Раздел 1. Музыка как вид искусства.

МУЗЫКА

Обзорный курс лекций

для специальностей: 44.02.01 Дошкольное образование

44.02.04 Специальное дошкольное образование

Красноярск 2017

Уважаемые студенты! Данное пособие предлагает краткий обзор теоретического материала по основным разделам учебной дисциплины ОГСЭ.08*Музыка с практикумом хорового пения.

Знание основ музыкальной грамоты и отличительных особенностей основных жанров народной и профессиональной музыки позволят вам более свободно установить взаимосвязи средств музыкальной выразительности и нотного текста в ходе восприятия, исполнения или анализа музыкального произведения.

Раздел 1. Музыка как вид искусства.

Лекция «Музыка как вид искусства»

Происхождение музыки

Существует ряд гипотез о происхождении музыки - мифического, философского и научного характера. Процесс формирования музыки отразила античная мифология. Мифы повествуют о греческих богах, которые и сотворили девять Муз, помощниц бога красоты и покровителя музыки Аполлона, равных которому в игре на лире не было. В Древней Греции возникла легенда о Пане и прекрасной нимфе Сиринге.

На основе изучения музыки различных народов мира, сведений о первичном музыкальном фольклоре племен ведда, кубу, огнеземельцев и других, было выдвинуто несколько научных гипотез происхождения музыки. Одна из них утверждает, что музыка как вид искусства родилась в связи с танцем на основе ритма. Подтверждением этой теории служит музыкальные культуры Африки, Азии и Латинской Америки, в которых доминирующая роль принадлежит телодвижениям, ритму, ударности, и преобладают ударные музыкальные инструменты.

Другая гипотеза (К. Бюхер) – музыка сформировалась в результате трудовой деятельности человека, в коллективе, во время согласованных физических действий в процессе совместного труда.

Теория Ч. Дарвина, исходящая из естественного отбора и выживания наиболее приспособленных организмов, давала возможность предполагать, что музыка появилась как особая форма живой природы, как звуко - интонационное соперничество в любви самцов (кто из них голосистее, кто красивее).

Широкое признание получила «лингвистическая» теория происхождения музыки, в которой рассматривается интонационные основания музыки, связь ее с речью. Одна мысль об истоках музыки в эмоциональной речи высказывалась Ж.-Ж. Руссо и Г. Спенсером: необходимость выразить торжество или скорбь приводила речь в состояние возбуждения, аффекта и речь начинала звучать; а позже, абстрагируясь, музыка речи была переложена на инструменты. Более современные авторы (К. Штумпф, В. Гошовский) утверждают, что музыка могла существовать даже раньше, чем речь - в неоформившейся речевой артикуляции, состоящей из глиссандирующих подъемов, подвываний. Необходимость подачи звуковых сигналов привела человека к тому, что из неблагозвучных, неустойчивых по высоте звуков голос стал фиксировать тон на одной и той же высоте, затем закреплять определенные интервалы между различными тонами (различать интервалы более благозвучные, в первую очередь октаву, которая воспринималась как слияние) и повторять короткие мотивы. Большую роль в осмыслении и самостоятельном бытовании музыкальных явлений играла способность человека транспонировать один и тот же мотив, напев. При этом средствами для извлечения звучаний были как голос, так и музыкальный инструмент. Ритм участвовал в процессе интонирования (интонационный ритм) и помогал выделять наиболее значимые для напева тоны, размечал цезуры, способствовал формированию ладов (М. Харлап).

Традиционно понимание музыки, сформированное в рамках искусствоведения - музыкальной эстетики, теории музыки и истории музыки, музыкальной этнографии (фольклористики), было дополнено новыми представлениями о музыке, возникшими в новых научных дисциплинах - сравнительном музыкознании, музыкальной антропологии и музыкальной культурологии.

Анализ специфики понимания музыки в традиционных культурах народов мира обнаружил существенные различия в ответах на вопрос: «что есть музыка?».

Ответы на этот вопрос у представителей разных культур различны. То, что для одних есть музыка, для других представляется «не музыкой». Например, для Г.Берлиоза пение китайцев в традиционной опере, где все женские амплуа исполняются мужчинами, поющими высокими фальцетными голосами, казалось невыносимым, хуже кошачьего воя. Для мусульманина распевание Корана в мечети не есть музыка (араб, мусики), тогда как для европейца - это музыка, которую можно анализировать, как и другие виды «музыкального искусства» в рамках музыковедения. Существующее многообразие видов музыки в европейской культуре также порождает многообразие вкусов и пристрастий среди музыкальных адептов. Для одних только классическая музыка является «музыкой», а такая как авангардная или рок-музыка - «не музыка».

