Русская культура петровской эпохи

Преобразования Петра.Вместе с вступлением Петра Первого на Российский престол начались преобразования. Они потребовали огромного количества грамотных людей.

На территории России открыли 42 цифирные начальные школы. В Москве появляются первые профессиональные школы: медицинская, навигационная (морская) и математическая школа. Петр Первый открыл петербургскую Академию наук и университет.

Петр объявил обучение в школе обязательным для дворян. Чтобы дворяне не уклонялись от обучения, Петр придумал такой способ: не знаешь арифметики – не смей жениться. При обучении применяли строгие наказания. В Морской академии в каждом классе, кроме учителя, сидел матрос с длинным хлыстом в руке. Ленивых детей или непослушных пороли тут же, в классе.

В Москве и Петербурге были построены новые типографии, которые печатали книги, гравюры и географические карты. Стала выходить первая русская газета (первым издателем, редактором и журналистом был сам император). Значительных успехов достигли география и геология, началась разведка каменного угля, составлялись карты (подробные описания морей и вновь открытых земель Сибири).

Первый русский музей и театр. Русская танцевальная школа.Открывается первый русский музей – Кунсткамера, собрание диковинок и редкостей. Он был основан по личному распоряжению Петра Первого.

В начале восемнадцатого века в Москве был устроен первый публичный театр. Одновременно в театре могло находиться 400 человек. Посещать его могли все желающие, «все охотные смотрельщики».

Возглавил театр немец - Иоганн Кунст. В 1702 году на Красной площади играли сначала только немецкие пьесы, но затем и русские. Петр часто посещал русский театр, по его заказу Прокопович написал и поставил в 1705 году первую отечественную пьесу «Владимир».

В это время зарождается русская танцевальная школа. Петр Первый вводит в Петербурге ассамблеи, на которых исполняют зарубежные бальные танцы (кадриль, менуэт, гавот).

Первые военные оркестры при Петре Первом.Музыка стала обязательным участником государственных торжеств и церемоний. Создаются канты - музыкальные произведения в честь победы. Возникают первые военные оркестры. Особенно известны оркестры Меньшикова и княгини Черкасовой. Развивалось многоголосное пение. Петр Первый основал «хор певчих» и придворный оркестр. Здесь сам царь любил петь и играть на барабане.

Петербург. Петровское барокко.В XVIII веке был построен Санкт-Петербург – город нового типа. Застройка началась с островов: Заячий, Васильевский, Городской. Строительство велось по плану, который составил архитектор Леблон.

В это время сформировался архитектурный стиль - петровское барокко. Этот стиль отражал личные вкусы Петра Первого и соединял черты голландской, итальянской и французской архитектуры. Русский художник А. Н. Бенуа писал: «намерение было сделать что-то голландское, а вышло свое особенное….. Внешний облик Петербурга – это, прежде всего сочетание низкого северного неба, свинцово-серой шири Невы и вздымающих ввысь вертикалей позолоченных шпилей».

В Петербурге дома ставили в линию. Улицы мостили камнем, оставляя свободной полосу тротуара для пешеходов. Город строился в основном из камня. Отдавалось предпочтение двухцветным зданиям из красного кирпича с белокаменными резными деталями. Для оформления домов, дворцов, садов, кораблей и храмов использовали скульптуру. Даже деревянные дома он стремился превратить в маленькие дворцы. Царь приказывал ставить большие окна на крышах и маленькие окна в двери (в наше время это приспособление называется дверным глазком), чтобы видеть, кто пришел к хозяину в гости.

Деревянное зодчество XVIII века.В начале XVIII века на территории Руси продолжают строить деревянные церкви. Основой любого деревянного строения является сруб – дом, сложенный из бревен без единого металлического гвоздя. Все мастерилось топором, пилы в то время еще не было: разрубали поперек бревна, делали доски.

Но особенно удивляет своей красотой Преображенская церковь. Она построена на одном из островов Онежского озера в Карелии, недалеко от села Кижи(ударение на первом слоге). В далекие времена, карелы называли так место для игр (игрище – кижат, «остров игрищ»).

Когда главный мастер Нестор построил церковь в 1714 году, он бросил свой топор в Онежское озеро и сказал: «Не было, нет, и не будет больше такой!»

