Диптих Мартина ван Ньивенхове, правая панель
2. 1487. Брюгге, Музей Мемлинга
3. Мемлинг - нидерландский живописец. Учился сначала на родине, в Германии , с кон. 1450-х в Нидерландах, по-видимому, у Рогира ван дер Вейдена в Брюсселе. Оставался там до смерти последнего. С 1466 работал в Брюгге (с 1467 член гильдии живописцев, с 1468 — самый авторитетный художник города).
Ганс Мемлинг в своем творчестве большое место уделял портретам, в том числе в виде диптихов-складней, на одной створке которого изображалась Мадонна, на другой — заказчик. Мемлинг обращался и к новому для нидерландской живописи типу портретного произведения: двухстворчатому складню, на одной створке которого изображалась Мадонна, на другой же — портретируемый в молитвенном обращении к ней. Самый знаменитый из них Диптих Мартина ван Ньювенхове.
4. Вид- живопись. Реализм. Писал масляными красками.
5. Каждая створка 52х41х,5 см.
6. материалы- дерево масло.
7. Произведения такого типа предназначались для дома. Изображенный человек постоянно творит молитву перед Девой Марией даже в том случае, если диптих сложен и убран в футляр. Это отражает благочестие портретируемого даже в его отсутствие. Высокая деликатность изображения Богоматери тонко рассчитана в этом произведении. Молодой человек стоит на коленях прямо перед Мадонной, которая грациозно сидит перед окном, а не в небесном дворце высоко над суетным миром. Она находится в светлой комнате в его собственном доме с цветными витражами. Зритель также имеет возможность поклоняться ей перед картиной; за спиной Марии в выпуклом зеркале отражаются две темные фигуры. Мягкими красками переливаются красный плащ и синее бархатное платье; на их фоне обнаженный младенец Иисус сидит на вышитой золотой и зеленой парчой шелковой подушке поверх турецкого ковра.
Концепция пространства в произведении – одна из наиболее тщательно продуманных Мемлингом в жанре портрета. То, что мы видим за рамами из своего мира, дополняется отражением в зеркале за спиной Марии. Поэтому мы не только представляем, как выглядит изображаемое пространство, но и понимаем взаимное расположение фигур на картине. Рамы задуманы как два фасадных окна небольшого квадратного помещения, в котором имеется еще два окна: сбоку и сзади. Слева — глухая стена. Ее, а также деревянные потолочные балки можно разглядеть в зеркале. И Дева Мария, и Мартин находятся каждый напротив своего окна.
Дева Мария сидит на скамье. Слева от нее стул, на котором на синей подушке лежит открытая книга. Зеркало здесь служит цели раскрытия пространства. Герб и девиз Мартина ван Ньювенхофе (ILYA CAVSE) включены в стекло витража. Художник изобразил и четыре медальона, в которых зашифровал фамилию заказчика: сеющая семечко рука над садом с цветами (nieuwe hof— новый сад).
На медальонах справа от Девы Марии – Святые Георгий и Христофор; вероятно, выбор именно этих святых обусловлен личным желанием заказчика. Фигуры кажутся объемными; этот объем подчеркивается игрой светотени, полученной в результате мелких мазков коричневой и белой краской поверх похожей на эмаль краски телесного цвета. Контуры морщин, кончики пальцев и ресницы выделены темными нейтральными оттенками. Они варьируются от коричневого до черного, часто с тонкой белой линией по краям для акцентирования рельефа. Волосы, глаза и губы исполнялись в последнюю очередь минимальным количеством краски, наносившейся тончайшей кисточкой.
8.Основное внимание он всегда уделяет изображению первого плана: его Мадонна лирична, у неё мягкий созерцательный взгляд. Мемлинг до мельчайших подробностей, тщательно воссоздаёт облик Мадонны и доходит в её изображении до того, что она кажется, чересчур, идеальной.
