Э. Григ Фортепианный концерт

Это наиболее монументальное произведение Грига, кульминация его фортепианного творчества и, вместе с тем, одна из вершин во всей концертной литературе, любимое произведение в репертуаре пианистов.

Произведение Грига продолжает тип лирического концерта, лучшими образцами которого считаются концерты Шопена и Шумана. Музыка его концерта пропитана интонациями и ритмами норвежского фольклора.

Концерт представляет собой классический цикл с традиционным соотношением трех частей:

I часть – динамичное сонатное allegro лирико-патетического характера, полное романтических порывов и ярких контрастов (a-moll);

II часть – созерцательное Adagio, музыка которого воплощает прекрасный мир северной природы (Des-dur);

III часть – жизнеутверждающий народно-жанровый финал (a-moll→A-dur).

Все части связаны единой линией симфонического развития, направленной к кульминации – гимнической коде финала. В ней «крупным планом» представлен главный образ сочинения – образ Норвегии.

Начало концерта очень эффектно: после tremolo литавр следует мощный, бурно низвергающийся виртуозный пассаж солиста на ff, охватывающий всю фортепианную клавиатуру. Это вступление, полное мужественной энергии и волевого утверждения. Отмеченный мотив в дальнейшем встретится и в других темах концерта, играя в нем определенную объединяющую роль.

Главная тема сонатной формы звучит сначала в оркестре, а затем у солиста при легкой поддержке струнных инструментов. Она внутренне контрастна. Ее первый элемент – несколько суровый, собранный, в четком пунктирном ритме народного танца и аккордовой фактуре. Народный колорит подчеркивает ладовая переменность (a-moll– C-dur). Второй элемент отличается романтической устремленностью и широкой распевностью.

В связующей партии возникает новый контрастный образ в духе задорного халлинга. Его отличает острота ритмики и жесткие, типично норвежские секунды на сильных долях.

Светлую мечтательную побочную тему (С-dur) запевают виолончели, а потом подхватывает солист. В его возвышенном монологе лирическая тема широко развивается, она становится все более восторженной и страстной.

Завершают экспозицию торжественные фанфары заключительной партии. В мощном оркестровом tutti синтезируются интонации вступления и первого элемента главной партии.

Краткая разработка почти целиком строится на развитии главной темы. Её развитие приводит к энергичным пассажам вступления, подготавливающим репризу. Три волны разработки охватывают тональности e-moll, f-moll, fis-moll.

Изменения в репризе незначительны. Эмоциональным центром всей первой части концерта является каденция солиста. Здесь, после небольшого импровизационного раздела, возникает новый, гимнический вариант главной темы.

В возвышенной и просветленной музыке Adagio получают развитие те настроения и образы, которые были впервые представлены в побочной партии I части. Это картина норвежской природы. Adagio написано в динамичной трехчастной форме. Первый раздел поручен оркестру. Его хоральная тема звучит величаво и торжественно у засурдиненных струнных, которым, как горное эхо, отвечают валторны. Несмотря на трехдольность, чувствуется ритм шествия. Характерно типично григовское сопоставление светлого мажора и меланхолического минора (Des-dur – es-moll).

В основе второго раздела – пасторальные наигрыши солиста. Реприза динамизирована: основная тема Adagio в совместном звучании оркестра и солиста на ff приобретает характер гимна.

В финале концерта господствуют два образа. Первый представлен темпераментной темой народного халлинга, полного силы и энергии. Это – главная тема рондо-сонатной формы, повторяемая несколько раз. Она определяет эмоциональную атмосферу экспозиции и репризы.

Второй образ финала можно назвать темой Родины. Это пасторальный напев флейты, который появляется в центральном разделе рондо-сонаты в F-dur. Этой же темой, но уже в новом, гимническом облике, завершается весь концерт. На ней строится праздничная кода. В «сияющем» A-dur’е в мощном tutti оркестра с трубами и тромбонами, именно эта тема становится итогом развития всего сочинения.