Действительно, получилось архитектурное чудо. Три уменьшающихся восьмигранных сруба (восьмерика) поставлены друг на друга. Внизу четыре сруба, пристроенные к основному.

22 купола покрыты деревянными дощечками из осины, как черепицей (лемехом). Не случайно Игорь Грабарь называл Преображенскую церковь «Несравненной сказкой куполов». Купола смотрятся на закате теплым розовым цветом, в ясную погоду – голубым, а в грозу – фиолетовым.

Церковь была построена удивительно соразмерно с человеком, она как бы говорила о силе и красоте человека. Все очень просто. Недаром в народе говорят, что «где просто – тут ангелов со сто, где мудрено – тут нет ни одного».

1. Расскажи о преобразованиях Петра в просвещении и других областях.

2. Расскажи о петровской архитектуре (вспомни о строительстве Санкт-Петербурга) и петербургском архитектурном стиле.

Творения XVIII века

Иван Никитин основоположник русской портретной живописи.В XVIII веке в России появляется портретная живопись.

Одним из основоположников русской живописи был Иван Никитин (1690-1742).Он родился в семье священника. Еще мальчиком был определен в церковный хор, а затем переведен в царский походный хор. От природы любознательный, он обучался арифметике, знал латынь и занимался рисованием и живописью. Иван Никитин продолжил обучение в Московской Оружейной палате. В числе первых русских людей, Никитин, вместе с младшим братом Романом, был отправлен учиться живописи в Италию.

По возвращении в Россию Никитин получил чин придворного живописца. Должность почетная, но хлопотная, так как он должен был путешествовать вместе с Петром между Москвой и Петербургом, Вологдой, Астраханью, Ригой и даже по странам Европы. Лишь краткие месяцы проводил художник в Петербурге, где ему царь подарил дом около Зимнего дворца.

Образ Петра в творчестве Никитина занимает особое место. Известно, что он – единственный русский мастер, писавший Петра с натуры.Именно ему удалось воплотить силу и твердость характера Петра. В своем творчестве Никитин стремился преодолеть условность парсунного письма и передать характерные черты модели.

В 1732 году Иван Никитин вместе с братьями Романом и Родионом был арестован. После 5 лет тюрьмы и пыток в Петропавловской крепости Иван Никитин был отправлен на жительство в Тобольск. В 1741 году братья дождались оправдания. Но пожилой и больной художник уже не вернулся в родную ему Москву. Вероятно, он умер, возвращаясь из ссылки в 1742 году.

Век просвещения. Петербургское барокко.«Веком Разума и Просвещения» нарекут XVIII столетие его современники и потомки. После смерти Петра Первого наступает век его дочери - «Елизаветы». С вступлением на престол в 1741 г. Она издает указ об учреждении в Петербурге Русской балетной труппы. Известными танцорами становятся: Тимофей Бубликов, Иван Еропкин, Арина Собакина и др.

В архитектуре появляется стиль петербургское барокко – пышный, вычурный, монументальный стиль XVIII века. Его отличала нарядность (яркие краски), тщательная отделка деталей.

Разумеется, барочное великолепие обходилось весьма недешево. Оттого строения возводились на средства казны. Дворцы, триумфальные арки, храмы дарили радость, которая с лихвой окупала огромные затраты.

Растрелли. Зимний дворец.В это время строили много зданий. «Громкие» слова великого архитектора барокко Варфоломея Варфоломеевича Растрелли, сына скульптора, подтверждают это. «Строение каменного Зимнего дворца строится для одной славы всероссийской».

С 1716 года отец и сын Растрелли живут в России. Растрелли младший видел свое призвание в зодчестве и довольно скоро занял высокое положение обер-архитектора. Именно он принес русскому барокко мировую славу. 16 июня 1754 года Елизавета Петровна утвердила проект Зимнего дворца. Ему было поручено строительство этого здания. Императорская семья должна была жить в этом дворце зимой, поэтому он получил название – Зимний.

Грандиозный Зимний дворец не выглядит излишне тяжелым. Как и положено императорскому дворцу, «Зимний» поражает роскошью. Он украшен колоннами, лепниной и могучими статуями по верху здания.

Дворец построен почти квадратным в основании. У него есть внутренний парадный двор, и он имеет три фасада.