Пространство диптиха как бы удваивается: на общее, объединяющее изображенные фигуры, и на отдельное, в каждой створке свое. Вместе с тем помещая земной персонаж на отдельную створку, мастер словно стремится сообщить портрету и личности портретируемого самостоятельную значимость. Ту же цель преследует достаточно подробно выписанный интерьер и особенно пейзаж, видимый в обоих окнах комнаты. И лицо, и одежда модели переданы с исключительной предметной достоверностью. С особо изощренным искусством изображены переливы цвета его костюма. И все же, несмотря на молитвенную позу, сам облик юноши выглядит несколько прозаично, в его состоянии не ощущается внутренней взволнованности.
Судя по отражению в зеркале, молодой человек смотрит прямо на Мадонну, а она сидит лицом к окну. Использованная на правой створке позиция в три четверти поворота выбрана потому, что и стоящий перед Девой Марией зритель принял бы ее, если бы слегка повернул голову вправо. Предполагается, что зритель и Мартин находятся на одинаковом расстоянии от Мадонны, только первый видит ее анфас, а второй — в профиль.
В зеркале видно, что Мартин в черном плаще стоит на коленях.
На витраже за молодым человеком изображен его покровитель Святой Мартин.
9.Его работы отличаются удлинённостью и грациозностью фигур, изяществом линейных ритмов, светской праздничностью колорита, основанного на мягких контрастных красных, синих, блекло-зелёных и коричневых тонов. А его портретные работы, выделяются точностью и строгостью воссоздания облика модели.
Мемлинг . Сочетал в своём творчестве ренессансные и позднеготические черты. Произведения М. отличаются умиротворённым настроением, ясным колоритом, ярко выраженной склонностью к бюргерской, бытовой трактовке религиозных сцен. ). Вместе с тем для них характерна некоторая догматизация приёмов старонидерландской живописи.
Художника в первую очередь интересует облик заказчика, его человеческая сущность, а не благочестивый духовный порыв.
10. Кажется, что длинные волнистые волосы Мартина чуть дрожат на концах от дуновения ветерка, наполняющего комнату через раскрытое окно. Его полные полуоткрытые губы произносят молитву. Его полный жизни образ похож на зеркальное отражение, которое в любое мгновение может исчезнуть.
Произведения Мемлинга передают персональные наблюдения художника.
52. «дунайский пейзаж» Альбрехт Альтдорфер
2. Дунайский пейзаж близ Регенсбурга с горой Шойхенберг (Пугалом) создан в (1520—1525).
3. Родился около 1480г. в Регенсбурге — умер в 1538г. там же. Немецкий живописец, гравер, рисовальщик. Глава дунайской школы. Учился, по-видимому, у отца — художника Ульриха Альтдорфера. В юности путешествовал по Баварии, в начале 1510-х совершил путешествие вниз по Дунаю. Ок. 1516—1518 работал в монастыре Санкт-Флориан близ Линца. В 1517 избран членом городского совета Регенсбурга, в 1526 назначен главным архитектором Регенсбурга.
Процесс творческого формирования Альтдорфера во многом остается неясным. Видимо, он испытал воздействие раннего творчества Кранаха, мастеров круга Пахера; несомненно, для него имело большое значение соприкосновение с творчеством и личностью Дюрера. Но уже в ранних работах Альтдорфер предстает как яркая, самобытная творческая индивидуальность.
4. В 20-х гг. XVI в. мастер обратился к собственно пейзажу — без сюжетных мотивов. Замечательно, что Альтдорфер не только сам отдавал предпочтение изображению природы, но и получал заказы от поклонников «чистого» пейзажа. Вид – живопись. Стиль (направление) изобразительного искусства: Северное возрождение . Жанр произведения: Пейзаж.
5. 30 x 22 cм.
7, 8. В картинах немецкого художника А. Альтдорфера пейзаж начинает господствовать над сценами, показанными на переднем плане.Многие исследователи именно Альбрехта Альтдорфера считают родоначальником немецкой пейзажной живописи. Написанные позднее «Дунайский пейзаж» свидетельствуют о том, что теперь изображение природы - главная и, наверно, единственная задача художника.Огромное впечатление производит колорит картины: глубокие, приглушенные краски зелени и земли, свинцово-синие оттенки неба , золотисто-розовые тона городских сооружений ,могучие стволы деревьев, мощные кроны …Его картины лиричны по настроению, отличаются большей живописной цельностью.Манера живописи Дюрера графическая , несколько жесткая. Его произведения выделяются также динамичной, порывистой манерой письма (иногда мелкими мазками), острой выразительностью рисунка, интенсивностью цветовых решений…. Характеризуется очень своеобразным подходом к пейзажу и растительному миру. Пейзаж расценивается не как часть пространства с расположенными в нем предметами, а как некая среда воспроизводящая определенное почти романтическое состояние души.
