Общая характеристика синтетических (синкретичных) жанров
Не все музыкальные жанры возникли в одно время. Опера, например, родилась в Италии в конце 16 века.
Опера – произведение для музыкального театра, которое имеет сюжет, ставится в декорациях и костюмах и исполняется артистами – певцами и симфоническим оркестром.
Оперы бывают: исторические, героические, комические, лирические. Все они имеют свои характерные черты, хотя принадлежат к одному и тому же оперному жанру.
Первоначально оперные спектакли в Италии назывались: «favola in musica» (сказка в музыке) и «dramma in musica» (музыкальная драма). И, наконец, чуть позже «opera in musica» (музыкальное произведение). Итальянская опера занимала очень большое и важное место в жизни общества, стала неотъемлемой частью культуры страны. В 17 веке выдвинулся ряд крупных композиторов – основоположников национальных оперных школ. Это К. Монтеверди – в Италии, Ж. Б. Люлли – во Франции, Г. Пёрселл – в Англии. По содержанию это оперы – мифы, оперы – легенды. Это расцвет оперы – seria (серьезных драматических сочинений).
К середине 18 века относится взлет комической оперы, «оперы буффа», в которой используются бытовые сюжеты, любовные перипетии, метаморфозы с переодеваниями. В Италии мастерами комедийных спектаклей стали Д. Перголези, Д. Паизиелло и др.
Но особенное значение приобрели оперы Глюка и Моцарта, это 2 крупных реформатора оперного искусства. Ими созданы подлинные шедевры:
К. Глюк. Опера «Орфей»,
В. Моцарт «Похищение из Сераля»,
«Свадьба Фигаро»,
«Дон Жуан»,
«Волшебная флейта».
Героико-патриотическая тематика в годы революционного подъема в 19 веке нашла отражение в опере немецкого композитора Л. Бетховена «Фиделио» и более всего в русской опере, воспевающей благородные идеалы, борьбу за свободу, счастье, справедливость. Среди них героико-патриотические оперы, эпические, исторические драмы, лирико-драматические («Князь Игорь» А. Бородина, «Жизнь за царя» М. Глинки, «Хованщина», «Борис Годунов» М. Мусоргского и мн. др.).
М. И. Глинка еще в конце 18 века заложил основы русской классической оперы. А народно-песенная основа придает ей неповторимое своеобразие.
Многообразны по типам, богаты по содержанию оперы Римского-Корсакова (его называли оперным сказочником).
Весенняя сказка «Снегурочка»
Опера-былина «Садко»
Музыкальная драма «Псковитянка»
Историко-бытовая опера «Царская невеста»
Опера-легенда «Сказание о невидимом граде Китеже»
Опера-сатира «Золотой петушок» и др.
Одно из величайших явлений в истории мирового музыкального театра – оперы П. И. Чайковского. Лирико-драматический характер этих опер, порой приобретая трагедийную окраску, получил высшее выражение в операх:
«Евгений Онегин»,
«Чародейка»,
«Пиковая дама»,
«Иоланта».
Современные зарубежные мастера оперы 20 века, такие, как Б. Барток, А. Берг, Б. Бриттен, Д. Гершвин, К. Дебюсси, П. Хиндемит пользуются новаторскими приемами в создании оперных образов, музыкальным языком в стилистике модерна.
Русские современные авторы:
С. Прокофьев, Д. Шостакович, Д. Кабалевский, К. Молчанов, А. Петров, Ю. Шапорин, Р. Щедрин создают замечательные оперные произведения на литературные сюжеты, многие из которых отражают реальные события жизни советского периода («А зори здесь тихие» К. Молчанова, «Семья Тараса» Д. Кабалевского и др.- о событиях Великой Отечественной войны)).
Произведения оперной классики доставляют высокое эстетическое наслаждение. Главным средством является мелодия, связанная со словом. В опере соединяют вокальное и инструментальное начало, сольное, ансамблевое и хоровое пение.
Сольные номера в опере:
Ария, ариозо, ариетта, песня, монолог.