Внутри Зимний дворец был украшен золоченой резьбой, скульптурами, зеркалами. Через огромные окна проникал солнечный свет.

В зимнем дворце насчитывалось 1886 дверей, 1050 покоев, 1945 окон и 117 лестниц.

На первом этаже размещались хозяйственные и служебные постройки. Второй этаж был парадным. Третий этаж предназначался фрейлинам и другим придворным.

В 1837 году дворец сгорел. Остался один остов. Но во время пожара все предметы искусства были вынесены на дворцовую площадь и спасены. С тех времен Зимний дворец изменился.

Иорданская парадная лестница - вот все, что осталась с момента постройки дворца. Императорская семья и придворные во время празднования крещения спускались по этой лестнице к Неве, где прорубали специальную прорубь – Иордань. Сейчас Зимний дворец стал музеем.

Творения Растрелли сохранились до наших дней – Зимний дворец и Петергоф, царское Село и Смольный монастырь. Но барокко отживало свое время.

Возрождение мозаики.М.В.Ломоносов - историк, механик, химик, геолог, художник, поэт. «Он все испытал, и все проник», так охарактеризовал Пушкин выдающуюся личность М.В.Ломоносова. В одном из эрмитажных залов Петербурга экспонируются мозаичные произведения, созданные великим русским ученым и его учениками. Среди этих работ выделяется портрет великого императора Петра Первого.

В 1746 году в Россию были привезены из Италии ряд мозаичных работ. Они были набраны в Риме в мозаичной мастерской. Михаил Васильевич Ломоносов 4 года изучал эти работы. Вдохновляющим образцом для Ломоносова послужили также древнерусские мозаики Киева и Новгорода XI-XII веков (это искусство было утеряно после татаро-монгольского нашествия). Русский ученый мечтал возродить монументальное искусство для «убранства огромных публичных строений».

Секрет изготовления смальт – цветных непрозрачных стекловидных масс – к тому времени в России был забыт, в Европе же хранился в строгой тайне. С 1749 года Ломоносов начал разработку технологии по изготовлению цветных стекол, смальт и красителей для них. 112 тонов и свыше 1000 оттенков включала Ломоносовская мозаичная палитра. В 1752 году Ломоносову разрешили вблизи Ораниенбаума (ныне город Ломоносов) построить фабрику и выпускать стекло. При этом на фабрике установили машины, созданные Ломоносовым.Изобретатель русской мозаики имел много учеников – художников: М.Васильева, Е.Мельникова, М.Мешкова; мастеров-смальтоваров: И.Цильха, Ф.Рогожина, П.Кириллова.

Самая большая мозаичная работа Ломоносовской мастерской – «Полтавская баталия» (1761-1765) украшает ныне здание Академии наук в Петербурге. Всего по документам известно 40 мозаик, набранных Ломоносовым и его последователями. В музеях страны хранятся 23 произведения, 6 из которых в Эрмитаже. Местонахождение 17 неизвестно.

Искусство мозаики получило дальнейшее развитие в России только в XIX веке. В 1848 году была создана мозаичная мастерская Академии художеств. Огромные мозаичные картины украсили Исаакиевский собор в Петербурге и храм Христа Спасителя в Москве. В советское время мозаичные панно составляют убранство многих станций метрополитена и общественных зданий Москвы, Петербурга.

1. Расскажи о творчестве и жизни портретиста Ивана Никитина.

2. Расскажи о жизни и творчестве В.В.Растрелли.

3. Расскажи, каким образом в России вновь было возрождено мозаичное искусство?

Галантный век

Вторая половина XVIII века – галантный век.XVIII столетие называют галантным веком. В высших кругах общества ценились хорошие манеры, умение непринужденно себя держать, с легкостью вести светскую беседу. Едва уловимая улыбка, выразительный жест, мимолетное движение веера в дамской руке, вдруг приобретал тайный смысл и понятное лишь посвященным людям их значение.

Галантный век – время правления Екатерины Второй, при котором ценились любезность и изысканно- вежливое воспитание.

Во времена Петра I русские дворяне еще только приноравливались к европейскому обиходу. Но уже через полвека петербургский или московский светский салон ничем не уступал венскому салону или парижскому. Русские барыни и барышни в ослепительных, по последней моде, нарядах, в совершенстве овладев искусством быть обворожительными, освоили тонкости этикета. Ведь изящной походке, приятному обхождению и другим секретам светской жизни девочкам-дворянкам приходилось обучаться с раннего детства.