9. Альтдорфер был мастером гравюры и рисунка на тонированной бумаге; он был одним из основателей жанра пейзажа. Его произведения отличаются свободой художественной фантазии, яркой эмоциональностью, своеобразной романтичностью, пантеистическим восприятием природы, лесного или речного пейзажа, интересом к сказочно-легендарной окраске сюжета; они выделяются также динамичной, порывистой манерой письма (иногда мелкими мазками), острой выразительностью рисунка, интенсивностью цветовых решений.
10. Мастер с неповторимым, взволнованно-романтическим видением мира, наделенный яркой творческой фантазией, чувством почти фантасмагорической силы света, дарованием колориста, Альтдорфер обладал и разнообразием творческих интересов, в равной степени успешно работал как живописец, рисовальщик, гравер, обращался наряду с традиционными религиозными к аллегорическим и мифологическим сюжетам. Но особенно важное место в его творчестве занял образ природы — величественной, грандиозной, дикой, с непроходимыми чащами, горными хребтами, скалами, могучими древесными стволами.
Зрители и по сей день восхищаются работами этого художника, мощью , силой, нежностью написанной им природы, которая не может не поражать.
53. жан де дитенвилль и жорж де сельве «послы» г. гольбейн младший
2. Послы - Ганс Гольбейн Младший. 1533.
3. Ганс Гольбейн Младший — один из ярких представителей немецкого Северного Возрождения — известен как выдающийся портретист своего времени.
Ганс Гольбейн в 1532 году переезжает в Англию и становится придворным живописцем Генриха VIII. Впереди замечательно выполненные и интересные с исторической точки зрения портреты короля, его многочисленных жён, дочерей и близких друзей. Так и с картиной «Послы».
4. вид- живопись. Двойной портрет.
5. 207х209,5
6. Дерево( дуб), масло.
7. Он включал в картины загадки, незаметные или непонятные на первый взгляд. Гольбейн имел собственный шифр, который другим приходилось разгадывать...
Этот двойной портрет кисти Гольбейна является выдающимся шедевром эпохи Возрождения. Слева, как установлено, - 29-летний французский посол в Англии Жан де Дентевиль, справа - Жорж де Сельв, епископ Лавуа, посетивший Лондон в апреле 1533. Молодому человеку 25 лет, поразительно, сколько важных миссий ему было доверено в этом возрасте - он являлся посланником при Венецианской республике и в Ватикане. С множеством деталей картины, выписанных художником предельно реалистически, контрастно сопоставлен странный предмет, размещенный на переднем плане полотна. Он формирует символический ряд этого произведения, оказываясь - по детальном рассмотрении - искаженным в перспективе человеческим черепом. Об этом черепе в XX веке написано немало - собственно, именно он и сделал шедевр Гольбейна столь популярным в новейшее время.Так называемый анаморфоз – оптический обман. Разумеется, на репродукциях этот фокус не проделать, но если, разглядывая подлинник картины, отойти на пару метров вправо и встать почти вплотную к стене, на которой висит картина, то череп примет свою естественную форму. Его даже можно будет сфотографировать. Искусствоведы утверждают, что на картине можно найти три черепа! Один – анаморфоза, другой – брошь на берете де Дентельвиля, а третий – в черепе-анаморфозе, нужно лишь смотреть под определённым углом.
Череп – символ смерти. Этим аллегорическим, перечеркивающим добрую часть картины изображением художник говорил всем, кто мог его понять: научные открытия, прогресс, церковные свары, высокие должности, спесь, деньги, власть – все бессмысленно перед тем концом, который ждет каждого из нас.Что бы ни было, всегда конец один – смерть? Memento mori – таков девиз Жана де Дентельвиля.Такой подход к шедевру Гольбейна делает картину пронзительной аллегорией "суеты сует."