Ансамбли в опере:
2 исполнителя – дуэт;
3 исполнителя – трио (терцет);
4 исполнителя – квартет;
5 исполнителей – квинтет;
6 исполнителей – секстет.
Речитатив в опере – выполняет связующую роль. Открывается опера увертюрой (оркестровым вступлением). Может звучать от 3-х до 10 мин. Увертюра вводит слушателя в атмосферу эпохи и событий данной оперы. Мелодически увертюра построена на главных темах оперы.
Большое значение в опере имеют хоровые номера. Например, зрителя просто потрясают масштабные хоровые сцены в «Борисе Годунове», полные подлинного трагизма (хор «Хлеба!!!» у стен московского Кремля).
Важное место также в оперном спектакле занимает хореография.
Например, весь 2 -й акт оперы М. И. Глинки «Иван Сусанин» занимают блестящие бальные танцы в замке короля Сигизмунда III. Много танцевальных номеров и в опере
П. И. Чайковского «Евгений Онегин» (именины Т. Лариной)
Великие оперные певцы силой вокального и драматического таланта создают на оперной сцене яркие неповторимые образы. Таков Мефистофель в исполнении Ф. Шаляпина, Отелло в исполнении В. Атлантова, Юродивый из « Бориса Годунова, созданный И. Козловским и мн. др. Великие оперные тенора: Пласидо Доминго, Лучано Паваротти, Хосе Каррерас подарили слушателям поистине волшебные минуты. Великолепной Кармен в исполнении Е. Образцовой рукоплескал весь мир. Сегодня зрители восхищаются оперными голосами Анны Нетребко, Андреа Бочелли, Анджелы Георгиу, Марии Гулегиной, Рене Флеминг, Даниэль де Низ и мн. др. Русское сопрано Анна Нетребко безраздельно господствует в оперном мире, недосягаемая для других певиц. Всё, что должно быть в оперной певице - необычайная красота, элегантность, артистизм, чувственность, ум и, конечно, изумительно чистый и точный голос, который легко узнаваем, всё это гармонично слилось в этом "эталоне" оперной сцены.
Опера-это интереснейшее сценическое действо, имеющее определенный сюжет, который разворачивается под музыку. Огромный труд, проделанный композитором, написавшим оперное произведение, невозможно недооценить. Но не менее важно исполнительское мастерство, которое помогает передать главную мысль произведения, вдохновить зрителей, донести музыку в сердца людей.
Есть имена, которые стали неотъемлемой частью исполнительского мастерства в опере. Массивный бас Федора Шаляпина навсегда запал в душу поклонникам оперного пения. Когда-то мечтавший стать футболистом, Лучано Паваротти, стал настоящей суперзвездой оперной сцены. Энрико Карузо с детства говорили о том, что у него нет ни слуха, ни голоса. До тех пор, пока певец не прославился своим неповторимым бельканто.
Сюжет оперы.
В его основу может быть положен как исторический факт, так и мифология, сказка или драматическое произведение. Чтобы понять, о чем вы услышите в опере, создается текст либретто. Однако для того, чтобы ознакомиться с оперой, недостаточно либретто: ведь содержание передается через художественные образы музыкальными средствами выразительности. Особая ритмика, яркая и своеобразная мелодия, сложная оркестровка, а также музыкальные формы, выбранные композитором для отдельных сцен – все это создает массивный жанр оперного искусства.
Одновременно с вокальными «закругленными» номерами в операх применяют музыкальную декламацию – речитатив. Это отличная связка меж различными вокальными сюжетами – ариями, хорами и ансамблями. Комическая опера отличается отсутствием речитативом, а заменяет их разговорный текст.
Бальные сцены в опере считаются неосновными элементами, вставными. Нередко их можно безболезненно устранить из общего действия, но бывают оперы, в которых не обойтись без языка танца для завершенности музыкального произведения.