Дорожа репутацией просвещенной государыни, императрица Екатерина Вторая задалась целью создать «новых людей»: смелых и благородных.

Смольный институт.Воспитанию и образованию девочек императрица придавала большое значение, поэтому при Смольном монастыре в Санкт-Петербурге было открыто первое в России государственное учебное заведение для дворянских дочерей (1764). Его организацию Екатерина Вторая поручила Ивану Ивановичу Бецкому – человеку с широким кругозором, опытному и даровитому, хорошо знакомому с проблемами педагогики.

Кроме русской словесности и иностранных языков, девочкам в Смольном институте преподавали арифметику, географию, историю, основы стихосложения, рисование, музыку. Их обучали танцам, приобщали к ведению домашнего хозяйства. Всячески приветствовались скромность, чистота помыслов, доброта. Смольный институт отличался от прежних учебных заведений в первую очередь тем, что в нем не было места тумакам, затрещинам и окрикам.

И.И.Бецкий, руководитель Смольного института, твердо стоял на том, что бить детей, грозить им, бранить, хотя и причины к тому бывают, есть существенное зло».

Дмитрий Григорьевич Левицкий.Частым гостем в институте благородных девиц был художник Дмитрий Григорьевич Левицкий (около 1735 – 1822). Он родился в семье священника в Киеве. Первые уроки живописи ему дал отец. В судьбе будущего художника принял участие великий русский художник Антропов. К нему в петербургскую мастерскую попал Дмитрий. Вскоре он получает звание академика. Его назначают руководителем портретной живописи Академии художеств.

Левицкий – живописец, который едва ли не первым среди русских мастеров овладел умением передать не только тепло рук и лиц, но и фактуру в изображении мрамора, шелка, бархата, дерева, драгоценных камней и металла. Среди героев картин Левицкого, прославленные в сражениях полководцы и воины, известные деятели культуры, а также множество людей, ничем не заслуживших памяти потомков и интересных лишь тем, что их писал великий художник.

С 1773 по 1776 гг. Левицкий создает семь портретов «смолянок». Он написал ряд портретов тех девушек, которых отметила при своем посещении императрица Екатерина Вторая.

Вот две юные девушки, Е.Н.Хованская и Е.Н.Хрущева, разыгрывают театральную сценку из итальянской комической оперы «Капризы любви…». Но какие они разные! Застенчивость первой заметнее рядом с бойкой непринужденностью второй. Художнику удается передать главное, что присуще каждой из воспитанниц Смольного института.

Скульптура XVIII века.К этому времени относится и деятельность земляка М.Ломоносова – Шубина. Федот Иванович Шубин (1740-1805) прославился созданием замечательных по мастерству скульптурных портретов.

Федот Шубин родился в многодетной семье. Федот решил покинуть рыбацкую деревню близ Холмогор и попытать счастья в Москве и Петербурге. Ломоносов принял живое участие в судьбе Федота. Поначалу он устроил его истопником в императорский дворец.

Молодой человек был несказанно рад: ведь у него теперь были кров и деньги, и он мог готовиться к поступлению в Академию художеств. За него вступился И.И. Шувалов - основатель Академии художеств. В докладе он писал, что «ведомый ему мастер своей работой в резьбе на кости и перламутре дает надежду, что со временем может быть искусным в своем художестве». Вскоре его приняли в Академию художеств. Учился он истово и старательно. По окончании получил золотую медаль и был направлен на обучение в Париж и Рим. Там он провел шесть лет.

В Петербург Шубин возвратился зрелым мастером. У него большая семья (шесть детей), он беден. Вскоре у него сгорает дом. Александр Первый выделяет ему казенную квартиру. 12 мая 1805 году – потомственный дворянин Федот Шубин умер. Неизвестный стихотворец сочинил надгробную надпись: «резцом животворитель, природы сын и друг, искусством же зиждитель».

В течение своей жизни он много работал. Из гипса, мрамора, бронзы Шубин создает десятки бюстов, запечатлев едва ли не всех своих славных современников. Среди них Екатерина Вторая, Павел Первый, великие полководцы, а также, великий Ломоносов и др. Подобно Левицкому Шубин в своих работах уделяет внимание не только внешнему сходству с человеком, но и раскрывает внутренний его мир.