Итак, на столе, рядом с человеком, стоящим справа, лежат многогранные солнечные часы. Они (хотя это и не свойственно солнечным часам) своими тремя стрелками показывают дату создания картины – 11 апреля 1533 года. Рука посла небрежно опирается на книгу, на корешке которой по латыни сделана надпись: «Ему 25 лет». Возраст второго посла, (стоящего слева), вписан в узор кинжала в его правой руке. Оттуда понятно, что ему – 29 лет.
Глобусы, карты и измерительные приборы – дань всплеску научных и географических открытий той эпохи. Ведь всего 41 год назад Колумб открыл новый Свет, а лишь за 12 лет до написания картины капитан Хуан Себастьян дель Кано, первым обогнул земной шар на корабле «Виктория», чем и доказал на практике, что Земля круглая.На нижней полке бросается в глаза популярный тогда музыкальный инструмент – лютня. У нее порвана одна струна. Исследователи считают, что порванная струна символизирует церковный раскол, связанный с реформами, проводимыми в то время Мартином Лютером. Художник сам подтверждает эту догадку, поместив под лютней книгу со стихами латинских гимнов, переведенных на немецкий язык самим Мартином Лютером.Так Гольбейн показывает взгляды епископа Сельва и свои взгляды на существовавшую тогда религиозную ситуацию – реформировать церковь, но не отделяться от Ватикана.
«Человек, если ты хочешь быть счастливым,
И пребывать в Боге вечно,
Ты должен придерживаться Десяти заповедей,
Данных нам Богом.»
И как бы в подтверждение этому, слева из-за бархатной зелёной занавески выглядывает распятие – бог всегда следит за нами.
Таким образом Гольбейн в своей работе реализует образ двойного зрения — при «прямом» взгляде человека, погруженного в рутину бытовой жизни и не желающего иметь дело с трагической метафизикой земного бытия, смерть представляется иллюзорным пятном, на которое не стоит обращать внимания,- но при «особом»
(подразумевается — правильном, глубоком) взгляде все меняется с точностью до наоборот — смерть превращается в единственную реальность, а привычная жизнь на глазах искажается, лишается значения, приобретая характер фантома, иллюзии.
Различия между героями картины, Гольбейн подчеркивает, используя разные приемы. Молодой епископ одет менее пышно (даже сами дорогие меха его одежд смотрятся достаточно скромно) и держится строже. Его возраст (25 лет) Гольбейн отмечает на книге, о которую тот опирается рукой. Дентевиль и Сельв образуют классическую для эпохи Возрождения пару: одна фигура олицетворяет энергичную деятельность, вторая — углубленное созерцание.
8. Картина Ганса Гольбейна младшего - "Послы", написанная в 1533 году. На картине мы видим двух человек в окружении предметов, образующих их мир и сферу их интересов. Лютня, глобус, солнечные часы редкой конструкции в виде пирамидки, набор флейт. Но самое странное, то, что находится у них под ногами, на полу некая серая плоскость. Это, пожалуй, первый случай в мировой живописи, когда демонстрируется анаморфозис (геометрическое искажение) . Если приставить к низу картинки зеркало, то под определенным углом в нем можно увидеть череп.
В целом картина статична. В первую очередь, устойчивость придают вертикальные и горизонтальные прямые, образованные фигурами молодых людей, этажеркой, линией кромки ковра, свисающей с этажерки, ковра на полу, драпировкой штор. Но есть и диагонали, придающие картине динамику: руки епископа и посла, лютня и глобус, складка на одежде епископа, ну, и, конечно, резкая диагональ неясного происхождения в нижней части картины, выделяющаяся на фоне реалистического рисунка.