Инструменталисты 3 курс

Сезар Франк (1822-1890)

Во французской музыкальной культуре XIX века совершенно особое место занимает творчество Сезара Франка. Уникальна его роль в судьбе французской симфонической музыки. Франция издавна была страной театра. Единственным симфоническим композитором в первой половине XIX века был Берлиоз, но его программные симфонии, по существу, театральны. Именно Франк был одним из инициаторов создания в 1871 году Национального общества музыки, ставившего целью пропаганду французских симфонических сочинений. Франку принадлежит и лучшее во французской музыке произведение в этом жанре — знаменитая симфония ре минор. Под его влиянием молодые композиторы все больше обращаются к симфоническому творчеству, появляется французская симфоническая школа.

Симфонический стиль Франка отличается оригинальным сплавом строгой классичности и романтической образности, сочетанием восторженности и суровости, своеобразием гармонического языка и ясностью, ярким мелодизмом и стремлением к монотематизму.

Оставленное им творческое наследие невелико по объему. Однако в каждом из жанров, к которым Франк обращался, он оставил сочинения значительные, отличающиеся высокими художественными достоинствами. Главные среди них — оратории «Руфь», «Искупление», «Заповеди блаженства», 150-й псалом, Месса, симфонические поэмы «Эолиды», «Джинны», «Проклятый охотник», «Что слышно на горе»; Симфонические вариации для фортепиано с оркестром, скрипичная соната, сочинения для органа и, разумеется, Симфония ре минор.

Бельгиец по национальности, Франк родился 10 декабря 1822 года в Льеже, в семье финансиста. Маленький Сезар любил рисовать и выказывал заметные способности. Однако еще ярче проявилась музыкальная одаренность, и отец, внимательно следивший за развитием сына и не чуждый тщеславия, отдал его учиться в Льежскую консерваторию.

В 13 лет мальчик совершает в сопровождении отца турне по городам Бельгии, причем в программы, кроме обычного концертного репертуара, входят и его собственные сочинения.

Юный музыкант начинает занятия композицией у А. Рейхи, видного чешского композитора, связавшего свою жизнь со столицей Франции, великолепного педагога, у которого учились в свое время Лист и Берлиоз.

Вскоре он поступил в Парижскую консерваторию одновременно по специальностям игры на фортепиано (П. Циммерман), органе (Ф. Бенуа) и фуги (Э. Леборн). Успехи мальчика была феноменальными. В 1840 году ему единогласно была присуждена первая премия по фуге. В Париже Франком написано довольно много. В основном это фортепианные пьесы, транскрипции, вариации и фантазии на темы популярных опер, 4 фортепианных трио.

К сожалению, отец не позволил Франку закончить курс сочинения. Как только, по его мнению, пианизм сына достиг должной высоты, он забрал сына из консерватории, лишив возможности участвовать в конкурсе на Римскую премию, дававшую право трехлетнего пребывания в Италии. Однако сын жестоко обманул ожидания отца: прервав великолепно начавшиеся концертные выступления, он вернулся в Париж и стал вести жизнь скромную, замкнутую, наполненную трудом. Некоторое время концертная деятельность еще продолжается, так как отец, также переехавший в Париж, не склонен мириться с решением сына. Но все большее место в жизни музыканта занимают уроки.

В связи с революционными событиями многие состоятельные семьи покинули столицу, Франк лишился нескольких хорошо оплачиваемых уроков. А между тем его расходы существенно возросли. Должность органиста оплачивалась более чем скромно. В консерватории для него места не нашлось. И ему приходится увеличить число учеников, причем не только приходящих на дом. Им уже написана библейская оратория «Руфь», фортепианные сонаты и Концерт для фортепиано с оркестром, симфоническая поэма «Что слышно на горе», первая, юношеская, симфония.