Представления о музыке, сформированные, как и сам термин, в европейской культуре, не всегда имеются в других культурах мира. Например, у большинства народов Африки, Океании, у индейцев Америки, она традиционно не выделяется из других сфер жизни. Музыкальное действо, как правило, неотделимо здесь от ритуальных действий, связанных с охотой, обрядом инициации, свадьбой, военными сборами, поклонением предкам пр. Представления о музыке в некоторых племенах порой вообще отсутствуют, нет ни термина «музыка», ни его аналогов. При попытках специально выделить музыкальные явления и описать то, что для нас, европейцев, безусловно, является музыкой - стук палок, дребезжание охотничьих луков, игру на барабанах, флейтах, напеваемые хором или в одиночку мотивы и пр. - аборигены, например, Океании рассказывают, как правило, мифы и разного рода сказочные истории. В них объясняются истоки тех или иных музыкальных явлений, которые возникают в некоем потустороннем мире и пришли в мир живых людей от сверхъестественных сил (богов, духов, тотемных прапредков) или звуковых явлений природы (грозы, звучания тропического леса, пения птиц, крика зверей и пр.); часто указывается на рождение музыкальных инструментов и музыкальных способностей человека в мире духов или джиннов (духов леса, умерших людей, богов). В тех странах мира, где заметное влияние оказал процесс вестернизации культуры, чаще всего принимается и сам термин «музыка», и европейское понимание музыки. В городах Африки и Азии создаются ансамбли народной (фольклорной) музыки, устраиваются музыкальные фестивали, возникают музыкально-учебные заведения (институты, консерватории), симфонические оркестры, национальные композиторские школы.

В культурах древних и средневековых городов Азии, в придворных традициях Китая, Индии, Юго-Восточной Азии, в странах Ближнего и Среднего Востока возникают собственные представления о музыке, которая чаще всего обладает определенным уровнем профессионализма, и не выделяется так, как в системе европейской культуры. Так, в Китае, где изначально не было известно греческое понятие «музыка», музыка традиционно была связана с дворцовым ритуалом, в котором она определялась общим термином юе;

в Древней Индии - с театром и пантомимой (сангита), с представлениями о чувстве (раса) и цвете (варна); в культуре ислама - с авторской литературно-поэтической традицией, с искусством распевания стихов (ас-сана).

Этапы развития музыки

В своем развитии музыка, как и поэзия, отмечает три этапа развития. Первый этап определяется чаще всего термином «фольклорный». В европейской культуре понятие «музыкальный фольклор» часто используют как синоним к понятиям «народная», «этническая» или «музыкальная культура нецивилизованных народов». Стадия фольклора отличается такой коммуникацией, когда слушатель и исполнитель не разделены - все являются соучастниками музыкального действа и включены в некий ритуал.

Музыкальный фольклор тесно связан с народным бытом (охота, рождение ребенка, свадьба, похороны), трудовым процессом, календарными праздниками, обрядами, играми. По своей природе он синкретичен, так как сочетает в себе пение и звучание музыкальных инструментов. В первобытных обществах он был неотделим от слов и телодвижений. Наряду с крестьянским музыкальным фольклором, хорошо сохранившимся в культуре России, существует и городской музыкальный фольклор. Это уже «профессиональное народное искусство», которое появляется лишь в развитых сообществах. Для фольклорного этапа характерна устная форма трансляции музыкальных «текстов», отсутствие форм письменной их фиксации и неразвитость музыкально-теоретических понятий, специальных музыкальных учений.

Второй этап определяется по-разному, как «устная музыкальная литература», музыка «традиционная» или «устно-профессиональная». В ней музыкант-профессионал отделен от слушателей. Его отличает стремление к фиксации музыкального «текста», чаще всего с помощью слова, но не в процессе распевания безымянных народных стихов, а специально сочиненных литературных текстов.