Предметы, являющиеся своеобразным фоном многих портретов этого художника, часто выбирались им с целью максимально полно охарактеризовать изображенного человека или, в другом варианте, задать сложную символическую музыку произведения. Но, пожалуй, ни в одной работе эти предметы не сгущаются так "концентрированно", как это происходит в представленном шедевре. Обилие разнообразных вещей говорит о широте интересов стоящих перед нами людей - даны очевидные указания на музыку, математику, геометрию, астрономию, есть, помимо этого, и знаки не столь очевидные. На нижней полке этажерки мы видим глобус, учебник математики, лютню, футляр с флейтами и сборник лютеранских гимнов, раскрытый на псалме "Спаси, Господи, души наши", лютня, струны которой традиционно символизировали смерть. Все это не имеет особого значения, если не обращать внимания странный предмет, размещенный на переднем плане полотна. При детальном рассмотрении это оказывается – огромным, искаженным в перспективе человеческим черепом. Именно он формирует настоящий смысл и целый символический ряд этого произведения. И псалом "Спаси, Господи, души наши" и лютня наполняются глубоким смыслом. Да и все – епископ и посол в роскошных одеждах, предметы - обретают иное значение.
Противопоставление потребительского существования человека, устойчивого комфортного бытия, единственной реальности видимого нами мира и одновременно нависающей над всем этим смерти, приносящей иной смысл в нашу жизнь. Гольбейн расскрыл в этой картине духовное заблуждение множества людей - при обычном взгляде человека, с головой погрузившегося в рутину бытовой жизни и не желающего иметь дело с трагической метафизикой земного бытия, смерть представляется иллюзорным размытым пятном, на которое не стоит обращать внимания, - но при правильном, глубоком взгляде все меняется с точностью до наоборот - смерть превращается в единственную реальность, а привычная жизнь на глазах искажается, приобретая характер временного, не имеющего настоящей ценности фантома, иллюзии.
Кстати изобразить в искаженной перспективе череп - задача ничуть не проще, чем изобразить людей и предметы в правильной перспективе.
Об этом черепе в XX веке написано немало - собственно, именно он и сделал шедевр Гольбейна столь популярным в наше время.
9. В ряде произведений Гольбейна можно проследить идеи, разработанные итальянскими ренессансными художниками. Они касаются композиционных решений, характера линии, распределения светотени и пр.
Вместе с тем, усвоенные влияния переплелись с самобытными достижениями живописи Северного Возрождения, к которым следует отнести стремление к предельно реалистичному изображению, проявлявшееся в точности передачи даже самых мелких деталей.
В портретах Ганса Гольбейна чувствуются светские гуманистические идеи, в которые иногда вплетены религиозные мотивы и античные образы. Эти черты характерны для всего Северного возрождения, однако, образы, которые создает Гольбейн — очень своеобразны. Люди в его портретах гармонично и органично вписаны в мир предметов, которые их окружают. Кроме внешней гармонии, Гольбейн передает и гармонию внутреннюю — лица спокойны, уравновешенны и человек полностью сливается со своим пространством. Альбрехт Дюрер писал портреты с тенью мук и страданий человеческой души, его герои мятежны по своей натуре. Специфика и притягательность портретов Гольбейна в том, что ему удалось показать мир и человека в его естественности и ясности, передав через них свое оптимистическое, жизнеутверждающее мировоззрение.
10. В Лондонской Национальной галерее вокруг двухметровой в ширину и длину картины бродят люди. Они обходят ее со всех сторон и с замиранием сердца останавливаются рядом.
Данная картина магически притягивает - и вот сколько в ней скрыто таинств, объяснимых лишь для сведущего человека!.Об этом написано много книг и сотни статей, а загадки не кончаются... Ганс Гольбейн умел развлечь знать того времени мистическими загадками, включенными в картины, но незаметными или непонятными на первый взгляд.
В этой картине зашифрован призыв к действию и постоянному развитию. Жить с ясной целью, стоять твердо на ногах и быть в гармонии с земным и небесным. Неизбежное случится, но ведь до этого ты успеешь взять от жизни своё.
Редкая картина вызывает такие горячие споры и дискуссии по поводу своего содержания, как «Послы» .
«Послы» одна из тех картин, которую так важно увидеть вживую. Двери в Национальную галерею всегда открыты, причем вход бесплатный, поэтому смело берите билеты в Лондон и летите навестить эту прекрасную картину.
54. «жатва . август» П. Брейгель Старший.