1. Объясни, почему XVIII век называют галантным?

2. С помощью, каких мер, Екатерина Вторая пыталась создать «новую породу человека»?

3. Расскажи о творчестве Д.Г.Левицкого и Ф.И.Шубина.

Русское рококо

Русское рококо.Во второй половине восемнадцатого века Россия все более привыкает к роскоши. Происходит возрождение науки и просвещения, открываются университет в Москве и Академия художеств в Петербурге. В последней трети восемнадцатого века формируется композиторская школа. Появляются первые русские композиторы – авторы оперной, хоровой, инструментальной и камерной музыки (Е.И.Фомин, Д.С.Бортнянский). Развивается новый жанр – русский романс.

В это время получает распространение стиль рококо (украшение из мелкого камня, раковин). Родина стиля рококо – Франция XVIII века. Аристократия стремилась к необыкновенно утонченной художественной культуре. Один из французских поэтов того времени Парни писал:

Давайте петь и веселиться, Давайте жизнию играть;

Пусть чернь слепая суетится, Не нам безумной подражать!

Особенно, стиль рококо в России проявился в прикладном искусстве, и удивлял необычайно высоким мастерством изготовления различных предметов. А также в интерьере - внутреннем пространстве здания, его устройстве и убранстве. Рококо – художественный стиль в архитектуре и декоративном искусстве, возникший во Франции в начале XVIII века. Основные черты – камерность и изысканность.

Изящные костюмы аристократов, посуда, фарфор, бытовые безделицы принимали причудливые формы. Появились новые виды мебели с гнутыми ножками. Мастера отказались от прямых линий. Главным мотивом комнаты рококо – невысокий, покрытый мраморной плитой и заставленной канделябрами, часами, фарфоровыми безделушками камин. Все, что окружало человека, при этом окрашивалось в легкие, светлые тона. Сочетание белого с голубым, зеленым или розовым цветом и непременное золото. Все должно было быть приятным для человека. Главными элементами украшений были цветочные гирлянды, фигурки амуров, изящные орнаменты, маски, развевающие ленты, китайские мотивы. Человеку должно было быть приятно и удобно находиться в помещении. При этом пышное внутреннее убранство сочеталось с внешней строгостью зданий.

Китайский дворец в Ораниенбауме. Одним из самых ярких примеров этого стиля в России стал Китайский дворец Екатерины II в Ораниенбауме. К возведению дворца архитектор А. Ринальди приступил в 1762 году.

Облик дворца спокоен и прост. Здание построено по прямой линии. Лишь две пристройки несколько вытянуты в сторону пруда. В центре зала находится Овальный зал. По его сторонам расположены четыре небольшие комнаты: Стеклярусный кабинет, Голубая гостиная, Штукатурный покой, Малый китайский кабинет. Так как для стиля рококо характерно стремление к уюту. За ними - залы больших размеров: Зал муз, Большой китайский кабинет. Внутри Китайский дворец украшен живописью, лепкой, позолотой, мозаикой, росписью по ткани, стеклярусом. Пол украшен паркетом, сделанным по проекту Антонио Ринальди. Самым необычным является Стеклярусный кабинет. Стены его украшены двенадцатью стеклярусными панно. Эта техника вышивки была весьма трудоемкой, а потому, как правило, была техникой небольших форм. Здесь же мы видим огромное панно! Китайский дворец это «подлинное чудо полное чудес XVIII века».

1. Объясни, что такое стиль рококо?

2. Расскажи о Китайском дворце Екатерины II в Ораниенбауме.

Строгий классицизм

Классицизм в искусстве.Классицизм (вторая половина XVIII - начала XIX века) – художественный стиль в искусстве и архитектуре, который обращается к образцам античного (древнего) искусства. Его узнаваемые приметы – величие, ясность форм, соразмерность всех частей зданий.