На третьем этапе устная форма общения заменяется письменной и появляются три участника процесса музыкальной коммуникации: композитор-исполнитель-слушатель. Такой взгляд определяет традиционно-европейское понимание музыки в наши дни. Именно в Западной Европе на рубеже 16-17 вв. возникло авторское, композиторское музыкальное творчество. Музыка стала записываться в стабильном нотном тексте и появилась необходимость исполнения, записанного и отделенного от создателя «нотного текста». Музыкальное сочинение (композиция, опус) приобрело возможность самостоятельного существования, что было вызвано появлением нотописи и развитием инструментальных форм музыки.

На данной стадии стало выделяться исполнительское музыкальное искусство - одна из самых значимых сфер реализации музыки во всех культурах и на всех стадиях ее существования. При этом возникает ярко выраженная потребность в индивидуальной трактовке, варьировании, аранжировке одного и того же фиксированного в нотном тексте музыкального произведения.

Виды музыки

К концу 20 в. меняется отношение к музыке в целом. Она перестает рассматриваться как явление, стоящее в ряду с другими искусствами, а осмысляется как часть культуры (молодежной, народной, крестьянской, городской, массовой, элитарной, европейской, американской, африканской, японской, восточной, русской и др.).

Что такое музыка сегодня?

. Музыкальные структуры, которые определяли язык классической музыки, разрушились. Новые стилистические направления, когда в качестве художественного «произведения» начал выступать исходный материал музыки - нетрадиционным образом, организованный во времени звук и ритм - способствовали расширению концепции музыки. Теперь к элементам музыкальной структуры стали причисляться не только «музыкальный звук», «интервал» или «тембр», но и «шум», «кластер», «скрип», «крик», «топот» и множество других звуковых явлений искусственного или природного происхождения.

Более того, в качестве музыки начало осмысляться отсутствие звучания, т.е. - пауза, тишина. В этом отразился интерес некоторых европейских и американских музыкантов к медитативно-религиозным практикам Востока, изучение ими философии дзэн-буддизма, ислама, индуизма, влияние теософских концепций на понимание природы музыки.

Современные представления о музыке формируются в мультикультурном пространстве, суммируя наши знания о различных культурных средах, пластах, традициях, где музыка обязательно имеет место. Используются возможности широкого межкультурного обмена не только собственно музыкальными артефактами (сочинениями, инструментами, учениями, концепциями, музыкантами, техникой и пр.), но и различными духовными ценностями общекультурного порядка, которые затрагивают такие «музыкально-процессуальные сферы» природы Человека, как его способность к чувственно-эмоциональным переживаниям, длительным психическим состояниям, механическому движению и движениям души, к мышлению, речению. Все культурное разнообразие этих процессов, известное нам сегодня в географическом и историческом пространстве мировых культур и цивилизаций, значительно влияет на современную музыкальную практику (практики), на создание и восприятие музыки и на представления о том, что такое музыка. Очертания новой глобальной культуры вырисовывают нам сегодня стремление не столько к однообразию и унификации, возникающих на Земном шаре музыкальных явлений, сколько к их разнообразию и неповторимости в самых различных формах организации человеком проявленных и непроявленных звучаний.

В настоящее время наши представления о музыке значительно расширяются и изменяются. Этому способствовал ряд процессов, получивших распространение в 20 веке: развитие звуковых технологий (звукозапись и техническое воспроизведение музыки, возникновение электромузыкальных инструментов, синтезаторов, музыкально-компьютерных программ);

знакомство с музыкальными культурами различных народов мира;

интенсивный обмен музыкальной информацией между странами, народами и континентами (музыкальные программы на радио, телевидении, гастроли музыкальных коллективов, международные музыкальные фестивали, , использование Интернета и др.);

признание музыкальных интересов и вкусов разнообразных социальных групп в обществе.

В 20 веке возникает видовое и стилистическое разнообразие музыки появляются представления о различных «музыках», охватывающих более или менее широкий круг бытующих сегодня музыкальных явлений:

Классическая (или серьезная) - профессиональные музыкальные сочинения, рожденные в культуре Европы преимущественно с Нового времени (рубеж 16-17 вв.) и в средние века;

Популярная - массово потребляемые, преимущественно песенно-танцевальные музыкальные жанры.

Внеевропейская (неевропейская) - музыка тех народов (Востока), чья культура отличается от культуры западноевропейской цивилизации Запада

Этническая (традиционная) — фольклорные (и устно-профессиональные музыкальные явления разных народов), подчеркивающие самобытность этноса, нации, племени.

Эстрадная (или легкая) - музыка развлекательного характера, предназначенная для отдыха.