2.Год: 1565
3. Питер Брейгель Старший, которого коллекционеры именуют Мужицким Брейгелем, родился в крестьянской семье. Как и большинство нидерландцев, он получил прозвище от названия деревни, откуда он родом, но своим детям мастер передал это прозвище уже как фамилию. О годах учения будущего художника сохранились весьма скупые сведения: семейное предание гласит, что он учился в Антверппене у Питера Кука ван Альста - прославленного в те годы живописца. Первое документальное свидетельство о Питере Брейгеле - датированная 1551 г. запись о принятии его в члены антверпенской гильдии Святого Луки.
В 1552 году молодой живописец отправился в Италию, посещение которой считалось непременным условием достижения художественного совершенства. В Италии Брейгель прожил около года, но остался равнодушным к изучению древних памятников и почти не водил знакомства с итальянскими художниками.
4.вид- масляная живопись.
5. размеры- 116,5x159,5
6. материалы-Дерево, масло.
7. Каждое время года - это неповторимое состояние земли и неба. В "Жатве" прямо перед зрителем расстилается пшеничное поле с его тяжелой янтарной желтизной; небо над ним - сиренево-белое, словно отдавшее земле все свое живительное тепло.
Привольно раскинувшийся пейзаж - золотое море пшеницы, деревня и желтые поля вдали - уходит в туманную дымку, к далекому озеру. Это пространство обжито людьми, которые жнут, вяжут снопы, везут огромный воз пшеницы, едят и спят под деревом и там, в деревне, тоже занимаются хозяйственными делами. Неизвестно, где родился Брейгель, но он часто бывал в сельской местности и хорошо знал крестьянскую жизнь. Она была для него постоянным источником вдохновения, за что он и получил прозвище «Мужицкий». Умевший беспощадно обнажать дурные стороны человеческой природы, Брейгель изображал крестьян с симпатией и любованием их трудом и отдыхом.
"В "Жатве" все подчиняет себе поле — золотисто-желтое на солнце, бронзовое в тени. Все, что желтеет и золотится вдали, перекликается с ним, устремляется к нему, возвращает к нему взгляд. Часть поля уже скошена, на другой еще работают косцы. Жарко. Они сняли куртки и остались в белых рубахах, а кувшин с водой спрятали в тень. Они идут навстречу друг другу. Согласованность шага и взмаха, стремительного и упругого разворота, широта привычного движения переданы с поражающей естественностью. Глядишь на их работу, и она кажется простой и легкой, как дыхание. За обманчивой этой легкостью — годы привычки, годы трудной работы, вековой опыт отцов и дедов.Вот так и художник. Кажется, что фигуры косарей написаны безо всякого труда, кажется, что написать их иначе невозможно. Кто расскажет нам, сколько понадобилось наблюдений и размышлений, сколько работы, чтобы можно было так твердо поставить на ноги, так развернуть этих косарей, вдохнуть в них такое движение. Движение смело обобщено, в нем подчеркнут ритм. Кажется, в этом ритме двигалась и кисть художника, этот ритм жил в нем. Созданный его рукой, этот ритм вел за собой его руку.По выкошенной тропинке устало шагает косарь. Руки его тяжело опущены, плечи ссутулились, голова склонена. Сейчас он опустится на землю рядом с обедающей под деревом семьей.
Ему нальют в плошку молока, отрежут хлеба, и он будет с наслаждением откусывать хлеб и черпать ложкой молоко, а потом растянется в тени, где уже спит, подложив куртку под голову, его сосед или брат.В "Жатве" Брейгель прославил труд. В "Жатве" Брейгель прославил хлеб. Хлеб золотого густо колосящегося поля, хлеб в сжатых колосьях, хлеб в связанных и установленных на поле снопах, хлеб в круглом каравае, от которого, прижав его извечным движением к груди, старая крестьянка отрезает большие ломти.
8. В этой картине художник начинает выводить на первый план укрупненные фигуры людей. Это крестьяне, занятия которых естественно подчинены смене времен года. Таким образом, человек выступает как органическая часть природы. Все пейзажи не только величавы, но и по- своему уютны. Даже в заснеженной равнине есть что-то домашнее, ибо повсюду видны следы близости людей - трактир, запруда, колокольня. Такова приветливая земля Нидерландов, жители которых лучше других народов обживали природу, не нанося ей вреда. Питер Брейгель умеет показывать зрителю самые простые вещи как чудо.