На образцы античности к исходу восемнадцатого столетия равнялись великие мастера литературы (Г.Р.Державин, А.П.Сумароков), театра (Ф.Г.Волков), искусства (Ф.И.Шубин), архитектуры (В.И.Баженов, М.Ф.Казаков). Могущество и мощь Российской империи в ее столице зримо воплощали скульптурные группы Аничкого моста «Укрощение коня» работы П.К.Клодта, а в Москве – величественный памятник Минину и Пожарскому скульптора И.П.Мартоса. Поэты и писатели славили свободного человека. Высокие помыслы и героические поступки стали определять главные темы в музыке, живописи, в театральных постановках.

Классицизм в архитектуре. Во второй половине восемнадцатого века на смену пышному стилю Растрелли приходит строгий классицизм. Городам России были нужны не только дворцы, но и жилые дома, больницы, административные здания, магазины.

Санкт-Петербург, Москву, Казань, Тверь и другие крупные города украсили великолепные здания, выполненные в стиле знаменитых архитектурных памятников Древней Греции и Рима.

Императрица Екатерина Вторая желала, чтобы Москве был придан новый, европейский облик. Сделать она это поручила зодчим Василию Баженову и Матвею Казакову, снискавшим славу великих мастеров классицизма.

М.Ф.Казаков.Ученик В.И.Баженова М.Ф.Казаков только в Москве построил столько замечательных зданий, что сложилось даже понятие: «казаковская Москва».

Он автор проектов дворцов: Петровского и Екатерины Второй в Царицыно, общественных зданий (Сенат, университет на Моховой, белоснежный Колонный зал.…).

За что ни брался Казаков, все у него получалось великолепно: будь то торговые ряды (магазины), жилые здания (богадельня). Он спроектировал уютные дворянские особняки, которые составляли неповторимый облик старой Москвы до наполеоновского нашествия 1812 года.

Можно без преувеличения сказать, что именно его усилиями и талантом на рубеже XVIII-XIX веков город приобрел новый облик.

Э.-М. Фальконе. «Медный всадник».В конце XVIII века в Россию из Франции прибыл известный скульптор Э.-М. Фальконе. Могущество и мощь Российской империи воплотил в исполненный Э.-М.Фальконе памятник Петру Первому. «…Памятник будет состоять… из конной статуи колоссального размера» - таков был главный пункт контракта, который подписал, согласившийся приехать в Россию, известный французский скульптор Этьен Морис Фальконе. Он оговорил право взять в Петербург свою ученицу Мари Анн Колло. Фальконе задумал создать статую Петра Великого в виде бронзового всадника, взлетающего на скалу. Вздыбленный конь, повелительный жест императора должны были, по замыслу скульптора, символизировать прорыв в будущее, которая Россия сделала при Петре, отобразить ее величие и могущество. На памятнике у Петра живые глаза, волосы красиво уложены в локоны и на них лавровый венок победителя; взгляд пристален, поворот головы энергичен. Горизонтальная складка лба и сдвинутые брови придают лицу суровость. Так же выразителен и медный конь под ним:

Ужасен он в окрестной мгле! Какая дума на челе! Какая сила в нем сокрыта!

А в сем коне, какой огонь! Куда ты скачешь, гордый конь, И где опустишь ты копыта?

Свыше двух лет создавалась модель памятника (макет головы Петра была создан Мари Анн Колло). Место для будущего памятника на набережной Невы, рядом с Сенатом, выбрала сама императрица Екатерина Великая. Основанием для бронзового всадника послужила серая гранитная скала, найденная в 12 верстах от Петербурга, местные жители называли этот утес Гром-камень. Но подняли памятник уже без Фальконе, который покинул к этому времени Россию. Фальконе был вскоре забыт Екатериной, она его даже не отблагодарила. Его отблагодарила Россия, ибо и по сей день великое творение скульптора почитается как один из шедевров XVIII века. Открытие памятника состоялось 7 августа 1782 года. Хотя памятник отлит из бронзы, за ним, после того как А.С.Пушкин воспел его в поэме «Медный всадник», навсегда осталось это название. «Медный всадник» и сейчас стоит на Сенатской площади в Петербурге. Он также прекрасен, как и город, в котором жил и строил Россию «единственный у нас Петр».

1. Объясни, что такое стиль классицизм.

2. Расскажи о творчестве Василия Баженова и Матвея Казакова.

3. Расскажи об истории создания «Медного всадника» в Петербурге.