Джаз - подхваченные европейцами профессиональные исполнительские традиции американских негров, основанные на синтезе африканских и европейских музыкальных элементов.

Рок - музыка небольших вокально-инструментальных групп молодежи, отличающаяся обязательным наличием ударных и электромузыкальных инструментов, в первую очередь - гитар.

Авангардная (экспериментальная) - общее наименование нового направления в профессиональном композиторском творчестве 20 в.

Альтернативная - новые музыкальные сочинения или исполнения (звуковые представления, «перформансы»), принципиально непохожие на все известные сегодня виды музыки

Многие виды музыки определяются:

по среде их обитания и функциям: военная, церковная, религиозная, театральная, танцевальная, киномузыка и т.д.

по характеру исполнения: вокальная, инструментальная, камерная, вокально-инструментальная, хоровая, сольная, электронная, фортепианная и др.;

по отличительным свойствам музыкальной фактуры и композиторской техники: полифоническая, гомофонная.

Внутри каждого из видов музыки в свою очередь могут возникать и развиваться собственные стили и направления, отличающиеся устойчивыми и характерными структурными и эстетическими признаками.

Например: классицизм, романтизм, импрессионизм, экспрессионизм, неоклассицизм, серийность, авангард - в классической музыке;

рэгтайм, диксиленд, свинг, би-боп, куул - в джазе;

тяжелый металл, хип-хоп, рэп, грандж: — в рок-музыке и т.п.

Музыка - «целительница»

Я слышал, что стихами Авиценна

Писал рецепты для больных людей,

Я слышал, что излечивал мгновенно

Больных своею музыкой Орфей.

Меланотерапия, или лечение музыкой имеет тысячелетнюю историю. Жрецы многих народов в древности прекрасно знали, что звуковые волны воздействуют на любой предмет, а некоторые звуки оказывают благотворное влияние на человека. В Библии описывается, как Давид, играя на арфе, излечивал царя Саула от приступа депрессии. А в Южной Италии верили, что недуги, вызванные укусом паука - тарантула, могут быть излечены, если станцевать возле «больного» зажигательный танец — тарантеллу.

В средневековье в европейских городах во время эпидемии, церкви звонили «во все колокола». И хотя тогда толком никто не мог объяснить, зачем нужен колокольный звон, люди интуитивно чувствовали, что поступают совершенно правильно.

Лишь в 20 веке стало понятно, для чего нужен этот звон. Выяснилось, что звон колоколов содержит в себе особое резонансное ультразвуковое излучение убивающее, например, палочки такой страшной болезни, как тиф или вирус гриппа, желтухи и всего лишь за несколько секунд.

Многие музыкальные звуки или созвучия, или определенные музыкальные обороты обладают чудесным оздоравливающим воздействием.

Проверенные исследования показали, что каждый музыкальный инструмент действует на человеческий организм по-своему. Звуки фортепиано или скрипки прекрасно успокаивают нервную систему. Флейта обладает ярко выраженным расслабляющим действием, а при звуках кларнета изменяется кровообращение.

Почти любая классическая музыка, если её просто слушать ежедневно в течении 15 минут, непременно улучшает настроение! А если вы заболели, то меланотерапевты пропишут Вам строго определённую музыку, которая наилучшим образом будет способствовать исцелению. Так, например, больным страдающим язвой желудка, показана музыка Л.Бетховена и В.Моцарта.

Наибольшей же популярностью у меланотералевтов пользуется музыка В.Моцарта. Она легко успокаивает раздражительных и непослушных детей, хорошо воздействует на сердцебиение, регулирует ритм сердца, а также улучшает пищеварение.

«Без музыки земля — пустой недостроенный дом, в котором никто не живёт»,-сказал немецкий поэт Л.Тик.

Глубокое понимание музыки требует от слушателя определённого усилия, но как много обретает человек, сделавший это усилие! Перед ним открывается чудесный мир, наполненный звуками, покоряющими красотой и одухотворённостью. Этот мир отрыт людям, главное - слушать музыку.

Легенды о музыке.

Люди издавна считали, что музыка обладает великой чудодейственной силой. Они создавали о музыкантах мифы, былины, сказки. Из глубины веков пришли к нам их легендарные имена.