Здесь, как и в остальных произведениях цикла, подчеркнуто то равновесие природы и человека, которое достигается только достойной жизнью. К выводу о том, на каком договоре между человеком и природой - читай Богом - держится мир, Брейгель ненавязчиво подводит своей картиной.
На первый взгляд кажется, что пространственная структура этого вселенского зрелища строится по линейным законам прямой перспективы.
На самом деле "проверка правильности перспективного построения (имеется ввиду прямая перспектива) здесь в большинстве случаев просто бессмысленна...перспектива крыш домов не подчинена принципу единой точки схода (сравним, например, левый ряд уходящих вниз и вдаль домов)... приблизительна перспектива прудов, пересеченных горизонталями, не метричны изгибы речки, уходящей вдаль, расставленные по дамбе ряды деревьев..." . Принципы геометрической системы - системы линейной перспективы, - не подходили для "перетекающего" пейзажа Брейгеля. Только волнистые, круглящиеся, линии, разделяющие планы в картинах художника, могли передать естественный рельеф земной поверхности и связать все воедино.
9. В то же время это уже чисто ренессансное произведение, в нем заметно влияние итальянской живописи Возрождения, богатство которой Брейгель мог видеть во время своего путешествия. Однако все воспринятое было им сильно переработано, и на первый план выступает уже его собственное, брейгелевское, восприятие мира. Взять хотя бы то, что никто из его современников не создавал таких пейзажей и панорамных картин крестьянского труда.
В картинах Брейгеля господствует совсем иное настроение, чем в миниатюрах. Сцены сельских работ, служившие в Средние века своеобразными символами соответствующих месяцев (например, фигурка косца обозначала июнь, жнеца - август), занимают в его картинах хотя и важное, но отнюдь не главное положение.
10. Питер Брейгель Старший, последний великий художник эпохи Возрождения в Нидерландах.
Самые ранние произведения Брейгеля - пейзажные рисунки, в некоторых из которых зафиксированы тонкие наблюдения над природой, в других отрабатываются и изучаются приемы пейзажной живописи венецианцев и других северных мастеров более старшего поколения. Именно это сочетание прямого, непосредственного наблюдения с условными формулами и создает эффект неизъяснимой притягательности картин Брейгеля. Художник рассматривал пейзаж не просто как декорацию, но как арену, на которой разворачивается человеческая драма.
Одной из главных тем в творчестве Брейгеля является изображение человеческой слабости и глупости - наследие позднесредневекового мышления.
55. «жертвоприношение Авраама» Андреа дель Сарто
2. 1527 год
3. Родился в 1486 году во Флоренции. В юности на его становление как художника оказали влияние Фра Бартоломео и Леонардо да Винчи, позднее — Микеланджело. Дружил с Рафаэлем, Тицианом, Франчабиджо. Работал во Флоренции, в 1518—1519 работал во Франции по приглашению короля Франциска I. Вернулся во Флоренцию в 1519 году.
Приблизительно с 1527 по 1529 год Андреа дель Сарто создал несколько вариантов на тему «Жертвоприношение Авраама». Наиболее известный вариант, относящийся к 1528 году, находится в Дрезденской картинной галерее.
4. вид- живопись. Жанр- религиозная живопись. Направление- высокое возрождение.
5. размеры-2.13 * 1.59 м
6 . материалы-Масло, дерево.
7. Авраам поворачивает голову к небу, откуда слетает ангел и останавливает Авраама. Связанного Исаака, преклонившего колено на жертвенном камне, художник написал с одной из фигур группы Лаокоона, известной позднегреческой мраморной статуи, которая была раскопана в 1506 году в античных руинах Рима. Именно на этом примере становится видно, какое значение придавали античному искусству художники Ренессанса.
8.Несмотря на монументальность фигуры Авраама, безупречную разработку движения, превосходное использование света и колористическое мастерство, вся картина в целом весьма холодна. Локальные цвета колорита, некоторая условность в трактовке скалистого пейзажа напоминают соответствующие элементы религиозной живописи.
