Ренессансный стиль в архитектуре

В эпоху Высокого Возрождения окончательно сложился новый стиль в архитектуре, который распространился сначала в Италии, а затем и во всей Европе, вытесняя средневековую готику.

В основе нового стиля лежали принципы античного строительства, главный из которых — соразмерность пропорций и использование элементов античных ордеров (колонн, полуколонн, пилястров). Выдающимися архитекторами этой поры были Д. Браманте, Д. Романо, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, А. Палладио

Кубизм

Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года – канун первой мировой войны. Новоявленное течение в модернистском искусстве вызвало естественное бешенство среди мещан. За кубизмом в изобразительном искусстве в свое время стоял круг поэтов и критиков, следовавших философии Бергсона, также весьма условно именовавшихся кубистами. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г.Аполлинер. В 1912 “О кубизме”. В 1913 “Художники-кубисты”. в 1920 создается сочинение “Подъем кубизма”. Новаторство кубистов. Если живопись импрессионистов провозгласила условный характер цвета, то кубисты выразили новый подход к реальности через условный характер пространства. Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. искусство нового времени все более проникается рефлексией, образное мышление вытесняется абстрактным. Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернана Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др. Слово “кубизм” по-видимому возникло в 1908 году. Существует легенда о том, что Матис увидев картину Брака “Дома в Эстаке”, сказал, что она напоминает ему изображение кубиков. В том же году в журнале “Жиль Блаза” критик Луи Воксель пишет о живописи Брака, как о сводящейся к изображению кубов. Так насмешливая шутка Матиса переросла в название новой школы.Период 1907-1912 годов – период аналитического кубизма. происходит преобразование реальности – разложение формы, в данном случае на кубы.Художественная практика кубистов: отказ от перспективы, сокращение фигур в ракурсах, показ их одновременно с нескольких сторон, тяготение к обратной перспективе.В 1908-1909 годах и Брак и Пикассо ищут приемы за пределами кубизма. После 1912 года начинается период так называемого “синтетического” кубизма, именуемого также “кубизмом представления”

9билет 1 вопрос

Характерными памятниками императорского Рима стали амфитеатры. После гражданской войны к власти пришел Веспасиан, который начал строить амфитеатр Флавиев, получивший название Колизея, поскольку его строительство проходило рядом с колоссальной статуей Нерона, позднее уничтоженной. Имя архитектора, который возвел Колизей неизвестно. Здание имело форму эллипса с осями 190 на 156 м, высота его внешней стены равнялась 48.6 м. От нее по наклону к арене спускались разделенные проходами зрительные ряды, облицованные мрамором. В амфитеатре могли одновременно разместиться 50 тыс. зрителей. Арена с осями 87 на 54 м опиралась на систему опорных террас. Под ареной размещались коридоры, клетки, подсобные помещения. Снаружи ярусы были украшены аркадами и ордером - строгим тосканским, выше - более легким ионическим, еще выше - коринфским, на самом верху - тонкими коринфскими пилястрами. Вплоть до 405 года в Колизее проводились гладиаторские бои. Среди общественных сооружений Древнего Рима большую группу составляют зрелищные постройки. Римские театры были сходны с греческими, они состояли также из трех элементов – театрона, орхестры, скены, но, в отличие от греческих, строились и на горизонтальных участках, подъем же театрона достигался применением так называемых субструкций – опорных конструкций, состоящих из пилонов, соединяемых арками. Благодаря им создавался искусственный наклон мест для зрителей. Вторая отличительная особенность римских театров заключалась в конструктивной связи театрона и скены, которая сооружалась здесь не из дерева, а из прочных материалов – кирпича, бетона и каменной, частично мраморной облицовки. Специфически римским сооружением являлись амфитеатры. Самым крупным из них был прославленный амфитеатр Флавиев (Колизей), о котором речь шла выше.