Аполлон и музы

Согласно легенде, боги обитали на священной горе Олимп. «Высоко на светлом Олимпе царит Зевс, окружен­ный сонмом богов» (Гомер). Зевс — бог-громовержец, вла­дыка богов и людей. Среди его детей самый могуществен­ный — Аполлон (Феб) — бог света, покровитель искусств. Облик юного бога запечатлен во многих скульптурах. В одной из них он изображен с золотой кифарой в руках, в легких развевающихся одеждах, с лавровым венком на гордо поднятой голове. И глядя на прекрасную статую, мы словно слышим торжественную песнь Аполлона.

Юные богини-музы — дочери Зевса и богини памяти Мнемосины. Всего их девять, и каждая из них покрови­тельствует определенному виду искусства, науки. Так, четыре из них — покровительницы музыкального и по­этического искусства: Эвтерпа — муза лирической поэзии и песен, Каллиопа — муза эпической поэзии, древних ска­заний, Полигимния — муза священных гимнов, Эрато — муза любовной поэзии. Терпсихора покровительствует танцу, Талия — комедии, Мельпомена — трагедии. Восьмая муза — Клио — покровительница истории; девя­тая — Урания — покровительница астрономии. Обитают музы на священной горе Парнас. И когда их божествен­ные голоса поют гимны под аккомпанемент золотой ки­фары Аполлона, весь мир благоговейно внимает их строй­ному пению.

Гармония и красота муз, их искусство связывают лю­дей с красотой и вечностью космоса (вспомните: многие планеты, созвездия носят имена древнегреческих богов, героев античных легенд). Ведь слово «космос» означает не только «вселенная», «мир», но и «красота», «порядок». Даже число муз — девять — символично, это девять пла­нет солнечной системы. Древнегреческий философ и ма­тематик Пифагор считал, что при гармоничном, строго упорядоченном движении девяти планет возникает «му­зыка сфер», которая порождена мелодичными звуками каждой из них. Слово «музыка» в Древней Греции озна­чало «искусства муз», служившие воспитанию души

Состязание Аполлона и Пана

Богом природы, лесов и пастбищ был Пан. По преда­нию, он родился с козлиными ножками, и мать, взглянув на младенца, в ужасе обратилась в бегство. Но отец обра­довался рождению сына и отнес его на светлый Олимп. Боги-олимпийцы громко смеялись, глядя на Пана. Пан не захотел остаться на Олимпе и ушел в тенистые зеленые леса. Там он пас стада и играл на свирели. Как гласит ле­генда, именно он изобрел свирель, вырезав ее из трост­ника.

Изображения Пана в скульптуре и живописи сохраня­ют нам облик козлоногого бога со свирелью в руке (ее на­зывают флейтой Пана). Старец некрасив, но он добродуш­но улыбается. Пан и страшен, и смешон. Люди, видев­шие Пана, спасались от него бегством. Отсюда и родилось слово «паника», то есть безумный страх.

Пан так гордился своей игрой на свирели, что вы­звал на состязание самого Аполлона. В пурпурном плаще, с золотой кифарой, увенчанный лавровым венком, явился златокудрый Аполлон.

Начал состязание Пан. Раздался веселый и простой пастуший наигрыш, такой же простодушный, как и сам Пан. Затем Аполлон ударил по струнам своей золотой ки­фары, и полились величавые звуки гимна. Затихло все, смолкли птицы, замерли люди, слушая дивную мелодию. Отзвучал величавый гимн, но никто не смел, нарушить свя­щенную тишину... Все признали победу Аполлона в этом состязании. И только царь Мидас, мнивший себя знатоком музыки, стал восхвалять немудреную игру козлоногого Пана. Она понра­вилась ему гораздо больше, так как была проста и понятна. Разгневался златокудрый Аполлон, схватил Мидаса за уши и вытянул их. Уши покрылись шерстью и превратились в ослиные. С тех пор наказанный царь прятал свои ослиные уши под высоким колпаком. А опечаленный Пан ушел в тенистые леса, и оттуда часто раздаются звуки его свирели — то грустные, то веселы.Однажды брадобрей Мидаса, приводя в порядок его прическу, слу­чайно сдвинул злополучный колпак. «О, ужас!» Он увидел на царской голове ослиные уши и вскрикнул от страха. Разгневанный царь приказал брадобрею молчать — молчать под страхом лютой казни. И брадобрей замолчал на несколько лет. Но как тяжело хранить тайны, особенно чужие! И брадобрей не выдержал. Поздним вечером он пришел на берег реки, вырыл ямку и, наклонившись к ней, тихо сказал: «Ямка, ямка! А у царя Мидаса ослиные уши» — и тут же зарыл ее. Кругом не было ни души. Но его слова услышали тростники, росшие на берегу реки. Они заволновались, зашелестели и разнесли страшную тайну по всей реке, а река — по всему свету.