9.Здесь чувствуется влияние античной скульптурной группы «Лаокоон с сыновьями» (ок. 40 г. до н. э., Рим, Ватикан), что сказывается и в фигуре Исаака, и в запрокинутой голове Авраама, и в самой композиции. Однако даже в этом холодном, академически красивом произведении Андреа дель Сарто остается верен принципам Возрождения — он не может отказаться от натуры, пусть даже идеализированной. Для головы Исаака он пользуется той же моделью, что и для «Иоанна Крестителя» (1520-е гг., Флоренция, галерея Питти). Обе картины созданы в один и тот же год. По-видимому, в этом произведении Андреа стремится утвердить физическое совершенство прекрасного своей юностью и красотой человека.
10.Репродукции, конечно, не самые плохие, но картины производят впечатление несравненно более сильное. На меня - так даже более сильное, нежели Сикстинская Мадонна. Вообще, Андреа дель Сарто и Корреджо (о котором речь еще пойдет) двинулись дальше Рафаэля, и при этом ухитрились не впасть в маньеризм, за что им великая честь и слава.
56. Альбрехт Дюрерсерия гравюр « Жизнь Марии».
ЗАГЛАВНЫЙ ЛИСТ
Около 1511. Заглавный лист серии «Жизнь Марии» . Гравюра на дереве 217×194 мм
ЯВЛЕНИЕ АНГЕЛА ИОАКИМУ Около 1504 .Гравюра на дереве.298×210 мм
ВСТРЕЧА ИОАКИМА И АННЫ . 1504 .Гравюра на дереве
298×207 мм
Встреча Иоакима и Анны» (1504) - это встреча двух пожилых людей, происходящая на площади средневекового немецкого города. Художник выделяет героев, сильно выдвинув их вперед и вписав их фигуры в арку. Характеру этой сцены, спокойной и поэтичной, соответствует образный строй гравюры - плавные линии складок одежды, мягкие силуэты, вторящие ритму арок. Архитектура, пейзаж, бытовая среда становятся неотъемлемой частью гравюр Дюрера.
РОЖДЕСТВО МАРИИ
Около 1503 – 1504 .Гравюра на дереве
298×210 мм
В Рождестве Марии» (ок. 1503) действие происходит в бюргерском доме, все детали обстановки которого переданы с большой достоверностью. Характерно, что фигура главной героини отодвинута вглубь, а на переднем плане в самых непринужденных позах изображены горожанки в костюмах 16 века. И только ангел на облаке напоминает, что гравюра имеет отношение к религиозной легенде.
Сцена «Рождества Марии» происходит в бюргерском доме, все детали обстановки которого переданы с большой достоверностью. Характерно, что главная героиня Анна отодвинута вглубь, а на переднем плане изображены горожанки в разнообразных и самых непринужденных позах и в костюмах 16 века. И только ангел на облаке напоминает, что сцена эта имеет отношение к религиозной легенде.
ОБРУЧЕНИЕ МАРИИ . Около 1504.Гравюра на дереве296×209 мм
ВВЕДЕНИЕ ВО ХРАМ . Около 1503 – 1504 .Гравюра на дереве299×209 мм
БЛАГОВЕЩЕНИЕ . Около 1503 .Гравюра на дереве304×211 мм
ВСТРЕЧА МАРИИ И ЕЛИЗАВЕТЫ . Около 1504 .Гравюра на дереве303×213 мм
БЕГСТВО В ЕГИПЕТ . Около 1504 – 1505 .Гравюра на дереве
302×212 мм
В листе «Бегство в Египет» (ок. 1503) особую эмоциональную роль играет пейзаж. Это одно из ранних изображений природы в немецком искусстве. Таинственный лес, где фантастические деревья соседствуют с растениями средней полосы Германии, придает листу сказочный характер. Спокойный, повествовательный рассказ находится в полной гармонии с художественными приемами мастера. Дюрер не пользуется больше контрастами черного и белого, предпочитает работать штрихом, добиваясь мягкости переходов. Серия «Жизнь Марии" становится поэтическим рассказом, полным любви, радости, грусти, в котором реальность переплетается с легендой, бытовые элементы со сказочными.
ПРИНЕСЕНИЕ ВО ХРАМ . Около 1505 .Гравюра на дереве296×210 мм
пРОЩАНИЕ ХРИСТА С МАТЕРЬЮ . 1504 – 1505 .Гравюра на дереве300×211 мм