Исполнение оперы.Опера сочетает в себе вокал, инструментальную музыку и танец. Роль оркестрового сопровождения значительна: ведь это не только аккомпанемент пению, но и его дополнение и обогащение.
Меломаны со стажем наверняка с радостью прочтут о лучших исполнителях классических оперных произведений. Достойной сменой талантливейших вокалистов становления оперного искусства стали такие музыканты как Андреа Бочелли.
Монсеррат Кабалье. Об этой удивительной женщине сказано много: звание «Дива мира» смогли заслужить немногие исполнители. Несмотря на то, что певица находится в преклонном возрасте, она продолжает радовать публику своим великолепным пением.
Множество талантливых оперных исполнительниц делали первые шаги на отечественных просторах: Виктория Иванова, Екатерина Щербаченко, Ольга Бородина, Надежда Обухова и другие.
Амалия Родригеш – португальская певица, исполняющая фаду, а Патриция Чофи – итальянская оперная дива впервые участвовала в музыкальном конкурсе, когда ей было три года! Эти и другие величайшие имена прекрасных представительниц оперного жанра - оперных певицах можно найти в рубрике «Женские голоса».
Опера и театр
Дух оперы буквально вселяется в театр, проникает в подмостки, а сцены, на которых выступали легендарные исполнители, становятся культовыми и значимыми. Как не вспомнить величайшие оперы Ла Скала, Метрополитен-опера, Большой театр, Мариинский театр, Берлинская государственная опера и другие. К примеру, Ковент Гарден (Королевский оперный театр) пережил катастрофические пожары в 1808 и 1857 годах, однако большинство элементов настоящего комплекса было отреставрировано. Об этих и других известных сценах вы можете прочесть в рубрике «Площадки».
В древности считалось, что музыка родилась вместе с миром. Мало того, музыка снимает психические переживания и благотворно влияет на духовность личности. Особенно, если идет речь об оперном искусстве…
Таким образом, опера – это синтетический жанр, объединяющий вокальное искусство, хореографию, изобразительное искусство, актерское мастерство.
БАЛЕТ.
(появился в начале 16 века в Италии)
Раскроем томик А. С. Пушкина, «Евгения Онегина».
Театр уж полон, ложи блещут;
Партер и кресла – все кипит
В райке нетерпеливо плещут;
И, взвившись, занавес шумит.
Блистательна, полувоздушна,
Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена,
Стоит Истомина. Она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит.
И вдруг прыжок и вдруг летит,
Летит, как пух от уст Эола,
То стан совьет, то разовьет,
И быстрой ножкой ножку бьет.
Как и во времена А. С. Пушкина, так и в наши дни, русский балет славится во всем мире. Что же такое «балет»?
Французское название и его итальянские корни не случайны. Французское слово «ballet» произошло от итальянского «balleto» - танец. Вот уже 3 с лишним века этим словом называется спектакль, в котором соединились музыка и танец, драматическое и изобразительное искусство.
Балет возник в эпоху Возрождения в Италии. Там издавна любили веселые танцевальные сценки, исполнявшиеся на карнавалах. Постепенно они превратились в самостоятельные музыкальные спектакли.
Во Франции эпохи абсолютизма расцвел придворный балет – пышное и торжественное зрелище, в котором принимали участие король, королева и титулованные особы. Танцоры, в отличие от теперешних, не были профессиональными.
Во 2й половине 17 века великий французский комедиограф Ж. Б. Мольер написал несколько комедийных пьес балетов «Брак поневоле», «Мещанин во дворянстве», музыку к которым сочинил Ж. Б. Люлли, он же был и балетмейстером. Исполняли эти балеты актеры труппы Мольера.
В дальнейшем французские балетмейстеры создали специальный хореографический язык, которым классическим балет пользуется до сих пор (па, жете, фраппе, релеве, батман и т. д.).
В России балет распространился в 18 веке. В придворных и крепостных театрах выступали прекрасные танцовщицы, пленявшие своим искусством самых взыскательных зрителей.