Самым грандиозным форумом считается форум Траяна - последний императорский форум, самый пышный из всех, отличался симметричностью и парадностью. На Форуме не было храма в честь богов, богом почитался сам Траян. Достопримечательность Форума - триумфальная колонна Траяна высотой 27 м, одновременно была гробницей - в ней помещалась урна с прахом Траяна. По всей колонне вился свиток с рассказом о походах императорской армии в Дакию. На колонне Траян изображен 90 раз, везде в гуще событий.
Триумфальные арки стали типичны для Рима и возводились еще в республиканский период. Они вели свое происхождение от городских ворот, разграничивающих свое и чужое пространство. Арки чаща всего ставились в честь одержанных побед. К 5 веку н.э. в Риме было 55 арок, а по всей Империи около 350 триумфальных арок. Арки представляли собой каменные монументальные ворота, оформленные скульптурными изображениями трофеев, пленных, героев. Одной из самых замечательных была арка Тита, поставленная на месте Золотого дома Нерона в 80 году, она поставлена в честь победоносного похода в Иудею и разграбление храма Соломона. Арка служила постаментом для бронзовой статуи императора, венчаемого богиней победы Викторией. Внешне строгая, внутри с рельефами, в проходе арка запечатлела триумфальный въезд Тита в Рим.
Одним из сооружений императорского Рима является Пантеон. Храм был построен при императоре Адриане около 125 года. Пантеон представлял собой внешне глухое кольцо цилиндра, монументальный гранитный портик которого с двухскатной крышей служил проходом в центральное строение со стенами 6-ти метровой толщины, стены были расчленены нишами и колоннами, в нишах стояли статуи. Стены были отделаны мрамором и камнями, пол выложен мозаикой. Бетонный купол весил 46 тонн, был облегчен пятью рядами кессонов, имел диаметр 43 м, с центральным оком в 8,5 м. Площадь перед Пантеоном связывалась с ним центральной аркой, через которую необходимо было пройти по берегу Тибра через специально наведенный мост.
Еще одной типичной римской постройкой были термы. В Риме к 6 веку н.э. насчитывалось 12 больших и сотни частных бань. Термы представляли собой комплекс залов, стоящих в огромном дворе, имели несколько отделений: зал для спорта, раздевалки, горячую, теплую и холодную бани, бассейн и библеотеки. Первые термы были построены Марком Агриппой. Термы сооружали Нерон, Тит, Траян. Одной из самых роскошных были термы Каракаллы.
При Адриане стали возводить саркофаги, прямоугольные, украшенные рельефами.События 3 века в Римской империи получили название "кризиса". Кризис затронул все стороны жизни, что отразилось на искусстве этой эпохи.

Мавзолей Адриана. 139 г.

Полы в домах украшались мозаикой. Самая интересная мозаи­ка найдена в Доме Фавна. Он получил название от бронзовой статуи пляшущего сатира, илиФавна, обнаруженной в атриуме. Оригиналом послужила картина художника Филоксена,изображающая битву Александра Македонского с персидским царем Дарием.

Стены богатых домов украшали фресковые росписи. Цвета фрески – красный, желтый, черный и белый.
Художники изображали на стенах архитектурные детали – колонны, карнизы, пилястры и т. д. Появляются многофигурные композиции. Один из лучших сохранившихся образцов живописи – роспись в загородной вилле близ Помпей, которая благодаря сюжету фресок получила название виллы Мистерий. На фресках представлены сцены таинств, связанных с культом бога виноделия Диониса..
Фрески часто повторяли знаменитые картины греческих художников на мифологические темы, и мастера по просьбе заказчиков воспроизводили целые картинные галереи. В росписях встречаются изображения садов и парков, храмов, рек, городов, жанровые сцены.
Датой падения Рима считается 476 год. Преемницей культурных традиций античности стала Византия.

2 вопрос

Рома́нским иску́сством, принято называть период в европейском искусстве, начиная примерно с 1000 года и вплоть до возникновения готического стиля в XIII веке или позже, в зависимости от региона. Этот термин распространился в XIX веке среди историков искусства, особенно применительно к романской архитектуре, которая сохранила многие характерные черты римского архитектурного стиля, в первую очередь круглоголовые арки, а также цилиндрические своды, апсиды и украшения в виде листьев-акантов, но также внедрила очень много своих специфических элементов. романский стиль стал первым направлением в искусстве, распространившимся по всей католической Европе, от Дании до Сицилии. Романское искусство испытало также сильное влияние византийского искусства, особенно в живописи. В дальнейшем, пройдя через антиклассический энергичный декор Островного искусства Британских островов, в Европе выковался новаторский и гармоничный стиль. Предшествующий романике период известен как дороманский.
Изделия из металла, эмали и слоновой кости

Ставелотский триптих, Мосан-стиль, Бельгия, 1156–58 гг.