Легенда об Орфее

Имя древнегреческого певца Орфея известно более двух тысяч лет. Он был, как повествует легенда, сыном речного бога и музы Каллиопы. Не было равных ему в ис­кусстве пения и игры на лире. Когда Орфей пел, аккомпа­нируя себе на золотой лире, вся природа затихала, вни­мая божественному голосу певца. До нашего времени со­хранились изображения Орфея с лирой в руках среди цве­тов и деревьев.

…Женой Орфея была прекрасная нимфа Эвридика. Но счастье юных супругов длилось недолго. Вскоре после свадьбы Эвридика с подругами пошла в рощу, собирать ве­сенние цветы. Она не заметила в густой траве змею и на­ступила на нее. Укус змеи оказался смертельным. Гром­ко вскрикнула Эвридика и бездыханной упала на зеленую траву. На крик сбежались подруги, но Эвридика была уже мертва.

Огласилась роща плачем подруг. Услыхал его Орфей: быстрее ветра примчался он сюда и увидел среди цветов на траве безжизненное тело любимой. Отчаяние охватило Орфея. Не мог он смириться со смертью Эвридики, не мог ничем утешиться. И скорбела с ним вся природа, рыдая дождями. Спрятался в тучах золотой лик солнца, завяли весенние цветы. Умолкла волшебная лира певца.

Много времени прошло, но не утихала душевная боль Орфея. Отчаявшись, он решился бросить вызов бессмерт­ным богам и отправился в подземное царство мертвых, чтобы вернуть Эвридику на землю.

Царство мертвых, владыкой которого был бог Аид, находилось далеко-далеко на краю земли. Путь к нему лежал через мрачные ущелья, пропасти и пещеры. Мир живых и мертвых разделяли черные воды священной реки Стикса. Попасть в царство Аида, можно только пере­плыв реку в ладье Харона — перевозчика душ умерших, и ни один смертный не ступал в его ладью.

Но велика была любовь Орфея, и потому беспримерна его дерзость. Своим волшебным голосом заворожил он су­рового Харона, и тот, нарушив запрет, перевез его на дру­гой берег, в царство мрачного Аида.

Новые испытания ждут Орфея. Сначала ему прегра­дили путь злобные ведьмы-фурии:

Затем на него бросился трехглавый пес Цербер. Но не страшны они Орфею. Своим пением он растрогал неумо­лимых фурий, усмирил злобного пса. Играя на золотой лире, Орфей приблизился к трону Аида и почтительно склонился перед ним. Бог подземного царства, поражен­ный отвагой смертного, долго его разглядывал, а затем

велел спеть. И тогда запел Орфей о своей великой любви к Эвридике, о своей безмерной тоске по ней. Склонив голо­ву на грудь, слушал вдохновенное пение Аид. Слезы дро­жали на ресницах его жены Персефоны. Все подземное царство внимало певцу. Но вот затихли золотые струны, замерла песнь Орфея. Долго молчал Аид, затем промол­вил: «Великий певец! Ты растрогал меня. Твое искусство достойно награды богов. Я отпущу Эвридику с тобой на землю. Но помни мое условие! Когда ты будешь возвра­щаться, Эвридика пойдет следом за тобой. Иди и не ог­лядывайся до тех пор, пока не выйдешь из моих владе­ний. Нарушишь мое условие — потеряешь ее навсегда».

И вот Орфей пустился в обратный путь. Он слышит за спиной шаги Эвридики. Уже позади мрачное царство Аида, черные воды священного Стикса. Каменистая уз­кая тропа ведет наверх к свету. Уже забрезжил первый солнечный луч, выход близок! Вдруг Эвридика вскрикну­ла и... Орфей оглянулся. Совсем рядом увидел он Эвриди­ку, в отчаянии протянул к ней руки. Но тщетно. Тень Эв­ридики стала быстро удаляться и исчезла во мраке... Ока­менел Орфей, охваченный отчаянием.

...Шли годы. Погиб Орфей. Его золотая лира одиноко плыла по водам быстрой реки. Но боги не дали погибнуть лире великого певца. Они подхватили ее и вознесли на небосвод. Когда по вечерам зажигаются звезды, сияет сре­ди них и созвездие Лиры...