А в 19, начале 20 века ни одна страна не может сравниться с Россией по мастерству балетных трупп Мариинского театра в Петербурге и Большого театра в Москве. С колоссальным успехом проходили Дягилевские балетные сезоны в Париже, «Русские сезоны», связанные с постановкой балетов И. Стравинского «Петрушка» (1911г.), «Весна священная» (1913г.), «Жар-птица» (1910г.) и с новаторскими поисками балетмейстера
М. М. Фокина. В «Русских сезонах» блистала великая Анна Павлова.
Качественно новый этап в развитии балета ознаменовало творчество П. И. Чайковского. Его необыкновенные по красоте балеты «Лебединое озеро» (1877г.), «Спящая красавица» (1890г.), «Щелкунчик» (1892г.) были созданы в содружестве с балетмейстерами Л. И. Ивановым и М. Петипа.
Эпоха советского балета ознаменовалась появлением балетов Д. Д. Шостаковича «Золотой век», Асафьева «Пламя Парижа», Хачатуряна «Гаянэ» и «Спартак».
Особое место занимают балеты С. С. Прокофьева («Золушка» - 1945г., «Ромео и Джульетта» - 1938г.). Они полны тонкого лиризма, сложных психологических перипетий. Новаторский музыкальный язык этих балетов вызвал немало трудностей при постановке даже у такой яркой балерины, как Г. Уланова.
Современный балет прославили также Майя Плисецкая, станцевавшая на сцене разнохарактерные партии и в балетах своего мужа Р. Щедрина (Кармен в «Кармен-сюите», «Анну Каренину», «Чайку», «Даму с собачкой»).
Екатерина Максимова (несравненная Золушка, Анна в «Попрыгунье»), Владимир Васильев, Марис Лиепа, Наталья Бессмертнова, Людмила Семеняка и мн. др.
В наше время традиции великого русского балета продолжают Андрис Лиепа, Илзе Лиепа, Светлана Захарова, Николай Цискаридзе и др.
Балет – мир выразительных танцевальных движений, пластики, жестов, мимики. Равно важны в балете 3 составные части: классический танец, характерный танец и пантомима.
Классический танец – красив, изящен, грациозен («Жизель», «Лебединое озеро»). Движения возвышенны, строятся по канонам классического балетного танца:
- вариации – сольный номер героя (героини). Вариация раскрывает портрет героя, его характер, его образ;
- па-де-де – балетный дуэт (напр. Зигфрида и Одетты).
Кроме солистов в балете принимает участие большая группа танцоров – «кордебалет». Танцоры кордебалета оттеняют основное действие, вносят в него разнообразие.
Начинается балет интродукцией (оркестровым вступлением, вводящим нас в атмосферу того времени, образности).
Не менее важна в балете пантомима. Это движения, жесты, мимика лица, которыми артисты «разговаривают» друг с другом.
Современный балет уже далек от классических канонов; в нем широко применяются движения, заимствованные из гимнастики, из акробатики. Это омолаживает искусство балета, дает простор новаторским поискам современным постановщикам балетных спектаклей. Сегодня зрителю чрезвычайно интересны новаторские поиски балетмейстера Бориса Эйфмана. Театр Б.Я. Эйфмана изначально возник как авторский, как театр одного хореографа, что для тех лет было явлением уникальным. Первые спектакли коллектива в 70-е г.г. были обращены к молодежной аудитории. Смелым экспериментом стал балет "Бумеранг" на музыку Д. Маклафлина, о котором "Нью-Йорк таймс" опубликовала статью под заголовком "Борис Эйфман - человек, который осмелился". В России сегодня это единственный театр современного балета, поражающий грандиозными ансамблевыми построениями. Создавая свой стиль, Б.Я. Эйфман прорабатывал разные пластические системы, театр стал для него своеобразной лабораторией. Хореограф не ограничивает себя рамками чисто балетного спектакля, ибо для него главное - театральность. Его постановки - синтетическое зрелище, открывающее новые формы, новые принципы танцевального действия.
