Стрит арт и паблик арт. Э. Пиньон-Эрнест, Бэнкси, Э. Гормли

Стрит-арт (англ. Street art — уличное искусство) — изобразительное искусство, отличительной особенностью которого является ярко выраженный урбанистический стиль.

Основной частью стрит арта является граффити(иначе спрей-арт), но нельзя считать, что стрит-арт это и есть граффити. К стрит-арту также относятся постеры (некоммерческие), трафареты, различные скульптурные инсталляции и т. п. В уличном искусстве важна каждая деталь, мелочь, тень, цвет, линия. Художник создает свой стилизованный логотип — «уникальный знак» и изображает его на участках городского ландшафта. Самое главное в стрит-арте — не присвоить территорию, а вовлечь зрителя в диалог и показать различную сюжетную программу.

На 2010 год ни в одном музее мира не существует отделов коллекционирования и хранения стрит-арта^[1].

История

Истоки

Опубликованный в 1918 г. российскими футуристами Декрет № 1 «О демократизации искусств (заборная литература и площадная живопись)» гласит:

Товарищи и граждане, мы, вожди российского футуризма — революционного искусства молодости — объявляем:

1. Отныне вместе с уничтожением царского строя отменяется проживание искусства в кладовых, сараях человеческого гения — дворцах, галереях, салонах, библиотеках, театрах.

2. Во имя великой поступи равенства каждого пред культурой Свободное Слово творческой личности пусть будет написано на перекрестках домовых стен, заборов, крыш, улиц наших городов, селений и на спинах автомобилей, экипажей, трамваев и на платьях всех граждан.

3. Пусть самоцветными радугами перекинутся картины (краски) на улицах и площадях от дома к дому, радуя, облагораживая глаз (вкус) прохожего.

Художники и писатели обязаны немедля взять горшки с красками и кистями своего мастерства иллюминовать, разрисовать все бока, лбы и груди городов, вокзалов и вечно бегущих стай железнодорожных вагонов.

Пусть отныне, проходя по улице, гражданин будет наслаждаться ежеминутно глубиной мысли великих современников, созерцать цветистую яркость красивой радости сегодня, слушать музыку — мелодии, грохот, шум — прекрасных композиторов всюду.

Пусть улицы будут праздником искусства для всех.

— Владимир Маяковский, Давид Бурлюк, А.Каменский («Газета футуристов». — М., 15 марта, 1918)

По легенде, история граффити начинается в 1942 году, во время Второй мировой войны, когда рабочий Килрой принимается писать 'Kilroy was here' на каждом ящике с бомбами, которые производят на фабрике в Детройте. Солдаты в Европе воспроизводят эту фразу на стенах, устоявших во время бомбардировок. Позже к этому первому проявлению вируса присоединяются подписи Корнбреда в Филадельфии в 1950-х — 1960-х годах. Художник берёт город приступом вместе с Cool Erl и Top Cat. Втроём они создают граффити, в подлинном смысле давая начало этому течению.

Е годы

Из Филадельфии движение в конце 1960-x годов приходит в Нью-Йорк. Там всё начиналось в квартале Washington Heights в Манхэттене. В 1971 году «тег» распространяется повсюду, покрывая стены вагонов метро. Julio 204 — первый, кто помещает номер своей улицы рядом со своим псевдонимом. Первым райтером, признанным за пределами собственного квартала, стал Taki 183. Он оставляет следы своего присутствия в очень многих городских местах, становясь своеобразным «поджигателем» и провоцируя волну подражаний среди многих райтеров.

В то же время начинает появляться новая форма. 1972 год отмечает рождение нового эстетического языка. В то время как между райтерами, ищущими славы посредством своих псевдонимов, вспыхивает настоящая война, некоторые из них для того, чтобы как-то отличиться, используют неожиданные стилистические включения. Так зародилась основа стиля и кода граффити, используемого и сегодня.

Е годы

Быстрый и бесконтрольный рост движения вызывает определенный интерес культурных инстанций, от критиков до галерей. Поэтому начало 1980-х отмечает впечатляющее количество выставок, где молодые райтеры получают признание как художники в полном смысле этого слова. В 1981 году престижный журнал Арт Форум посвящает статью явлениюFashion Moda. В том же году райтеры принимают участие в выставке PSI New York/New Wave вместе с другими художниками, среди которых Жан-Мишель Баскиа, а также Джозеф Кошут, Уильям Берроуз, Нэн Голдин, Энди Уорхол и Лоуренс Вайнер. В 1982 году Fashion Moda выставляется на Dokumenta 7 в Касселе, Германия. С тем же озадачивающим очевидным успехом первые райтеры выставляются во многих музеях Европы параллельно с выставками в лучших галереях Нью-Йорка.

Одновременно с художественным признанием искусство граффити испытывает на себе жесткие санкции, которые вынуждают его развиваться вне метро и улиц. Давление оказывает значительный и подчас фатальный эффект на художественное развитие многих райтеров. Но не все смиряются с этим, и кое-кто ищет новые пути развития, дающие место многочисленным ответвлениям. С этого момента движение получает второе дыхание и обеспечивает себе дальнейшее развитие.

Е годы

Последнее десятилетие отмечает разнообразие направлений, которые выбирает стрит-арт. Восхищаясь старшим поколением, молодые райтеры отдают себе отчёт в важности разрабатывания собственного стиля. Таким образом возникают всё новые ответвления, предсказывающие движению богатое будущее. Новые разнообразные формы стрит-арта подчас превосходят по своему размаху всё, что было создано до этого.