В 1851 году Франк перешел на службу в другую церковь, где его работа оплачивалась чуть лучше, а в 1858 году — в церковь св. Клотильды, сначала хормейстером, а затем и органистом. На этой должности он оставался до конца жизни. Именно здесь звучали импровизации, покорившие весь музыкальный Париж. Ученики, среди которых был д'Энди, появились у Франка в 1872 году — тогда его пригласили, наконец, в консерваторию. Учитель органа Бенуа ушел в отставку, и освободившееся место было предложено Франку. Очень скоро вокруг него стихийно собрались юные музыканты, которые «папашу Франка» предпочитали официальным профессорам композиции. Они выразили желание заниматься в «классе импровизации» на органе.

Франк стал наставником блестящей плеяды учеников, среди которых, кроме д'Энди, нужно назвать композиторов К. Дебюсси, Э. Шоссона, А. Дюпарка, многих органистов, дирижеров, композиторов, музыкально-общественных деятелей.

Учеников привлекала не только обаятельная личность Франка. Он был непревзойденным знатоком старых мастеров, его занятия основывались на анализе творчества Баха, Бетховена и других выдающихся композиторов. Привлекали и его собственные произведения, отличавшиеся глубокой самобытностью.

К сожалению, признание композитор получил только в среде своих учеников. Его сочинения исполнялись редко и обычно сопровождались равнодушием публики и недоброжелательством критики. Лишь начиная с 1880-х годов концерты из его сочинений — становятся более частыми, с его музыкой знакомятся Брюссель, Антверпен, Гавр, Бордо и другие города. Известность пришла, в основном, через камерное творчество. Начали исполняться и другие произведения — Месса, отрывки из опер, симфонические поэмы, Симфонические вариации. В апреле 1890 года его ожидали триумфы в Париже и Турнэ (Бельгия).

Он скончался 8 ноября 1890 года в Париже.

3 курс инструменталисты

ДЖАКОМО ПУЧЧИНИ (1858-1924)

Оперный композитор в полном смысле слова, Пуччини считается подлинным продолжателем традиций Верди в итальянском музыкальном театре.

Джакомо Пуччини родился 22 декабря 1858 года в городе Лукка провинции Тоскана на севере Италии. Пуччини — потомственный интеллигент, сын и внук музыкантов. По семейной традиции и по желанию отца именно он — старший мальчик в семье — должен был получить серьезное композиторское образование.

Юный Джакомо пел партию контральто в церковном хоре и с десятилетнего возраста зарабатывал игрой на органе в церкви ордена бенедиктинцев. В стенах луккского Музыкального института юноша познакомился с основами гармонии и инструментовки. Здесь же он сочинил свои первые произведения, главным образом хоры религиозного содержания.

В прославленной Миланской консерватории он обучался с 1880 по 1883 год под руководством таких крупных мастеров, как композитор Понкьелли и скрипач-теоретик Баццини. Среди сотоварищей Джакомо по Миланской консерватории был сын ливорнского булочника Пьетро Масканьи, которому вскоре суждено было стать родоначальником веристской оперы. Масканьи и Пуччини стали близкими друзьями и вместе делили тяготы студенческой жизни.

Жизнь юного Пуччини в Милане была сопряжена с постоянными материальными затруднениями. Десятилетие спустя, работая над «Богемой», Пуччини с улыбкой вспоминал озорные и нищенские дни своей студенческой юности.

1883 год был рубежным в жизни Пуччини. В этот год он успешно закончил Миланскую консерваторию и впервые выступил в качестве автора оперы «Виллисы». Этот оперный дебют 25-летнего Пуччини был очень успешным.

Поиски темы для новой оперы увенчались успехом сюжет французского романа «Манон Леско» аббата Прево всерьез захватил творческое воображение композитора, послужив основой для его первого вполне зрелого сочинения.

К этому времени материальное положение Пуччини стало более устойчивым, годы нужды и лишений остались позади. Неудовлетворенный шумной атмосферой Милана, он осуществляет свою давнюю мечту — поселяется вдали от города, в тихом Торре дель Лаго. Это местечко становится любимым пристанищем композитора в течение последующих трех десятилетий.