На репертуаре театра оформилась балетная труппа с особым пластическим мышлением. Артисты, блистательно владея классическим танцем, обладают даром перевоплощения. Б.Я. Эйфман, являясь создателем новой актерской школы, определяет искусство балета прежде всего как духовный процесс. Еще в конце 1980-х годов театральная критика отмечала, что хореография Бориса Эйфмана - явление "наиболее новаторское, самобытное и творческое, а его философские, психологические балеты-притчи - уже хореография XXI века". Балетмейстер первым на балетной сцене обратился к творчеству Ф.М. Достоевского. Спектакль "Идиот", поставленный им на музыку Шестой симфонии П. Чайковского, стал замечательным событием в культурной жизни страны.
Не менее ярким явлением стал спектакль Б.Я. Эйфмана "Чайковский" на музыку П.И. Чайковского, премьера которого состоялась 12 сентября 1993 года в Государственном театре оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории.
Симфония.
Среди многочисленных музыкальных жанров одно из самых почетных мест принадлежит симфонии. Всегда, с момента возникновения и до наших дней она чутко отражала свое время. Симфонии Моцарта и Бетховена, Берлиоза и Малера, Прокофьева и Шостаковича – это размышления об эпохе, о человеке, о путях мира и жизни на земле.
Симфония как самостоятельный жанр возникла сравнительно недавно: 2 с половиной столетия тому назад. Однако за этот исторически недолгий срок она прошла гигантский путь. Слово «симфония» в переводе с греческого означает «созвучие». В древней Греции так называли приятное сочетание звуков.
Первые симфонии появились в центре Европы во 2й половине 18 века. Зародившись из старых традиционных музыкальных форм: танцевальной сюиты и оперной увертюры, окончательно симфония сформировалась в странах немецкого языка.
Симфония – доныне самый сложный изо всех видов музыкального искусства, для полноценного восприятия требует вдумывания, обобщения – спокойной, сосредоточенной работы мысли. Не случайно центр философской мысли в Европе конца 18 века оказался именно в Германии, далекой от общественных бурь, происходящих во Франции. В Германии и Австрии сложились богатые традиции инструментальной музыки. Здесь и появляется симфония, как музыкальный жанр. Она возникла в творчестве чешских и австрийских композиторов, окончательный вид приобрела в музыке Й. Гайдна, достигнув своего расцвета у В. Моцарта и Л. Бетховена.
Гайдн, Моцарт и Бетховен – великие венские классики. В их музыке симфония сложилась как классический 4х-частный цикл:
1 часть – быстрая, активная (сонатное Allegro).
2 часть – медленная, задумчивая, элегически-пасторальная.
3 часть – менуэт (старинный трехдольный танец) или скерцо (легкая, искрометная, шутливая).
4 часть – Финал. Жизнеутверждающий, торжественный, победный, праздничный.
У Й. Гайдна – 104 симфонии. Все они наполнены радостью и светом.
У В. Моцарта – 41 симфония. Его творения более индивидуальны, контрастны.
Симфонии Л. Бетховена насыщены образами борьбы, ярки, монументальны, по широте и силе обобщения близки к героическим операм. Их отличает драматизм, героика и пафос.
Это эпоха классицизма (Бетховен находится на рубеже классицизма и романтизма) сочетая в себе черты классика и мятежного романтика.
19 век подарил миру романтические симфонии – волнующие повести о жизни человека, о его внутреннем мире, трагедии одиночества, о борьбе за жизнь, за счастье.
В Европе это сочинения Ф. Шуберта, Берлиоза, Мендельсона, Э. Грига.
В России особое место занимает симфонизм П. И. Чайковского (6 симфоний) – это трагедия одинокого человека, его борьба за счастье.
Симфонии С. В. Рахманинова – это величественные картины русской природы, зарисовки русской жизни, мир загадочной русской души.
Симфонии А. П. Бородина – эпическая широта, мощь, богатырские образы.
Симфонии Лядова, Глазунова полны лиризма.