Древнегреческий миф прославлял великую силу музыки, покорившей даже бессмертных богов. Для немецкого композитора XVIII века Кристофа Виллибальда Глюка, Орфей стал не мифическим героем, а живым человеком. Рассказывая в музыке о его судьбе, композитор словно заглянул в душу Орфея, раскрыл скорбь, верность и мужество страдающего сердца.

Опера Глюка — не единственное произведение, созданное на этот сюжет. Легенда об Орфее вдохновляла композиторов на протяжении многих веков. Так, одна из первых опер в Европе, созданная и поставленная в Италии в 1600 году, называлась «Эвридика». В начале XVII века за ней последовала опера итальянского композитора Клаудио Монтеверди «Орфей». В конце XVIII века в России появилась мелодрама Евстигнея Фомина «Орфей».

В XX веке миф об Орфее возродился в балете Игоря Стравинского. И может быть, мы еще услышим новые выдающиеся произведения на этот бессмертный сю­жет.

К образам древнегреческой мифологии обращались не только компози­торы, но и художники, скульпторы, драматурги. Чтобы понимать старинную и современную музыку, поэзию, живопись, скульптуру, нам надо знать ан­тичную мифологию. Она продолжает жить в современной речи, запечатлена в камне. Влияние античной мифологии сказалось на архитектурном облике многих городов Европы. В Москве, Петербурге и других городах старинные здания украшены орнаментами, барельефами, статуями и скульптурными группами. Создавая их, архитекторы и скульпторы черпали свое вдохнове­ние в образах античной мифологии. Особой роскошью декора отличаются здания дворцов, музеев и театров. Каждый, кто посетил Москву, стремится побывать в Большом театре. Этот храм искусства запоминается своим торже­ственным обликом. Когда вы приближаетесь к белоколонному зданию, ваш взгляд невольно приковывает скульптурная группа, украшающая фасад над кровлей бортика, словно увлекая ввысь, взлетает квадрига быстроногих ко­ней Аполлона.

Былина о Садко

Сказки, легенды, предания разных народов мира хра­нят имена своих выдающихся музыкантов. Так, в Древ­ней Руси на протяжении нескольких веков слагались бы­лины о новгородском гусляре Садко. В одной из них ска­зывалось:

В славном Нове-граде

Как был Садко-купец, богатый гость.

А прежде у Садка имущества не было:

Одни были гусельки яровчатые.

Слава о нем рекой лилась по Великому Новгороду:

Звали Садка в боярские терема златоверхие,

В купеческие хоромы белокаменные.

Заиграет он, заведет напев —

Все слушают гусляра, не наслушаются...

…Задумал Садко плыть в далекие моря — насмотреть­ся чудес невиданных, побывать в странах неслыханных да спеть там славу Господину Великому Новгороду.

И сказал он богатым купцам новгородским: «Кабы была у меня золота казна да дружинушка хоробрая, я не сидел бы сиднем в Нове-городе. Не стал бы жить по старине — по пошлине. Не пировал бы день и ночь, не бражничал.

Пробегали бы мои бусы-корабли, объезжали бы моря си­не. Накупил бы я в краях дальних скатна жемчуга да камней самоцветных и понастроил бы в Нове-городе церк­ви Божиих с золотыми маковицами. Разнеслась бы тогда по далеким морям, по раздолью земли слава Новгорода»:

Рассердились купцы спесивые, не стерпели упрек: «Не тебе нас корить, не тебе нас учить. Ты гусляр простой, не торговый гость». Насмеялись над ним и прогнали.

ОпечалилсяСсадко, пошел на берег Ильмень-озера, уда­рил в струны звонкие и запел песню-кручинушку:

Услыхало Ильмень-озеро песню дивную, всколыхнулося. Выплыла стая лебедушек. Обернулись они красны­ми девицами. Вышла на берег прекрасная Волхова, дочь царя Морского: «Долетела песнь твоя до глубокого дна

Ильмень-озера. Полонили сердце мне твои песни чудные». За песню да за игру дивную посулила Волхова Садку чуд­ных рыб — золоты перья.

Вернулся Садко в город и стал биться о велик заклад:

Ай же вы, купцы новгородские!

Как знаю чудо-чудное в Ильмень-озере:

А есть рыба — золоты перья в Ильмень-озере!

Ударим-ка о велик заклад:

Я заложу свою буйну голову,

А вы залагайте лавки товара красного.