Автор «Манон Леско» становится знаменитейшим музыкантом Италии. Новой удачной находкой для Пуччини были «Сцены из жизни богемы» — серия новелл французского писателя Анри Мюрже (1851).

Новаторство Пуччини, пожалуй, наиболее непосредственно и оригинально проявилось в «Богеме». Именно этим произведением композитор осуществил в итальянской опере коренной поворот от романтической неистовой патетики к скромному воплощению реальной повседневности.

Пока «Богема» пробивала себе путь на европейские сцены, Пуччини был уже всецело захвачен новой оперной идеей пришло, наконец, время написать «Тоску», задуманную еще в 1880-е годы. Премьера «Тоски» состоялась в Риме 14 января 1900 г. Пуччини осуществил свою мечту, будучи уже умудренным опытом своих веристских исканий, он привнес в эту новую партитуру богатство лейтмотивного развития, смелость гармонического мышления, гибкость и многообразие декламационных приемов.

В конце 1904 года партитура «Мадам Баттерфляй» увидела свет рампы миланского театра «Ла Скала». На этот раз премьера прошла без успеха. В зале раздавались свистки, а отклики прессы выражали полное разочарование. После авантюрно-заостренного сюжета «Тоски» новая опера показалась миланцам бездейственной, приглушенно лиричной. Главной причиной полупровала «Баттерфляй» считали растянутость обоих актов, непривычную для итальянской аудитории.

Пуччини сделал новую редакцию. Обновленная опера, поставленная уже в мае 1904 года в театре Брешии, завоевала полное признание. Отныне «Мадам Баттерфляй» начала свое победное шествие по театрам Европы и Америки.

Триумфом «Мадам Баттерфляй» завершился наиболее интенсивный период творческой биографии Пуччини и начался период депрессии, длившийся почти полтора десятилетия. В эти годы он был менее продуктивен, а то, что выходило из-под его пера — «Девушка с Запада» (1910), «Ласточка» (1917), — уступало ранее созданным шедеврам. Все труднее давался стареющему мастеру выбор оперных сюжетов. Художественное чутье подсказывало ему, что необходимо искать новые, нехоженые пути, ибо опасность повторения ранее достигнутых стилистических находок была очень велика. Материальная обеспеченность позволяла знаменитому маэстро не спешить с созданием очередных опусов, а триумфальные зарубежные поездки и страстное увлечение спортом заполняли его время.

Последний этап в жизни Пуччини (1919—1924 годы) совпадает с периодом послевоенных перемен в истории Италии. Можно утверждать, что после «Ласточки» Пуччини решительно преодолевает затянувшийся кризис. Именно в эти поздние годы ему удается достичь новых непревзойденных вершин — написать оперы «Джанни» и «Турандот», обогатить итальянскую оперную классику новыми яркими шедеврами. При этом композитор отнюдь не повторяет свои прежние достижения, а находит непроторенные пути; на смену глубоко человечному, но сентиментальному мелодраматизму «Богемы» и «Баттерфляй» приходят сочный юмор и сатира «Джанни Скикки», красочная фантастика и драматическая экспрессивность «Турандот». Это был весьма плодотворный последний взлет творческого гения Пуччини.

Работа Пуччини над его «лебединой песней» не была доведена до конца. В самый разгар сочинения «Турандот» обострилась его давняя болезнь горла, переросшая в рак. Хотя врачи скрывали от него этот страшный диагноз, он чувствовал приближение трагического исхода.

Осенью 1924 года опера в основном была завершена. Смертельно больной Пуччини лихорадочно работал над оркестровкой «Турандот». Лечение с помощью облучения радием сначала принесло некоторое облегчение. Но 29 ноября наступил роковой финал улучшение оказалось временным — сердце не выдержало, и великого музыканта не стало.

3 курс инструменталисты