20 век с его войнами, политическими бурями, потрясениями воплотился в 15и симфониях Д. Д. Шостаковича (например, до-мажорная была отзвуком атомного взрыва в Хиросиме, симфония № 7 «Ленинградская» посвящена героическому подвигу народа в блокадном Ленинграде).
Симфонии С. С. Прокофьева красивы своей чистотой, светлой лирикой, острой шуткой.
Любая симфония – это целый мир. Мир художника, его создавшего. Мир времени, ее породившего. Слушая гениальные творения мастеров прошлого и современности, мы становимся духовно богаче, приобщаемся к сокровищам, созданным человеческим гением, равным по значению трагедиям В. Шекспира, романам Л. Толстого, стихам Пушкина, картинам Рафаэля и т. д.
Лекция – 3. «Развитие певческих навыков».
Пение принадлежит к самому массовому и доступному виду музыкального искусства. Его воспитательное воздействие велико благодаря единству музыки и слова и в силу самой природы живого певческого звучания, вызывающего сильнейшие эмоции. Основное качество пения – его выразительность, то есть способность непосредственно и искренне выразить в пении эмоциональное содержание музыки. Непосредственно исполнять музыку можно, только овладев определенными способами, умениями и навыками пения. Этому виду музыкальной деятельности преемственно обучают в яслях, ДОУ, школе, музыкально-хоровых студиях, музыкальных школах, в профессиональных средних и высших учебных заведениях (колледжах, консерваториях, университетах).
Проблемами развития певческих навыков занимались в 20 веке знаменитые дирижеры-хоровики: П. Чесноков, Г. Дмитриевский, К. Птица, В. Соколов и другие.
На любой ступени обучения формируются правильные певческие навыки, а именно:
1) певческая установка – правильное положение тела при пении.
Рекомендуется стоять (сидеть) прямо, не сутулясь. Голову следует чуть приподнять. Сидеть «нога на ногу» нельзя, во избежание зажима диафрагмы.
2) певческое дыхание – при вдохе не должны подниматься плечи. Не следует переполнять грудную клетку воздухом, дыхание нужно брать в меру.
Дышать во время пения нужно не произвольно, а во время пауз, между музыкальными фразами; нельзя дышать в середине слова, если это не длинный распев в протяжной русской народной песне. Желательно брать дыхание носом, энергично и бесшумно. Но это не всегда осуществимо (особенно в работе с дошкольниками). С возрастом, у певца становится более длительное дыхание, у дошкольников небольшой объем дыхания, поэтому они могут пропевать на одном дыхании лишь небольшие фразы. Существуют специальные упражнения для тренировки дыхания (дыхательная гимнастика по системе Стрельниковой, имеющая и большое оздоровительное значение).
3) Звукообразование – правильное формирование гласных звуков при пении («а», «о», «у», «е», «и»). Со звукообразованием связана напевность звука, умение тянуть гласные, пропевать концы фраз, учить песни в медленном темпе.
4) Дикция – четкое, ясное, правильное проговаривание текста в пении. Важно развивать подвижность артикуляционного аппарата (губ, языка, нёба, нижней челюсти). Дикция связана с правильным формированием согласных звуков. Важно осмысление текста, это способствует более выразительной дикции. Существует масса методов и приемов для развития дикции: проговаривание текста в ритме песни, разъяснение смысла незнакомых слов, чтение текста шепотом, «беззвучно», прием для произнесения согласного звука в конце фразы (хлопок в конце фразы или притоп).
5) Строй (хоровой навык) – чистота интонации в хоровом или ансамблевом пении (одноголосное пение – унисон; многоголосное пение развивает гармонический слух, умение каждого певца чисто интонировать свою партию, при этом слыша другие голоса).
6) Ансамбль (франц. - вместе) – навык хорового или ансамблевого пения. Выражается в умении вместе начинать и заканчивать пение; держать темповый, динамический, выразительный ансамбль, умение не выделяться из группы певцов.
Чтобы научить красивому пению, необходимо формировать певческие навыки в комплексе.