Техника

Трафарет

Однослойный трафарет

Трафарет (англ. stencil) — приспособление, использующееся для нанесения на различные поверхности большого количества идентичных изображений, а иногда для достижения специального художественного эффекта; этим термином также обозначается изображение, созданное с помощью данного приспособления. Приспособление представляет собой небольшой лист из прозрачнойплёнки или, чаще, плотной бумаги, в котором вырезаны несколько сегментов, составляющих исходное изображение.

Паблик-арт (общественное искусство; искусство в общественном пространстве; англ. public art) — искусство в городской среде, ориентированное на неподготовленного зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством.

Специфика паблик-арта

Скульптура 1.26, Художественный музей Денвера^[en]

Термин паблик-арт относится к произведениям искусства, которые были созданы специально для расположения и демонстрации в общественном месте, чаще всего под открытым небом. Памятники, мемориалы и скульптуры, возможно, являются старейшими примерами официально санкционированного паблик-арта. Паблик-арт не ограничен физическими объектами — танцы, процессии, уличный театр и даже поэзия используются для создания паблик-арта.

Некоторые художники, работающие в этой области, пользуясь преимуществами открытого пространства, создают масштабные произведения. Среди работ, созданных за последние 30 лет и встретивших восхищение критики и публики, работы Роберта Смитсона, Христо,NONDA и Энтони Гормли, в которых произведение искусства вступало во взаимодействие или инкорпорировалось в окружающую среду. В 1960 году греческий художник NONDA создал интерактивную выставку под мостом, посвящённую поэту Франсуа Вийону. Паблик-арт обычно создаётся с разрешения и во взаимодействии с правительством или компанией, которая владеет или управляет местом. Некоторые правительства поощряют создание паблик-арта, например, с помощью финансовых механизмов.

Часто изображения художников на улицах города вызывают бурное негодование со стороны местных жителей.

Цитаты

Суперламбанана стала одним из паблик-арт символов Ливерпуля

· «В наше время Public Art включает в себя все от приготовленной художниками еды и организации художниками прогулок в парках до текстов, напечатанных на коробках из под молока и танцевальных выступлений среди грузовиков с мусором. Частично такое направление отражает перемены в самом искусстве. Многие считают, что Public Art должно провозглашать многогранность общества и отражать отсутствие согласованности во мнениях по вопросам ценностей и социального благополучия. Критики и художники полагают, что Public Art побуждает людей подвергать сомнению влияния структур и процессов принятия решения, которые определяют каким образом должно быть использовано общественное пространство. «Критическое» Public Art искусство такого рода обычно временное, провокационно, и создается для того, что бы не сочетаться с окружающим пространством. Public Art всегда было, есть и возможно будет спорной территорией, потому, что оно отражает реальные противоречия, внедренные в нашу общественную жизнь» — Элеонора Хартни, «City Art: New York’s Percent for the Art Program», 2005.

Художники

· Энтони Гормли

Паблик-арт в России

· В 2010 году у российской премии в области современного искусства «Премия Сергея Курёхина» появилась новая номинация — «Искусство в общественном пространстве (проекты public art, land art, граффити)»^[1].

Э. Пиньон-Эрнест

Роберт Бэнкси

Э. Гормли

Основные институции современного искусства: МоМА, Музей современного искусства Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк. Филиал Музея современного искусства Соломона Гуггенхайма в Бильбао., Московский музей современного искусства и др.

Музей современного искусства на Манхеттене вНью-Йорке (Museum of Modern Art, сокращенноMoMA) — один из первых и наиболее представительных музеев современного искусства в мире^[1], послуживший эталоном для многих других собраний подобного рода. Третий по посещаемости музей в Соединённых Штатах и 13-й в мире (3 066 337 посетителей в 2013 году)^[2]. Одна из главных достопримечательностей Нью-Йорка.

История МоМА

Был основан в 1928 году в шести залах офисного здания на Манхеттене при содействии и покровительстве семейства Рокфеллеров. Первым директором музея был искусствовед Альфред Барр.

В собрание входят произведения, без которых невозможно себе представить искусство XX века, — «Звездная ночь» Ван Гога, «Танец»Матисса, «Авиньонские девицы» Пикассо, «Постоянство памяти» Дали, «Птица в пространстве» Брынкуши.

Строительство нынешнего здания музея было начато в 1939 г., в 1950-е гг. оно было перестроено в «интернациональном стиле» Филипом Джонсоном, в ходе реконструкций 1980-х и 2000-х гг. музейные площади были увеличены в несколько раз.

В 1947 году руководством МоМА был подписал контракт с нью-йоркским музеем «Метрополитен», по которому произведения искусства, по мере перехода из разряда современных в разряд классических, должны были передаваться из МоМА в «Метрополитен»^[3]. Если бы через шесть лет договор не был расторгнут, МоМА потерял бы огромную часть работ, ставших теперь «классикой» современного искусства^[3].

Музей Соломона Гуггенхайма(англ. Solomon R. Guggenheim Museum) —музей искусства в США, одно из ведущих собраний современного искусства в мире. Ведёт свою историю с создания в 1937 году Фонда Гуггенхайма. Основатель музея — меценат Соломон Роберт Гуггенхайм.