Драгоценности в изделиях этого периода имели очень высокий статус, вероятно, гораздо выше, чем сами картины. Изделия из металла, оссуарии для хранения мощей, хорошо сохранились. Самой известной является гробница трёх королей из Кёльнского собора Николая Вердена (около 1180-1225). Другими образцами изделий из эмали «мосан» являются Ставелотский триптих и реликварий святого Мавра. Большие реликварии и фасады алтаря делались в круговой деревянной раме, а менее масштабные изделия, типа шкатулок, изготовлялись из металла и эмали. Сохранились некоторые светские предметы, такие как зеркальца, ювелирные изделия, застежки, что несомненно указывает на важность изделий из драгоценных металлов для знати.

Глостерский подсвечник, начало XII века.

Бронзовый глостерский подсвечник и латунная купель 1108-1117 г.г., являются металлического литья, имеющего сходство с живописью рукописей. Другими важнейшими сохранившимися реликвиями являются бронзовые двери, триумфальная колонна и вся гарнитура Хильдесхаймского собора, гнезненские врата и двери базилики Сан-Дзено Маджоре в Вероне. Акваманилы, являющиеся сосудами в форме животного для омовения рук, появились в Европе, по-видимому, в XI веке, и часто они имели фантастические зооморфные формы. Клойстерский крест представляет собой большое распятие из слоновой кости, украшенное сложной резьбой, включающей множество фигур пророков и других лиц. Подобно многим другим произведениям, крест изначально был частично цветным. Образцом хорошо сохранившихся миниатюрных изделий из слоновой кости являютсяшахматы с острова Льюис. Другими артефактами являются посохи иерахов, декоративные тарелки, наперсные кресты и ряд подобных объектов.

Скульптура в украшении зданий

Тимпан из аббатства Везле, Бургундия, Франция, 1130-е гг.

С падением Римской империи традиции резьбы по камню монументальных произведений и бронзовая скульптура практически исчезли. Наиболее известной сохранившейся крупной скульптурной работой прото-романской Европы является деревянное распятие в натуральную величину по заказу архиепископа Геро из Кёльна. Позднее такие скульптуры устанавливались на балках под аркой алтаря. С двенадцатого века эти скульптуры сопровождались фигурами Девы Марии и Иоанна Богослова по сторонам.

Витражи

Самые древние из известных на сегодняшний день фрагментов средневековых живописных витражей сделаны в X веке. Самыми ранними полностью сохранившимися рисунками являются изображения пяти пророков в окнах собора в Аугсбурге, датированные концом XI века. Фигуры пророков, хотя они довольно схематичны и статичны, демонстрируют значительные знания в области дизайна витражей, как по художественному вкусу, так и по функциональному использованию стекла, показывая, что их создатель был хорошо знаком с этим искусством. Большинство великолепных витражей Франции, в том числе знаменитые окна в Шартре, датируются XIII веком. Гораздо меньше крупных работ дошло до нашего времени из XII века. Одним из них является распятие Пуатье, замечательная композиция, которая поднимается на три яруса. На нижнем из них, имеющем форму четырёхлистника, изображено мученичество Святого Петра, на самом большом центральном ярусе доминирует распятие, и на верхнем показано Вознесение Христа с миндалевидным венчиком вокруг головы. В фигуре распятого Христа уже чувствуется влияние готического стиля. Джордж Седдон при описании окна использовал эпитет «незабываемая красота».^[3]Отдельные фрагменты витража находятся в различных музеях, а окна Твайкросской церкви в Англии целиком сделаны из французских панелей, спасённых от разрушений, вызванных Великой французской революцией.^[4]Стекло в то время было довольно дорогим, поэтому его использование должно было быть достаточно гибким, чтобы рисунок можно было легко дополнять или переделывать. По-видимому, часто стекло использовалось повторно, когда церкви перестраивались в готическом стиле. Самое раннее датированное английское стекло — это витраж древа Иессея из Йоркского собора 1154 года, оно было подобным образом применено повторно из предыдущей постройки.

10 билет 1 вопрос

В культурном развитии к XVII в. Испания достигла наивысшего расцвета, в первую очередь в литературе и живописи. Поскольку Испания обрела независимость и единство довольно поздно, создание национального художественного стиля представлялось особенно важным. Для страны, не имевшей прочно укоренившихся традиций, это было непросто.

В архитектуре традиции средневекового европейского и арабского зодчества соединились с влиянием итальянского Возрождения, а с XVII в. — барокко. В результате испанская архитектура так до конца и не освободилась от эклектизма — сочетания в одном произведении черт разных стилей. Гораздо ярче национальное своеобразие проявилось в скульптуре, в частности в деревянной пластике. В живописи сочетание европейского влияния и национальных особенностей оказалось наиболее гармоничным и получило глубоко оригинальное воплощение.