Не поверили купцы Садку, на смех подняли. Собрал­ся народ вкруг них, торговые гости заморские: индий­ский, веденецкии да варяжский. Сурово звучит рассказ Варяжского гостя — его песня о величавой северной при­роде, об отважных людях «стран полнощных». Заворажи­вает песня Индийского гостя, услаждает слух песня Веденецкого (Венецианского) гостя. Каждый восхваляет свой край, его богатства и красоту.

Забросил тут Садко невод шелковый в Ильмень-озеро и выловил трех рыб — золоты перья. Подивились купцы, догадалися, что сам грозный царь Морской прислал Сад­ку подарок, за песни дивные наградил его. Снарядил Сад­ко тридцать и един корабль, попрощался с людом новго­родским да на прощание запел молодецкую песню:

Песня Садко с хором «Высота», как и предыдущий музыкальный пример, заимствована нами из оперы рус­ского композитора Николая Андреевича Римского-Корсакова «Садко». В ней композитор, прекрасно знавший рус­ское народное творчество, использовал старинные напевы, наигрыши, былины. Силой своего таланта и фантазии он преобразил древние мелодии, обновил и украсил их зву­чание.

Вопросы и задания

1. Какие боги Олимпа вам известны? Кто такие музы? Назовите их имена.

2. Известна ли вам тайна, связанная с лавровым венком Аполло­на?

3. За что был на­казан царь Мидас?

4. Изложите содержание легенды об Орфее. Кто автор знаменитой оперы «Орфей»?

Вопросы и задания

Вспомните сказки, рассказы, повести, стихотворения, где речь идет о музыке и музыкантах

Лекция «Музыкальная форма»

Что же та­кое«музыкальная форма»?

Это понятие в музыке имеет два значения.

В широком понимании этого слова – совокупность средств музыкальной выразительности ,воплощающих содержание музыкального произведения.

В узком же смысле - фор­ма — это определенный распорядок частей и характер отношений между собой.

Не только широкое, но и узкое определение музыкальной формы связано с содержанием: ведь последовательность частей есть нечто иное ,как последовательность музыкальных мыслей, музыкальных образов, а взаимоотношение частей формы говорят о том или ином виде связи между образами.

Форма как совокупность художественных средств и как структура произведения важна и существенна в каждом искусстве. Но в музыке особенности ее временной и звуковой природы с особой настойчивостью требуют ясной, тщательно разработанной, безупречно логичной форы.

.Установление форм, их историческая кристаллизация происходили отнюдь не без влияния жанров. Так, например, не существует единой формы вальса.

Любое музыкальное сочинение состоит из различных частей. Если бы этого не было, произ­ведение представляло бы собой бессмысленный по­ток музыкальных звуков. Каким же бесформен­ным было бы тогда произведение, в котором все время появляются новые и новые мелодии и их сочета­ния.

Итак, мы будем знакомиться с наиболее общими и простыми формами музыкального произведения.

Применение самого простейшего принципа - повторность позволит создать музыкальное произведение в разных формах

.Какие же формы связаны с этим принципом?

Период– это простейшая форма законченного изложения музыкально -- тематического материала ( музыкальной мысли). Признаком законченности является наличие полной каденции, которая обозначается в конце определенного музыкального построения.

Период может представлять собой вполне определенное, самостоятельное, законченное произведение. Простейший тип периода состоит из 8 тактов.

Строение «период» характерно для песенно – танцевальных жанров. Свое широкое распространение форма получила в XXII – XXIII вв. Рождению ее поспособствовала неожиданно возникшая потребность со стороны дворцовой знати в создании такого мелодико - ритмического построении, которое бы легко воспринималось, запоминалось и узнавалось.

Период состоит из двух мелодически сходных построений – предложений АА1 , где

предложение А - рассматривается как начальное, повествующее

А1 – ответное, заключительное.

Предложение в свою очередь делится на два более мелких построения, называемых фразами.

В музыке встречаются предложения ,в которых фразы отделены друг от друга цезурой, и предложения, в которых фразы сливаются почти в сплошную мелодическую линию.

Каждая фраза в свою очередь делится на мотивы. Мотивом называется построение, содержащее в себе один метрический акцент.

.

. Для периода существенны два момента:

1. повторяемость определенного мелодико – ритмического построения, которое как бы утверждает построение, закрепляет его в сознании слушателей;
2. законченность, за