Финляндского полка, самоучка. Особенность картины – точность мимики, жестов, поз, пауз между фигурами. Помимо занятий живописью, художник пел, писал стихи, в том числе и к картинам. Он их называл рацедиями. Его картины нравоучительны, они вызывают улыбку и восхищение «изяществом» преподнесения морали.
Лекция. Искусство второй половины XIX в.
Л Байрамова. И. Н. Крамской // «Смена», №8, 2000, С. 98-115.
Л Байрамова. Верещагин В. В. // «Смена», №2, 2001, С. 78-95.
Л Байрамова. Шишкин И. И.. // «Смена», №6, 2000, С. 103-121.
А. Алексеева. Поленов В. Д. // «Смена», №12, 1996, С. 124-131.
В середине и во второй половине XIX в. основополагающим является принцип правдоподобия, который в архитектуре выразился в точной имитации деталей исторического стиля, будь то барочный картуш, мавританская арка или готический проем. Ведущим становится историзм, а позднее – эклектика, основанные на признании равенства всех исторических стилей.
Живопись.
Практическая направленность общественной мысли после реформ 1864 г. (отмена крепостного права) внушила художникам веру в эффективность прямой критики действительности с целью устранен<