АРХИТЕКТУРА

Испанская архитектура XVI в. во многом следовала средневековым традициям. Сохранились и привычная планировка испанского дома, и беспорядочная городская застройка (регулярная планировка появилась здесь позднее, чем в градостроительстве других стран Европы). В то же время возник интерес к достижениям итальянского Возрождения. Испанские архитекторы начали работать в Риме и других городах Италии, в свою очередь итальянцы приезжали в Испанию.

Название платереско (исп. plateresco — «чеканный», «узорчатый») возникло в XVII в. и относится к испанским постройкам первой половины XVI столетия, оформленным с ювелирной точностью и изысканностью. Основные работы в стиле платереско — это светские сооружения: университеты, больницы, частные дома. Церковная архитектура представлена главным образом монастырями.

В Испании был особенно распространён тип храма, в плане воспроизводящий церковь Иль-Джезу в Риме. Это базилика в форме латинского креста с укороченным поперечным нефом и боковыми нефами, представляющими собой ряды капелл (часовен). Именно такова, например, церковь монашеского ордена иезуитов в Саламанке (середина XVII в.) архитектора Хуана Гомеса де Мора (около 1580— 1648). Западный фасад церкви по бокам завершают две башни.

Давнее пристрастие к обильным украшениям восторжествовало в архитектуре Испании на рубеже XVII—XVIII вв. Оно нашло яркое воплощение в творчестве семейства Чурригера. Крупнейшим мастером среди них был Хосе Бенито Чурригера (1665—1725). Сооружения зодчих Чурригера просты по композиции, как, например, ратуша в Саламанке (1729—1733 гг.). Фантазия авторов проявилась в оформлении фасада, который предельно насыщен декоративными деталями. Архитектурный стиль X. Чурригеры и его последователей получил название чурригереск.

Главным представителем классического направления в архитектуре Испании был Хуан де Эрррера по имени которого сам стиль испанского Возрождения нередко называют «эрререс». Самой прославленной работой Эрреры является королевской дворец Эскориал (1563-1584). Эскориал представляет собой гигантский по размерам треугольник с угловыми башнями и симметрично расположенными строениями. На главной оси его помещены аппартаменты короля, церковь, увенчанная куполом и большой парадный двор. Архитектура Эскориала отличается строгостью,простотой общего решения, почти полным отсутствием декоративных элементов, лаконичностью интерьеров.

СКУЛЬПТУРА

В соборах высились огромные многоярусные алтари — ретабло. Они походили на древнерусские иконостасы, только вместо живописных икон состояли из множества деревянных скульптурных изображений.Очень распространены были скульптурные группы, называемые «пасос», которые представляли библейские сцены. Пасос тоже делали из дерева и раскрашивали, на фигуры надевали настоящие одежды, ювелирные украшения, к их головам приклеивали волосы.

испанские мастера добивались правдоподобия: их интересовали частности, детали, внешность конкретного человека или подробности события. Выдающимся испанским скульптором первой половины XVII в. был Грегорио Эрнандес (около 1576— 1636). В знаменитом «Оплакивании» (1616 г.) смерть Иисуса Христа изображена с безжалостным натурализмом: мастер показал складки кожи и обвисшие мышцы хрупкого, измождённого тела.

Наиболее интересный из испанских мастеров второй половины XVII в. Педро да Мена (1628—1688), работавший в Гранаде, в своих зрелых работах сохранял приверженность жёсткому натурализму. В фигуре Святого Франциска он подчеркнул и грубость монашеского балахона, и предельную степень физического истощения, и даже такую деталь, как выбитые зубы. Но всё это сочетается с обострённой эмоциональностью в передаче духовного состояния. Святой запечатлён в момент молитвенного экстаза — (один из самых любимых сюжетов Педро да Мены).

ЖИВОПИСЬ

До второй половины XVI в. Испания была художественной провинцией, её живопись известна в основном по работам слабых подражателей мастерам эпохи Возрождения. Большинство испанских художников настороженно (а порой и неприязненно) воспринимали античное наследие, считая его чуждой языческой культурой, которая ничему не может научить христианского мастера. Деятельность испанских живописцев жёстко контролировалась инквизицией (например, запрещалось писать обнажённое женское тело, в изображениях Богоматери и святых женщин нельзя было показывать их ноги). Тем не менее почти все великие мастера Испании творили именно в конце XVI — XVII вв. Не случайно этот период называют золотым веком испанской живописи.

Билет 11.