Романтизм в России

Романтизм.Романтизм – направление искусства первой половины XIX века, которое выступает против законов классицизма. Главные черты: идеализация классического искусства Древнего Рима, а также стремление художника противопоставить действительности прекрасную мечту.

В начале XIX века в искусстве возникают и сменяют друг друга разные направления. Понятия прекрасного начинают кардинально пересматриваться. Людей мечтательных и занятых вечным поиском идеалов обычно называют романтиками. Они создают свой мир, в котором человеку свойственно стремиться ко всему возвышенному, а также проявлять благородные порывы души и сердца. Авторами романтических произведений были А.С.Пушкин, М.Ю.Лермонтов, К.П.Брюллов, М.И.Глинка и другие. Пусть впоследствии большинство отошли от романтизма – все же дань ему они отдали!

К.П. Брюллов – великий русский художник – романтик. Современники называли художника Карла Павловича Брюллова (1799-1852) Великим Карлом. Предки Брюллова жили во Франции и переселились в Россию в XVIII веке.

Карл родился очень болезненным мальчиком и до 5 лет почти все время провел в постели. Он рано научился рисовать – это было единственным для него и развлечением и школой. Отец дал мальчику первые уроки рисования.

Уже в 9 лет он поступает в Петербургскую Академию художеств, где учится у А.Иванова и А. Егорова. Сам художник после окончания Академии (1822) с золотой медалью был поощрен командировкой в Италию и провел там много лет.

После триумфального возвращения художника на родину он создает целую галерею портретов. Право заказать ему портрет оспаривали представители самых аристократических фамилий. Даже царь Николай Первый изъявил желание иметь свой портрет кисти Брюллова и обещал, что будет позировать ему столько, сколько понадобится. Однако своенравный художник дерзко уклонился от работы над портретом самого государя…. Случилось так, что по какой-то причине на первый же сеанс император опоздал, и художник, воспользовавшись этим, взял шляпу и ушел. Когда Николаю доложили об этом, он с досадой сказал: «Какой нетерпеливый мужчина!» Но на дальнейших сеансах не настаивал.

Однако здоровье художника ухудшилось. В 1849 году Карл Павлович по совету врачей поселился на острове Мадейра, а потом переехал в Рим, где и умер от сердечного приступа. Своих многочисленных учеников Брюллов наставлял: «Берите все из живой натуры».

Творчество К.П.Брюллова. Состояние души человека «у самой бездны на краю» прекрасно передано в шедеврах К.Брюллова «Последний день Помпеи» - его самая известная картина. «Последний день Помпеи» (1830-1833), которая была удостоена золотой медали на выставке в Париже. Российская Академия художеств расценила это полотно как лучшее произведение живописи XIX века.

В 1822 году Брюллов приехал в раскопанный археологами мертвый город - Помпею и был поражен зрелищем. После тщательной подготовки, которая заняла у него три года, художник приступил к написанию картины. Он долго разрабатывал композицию и приемы освещения и, наконец, остановился на блеске молний.

Гибель Помпеи – древнеримского города, погибшего в 79 году нашей эры под огненной лавой вулкана Везувия, - художник запечатлел на холсте. Брюллов не только изобразил трагическое событие, но и передал все чувства каждого из своих героев. «Последний день Помпеи» - это гимн красоте и силе духа людей, перед лицом смерти проявивших благородство чувств. Среди обреченных на смерть художник изобразил и самого себя (на картине он с ящиком красок). Тем самым он хотел подчеркнуть, что его творение – не плод фантазии, а достоверное свидетельство очевидца.

В итальянских городах, где была выставлена картина русского художника, ему в знак признания устраивали торжественные приемы. В Петербурге под восторженные овации на него возложили лавровый венок.

Брюллова можно считать баловнем судьбы: интерес к нему и его творчеству были стойкими. Но он заслужил это благодаря неустанным исканиям, таланту и огромному трудолюбию. Успех русского гения приветствовали Пушкин и Гоголь, а поэт Е.А.Баратынский откликнулся на триумф соотечественника стихами:

«И стал «Последний день Помпеи», для русской кисти – первый день».

1. Объясни, кого называют романтиками в искусстве?

2. Расскажи о жизни К.П.Брюллова.

3. Расскажи о творчестве К.П.Брюллова и его известной картине «Последний день Помпеи».