Художественный стиль «барокко» в изобразительном искусстве и архитектуре стран Западной Европы XVII - XVIII столетия. Характеристика двух памятников на выбор.
16. ИСКУССТВО НОВОГО ВРЕМЕНИ. БАРОККО И КЛАССИЦИЗМ
Барокко
Искусство барокко развивалось в феодально-абсолютистских государствах, находящихся под сильным воздействием католицизма (Италия, Испания, Фландрия). Изобразительное искусство барокко не может быть понято вне его связи с архитектурой. Архитектура, соединяющая в себе утилитарные и художественные факторы в большей мере, чем другие виды искусства, сопряжена с материальным прогрессом и находится в большей зависимости от господствующей идеологии (храмовое зодчество и градостроительство осуществляется на деньги церкви и богатых людей, но в то же время она обслуживает общество в целом). В барочных культовых постройках все богатейшие возможности синтеза архитектуры, скульптуры, декоративного искусства и живописи призваны поразить воображение зрителя, проникнутые религиозным чувством. В той же Италии воздвигаются светские сооружения, представляющие важный этап в развитии мировой архитектуры. Разрабатываются приемы городской планировки, целостного городского ансамбля, строятся дворцово-парковые комплексы, в которых открываются новые принципы связи архитектуры с природным окружением.
Для барокко характерны большая эмоциональная приподнятость и патетический характер образов, что достигается за счет масштабности построек, преувеличенной монументализации форм, динамики пространственного построения, повышенной пластической выразительности объемов. Отсюда криволинейность планов, изгибы стен, на которых как бы вырастают карнизы, фронтоны, пилястры; изобилуют малые формы архитектурного декора: окна украшаются разнообразными наличниками, ниши — статуями. Общее впечатление бурного движения и богатства дополняется скульптурой, росписями, лепниной, отделкой цветными мраморами и бронзой. К этому следует добавить живописные контрасты светотени, перспективные и иллюзионистические эффекты.
Культовые, дворцовые сооружения, скульптура, фонтаны (Рим) объединяются в целостный художественный образ. То же можно сказать о дворцово-парковых комплексах остальных областей Италии эпохи барокко, отличающихся исключительно мастерским использованием сложного рельефа местности, богатой южной растительности, водных каскадов в сочетании с малыми формами — павильонами, оградами, фонтанами, статуями и скульптурными группами.
Ярче всего черты барокко воплотились в монументальной скульптуре, в творчестве Лоренцо Бернини (идеи торжества мистики над реальностью, экстатическая выразительность образов, бурная динамика форы). В живописи вклад в искусство барокко внесли болонские академисты братья Карраччи, Гвидо, Рени, Гверчино. Своего полного развития барочная концепция достигает у Пьетро да Нортона, Бачиччо и др. В их насыщенных сильным движением многофигурных композициях персонажи как будто бы увлекаются куда-то неведомой силой. В живописи барокко господствовали монументально-декоративные росписи, в основном плафоны, алтарные картины с изображениями апофеозов святых, сцен чудес, мученичеств, огромные исторические и аллегорические композиции, народный портрет (большой стиль). В искусстве барокко, в частности в монументальной пластике Бернини, нашли свое отражение не только религиозные идеи, но и острый кризис и непримиримые противоречия в Италии XVII в.
Барочное искусство Фландрии имеет свою специфику. У Рубенса, Йорданса и других мастеров характерная для барочной концепции антитеза земного и мистического, реального и иллюзорного выражается скорее внешне, не переходя в трагический диссонанс. У Рубенса во многих алтарных композициях, также как и в картинах на темы античной мифологии, прославляются человек и реальное бытие.
В Испании XVII в. барокко развивалось в своеобразных национальных формах в архитектуре, скульптуре, живописи с ярко выраженной поляризацией.
Во Франции стиль барокко не занимал ведущего положения, но зато Франция XVII в. — это историческая арена развития классицизма.
Классицизм
Стиль классицизма возникает параллельно со стилем барокко как стиль одной с ним эпохи, решающий с других позиций и другими изобразительными средствами задачи своего времени — прославление могущества абсолютного монарха.
Классицизм занял главенствующие позиции во Франции в эпоху Людовика XIV, ставшую апогеем абсолютизма.
Вместо драматических эффектов барочного зодчества он выдвигает принцип соединения величавой торжественности архитектурного образа с разумной ясностью. Хотя XVII в. представляет первый этап классицизма, когда особенности этого стиля не достигли наиболее строгого и чистого выражения, общественные и дворцовые сооружения, городские ансамбли, дворцово-парковые комплексы проникнуты духом торжественной парадности. Их пространственное решение отличается ясной логикой, фасада — гармонией композиционного построения с соразмерностью частей, архитектурные формы — простотой и строгостью. Строгая упорядоченность вносится даже в природу: мастерами классицизма была создана система так называемого регулярного парка. Зодчие классицизма широко обращается к античному наследию, изучая общие принципы античной архитектуры и, прежде всего систему ордеров, перерабатывая отдельные мотивы и формы. Дух классицизма не благоприятствовал выражению религиозно-мистических идей, и поэтому культовые постройки не имеют в архитектуре классицизма того огромного значения, как в барокко. Классицизм оставил такие замечательные памятники художественного синтеза, как скульптура и декоративно-прикладное искусство в архитектурном ансамбле.
В изобразительном искусстве классицизма одной из основных тем была тема долга, победы общественного над личным, тема утверждения высших этических принципов: героизма, доблести, моральной чистоты, которые находят свое художественное претворение в образах, исполненных возвышенной красоты и величия. Противоречиям и несовершенству действительности классицизм противопоставляет принцип разумности и суровой дисциплины, с помощью которых человек должен преодолевать жизненные препятствия. Согласно эстетике классицизма, разум является основным критерием прекрасного. Художник в своем творчестве должен исходить из совершенных образцов, которыми считались произведения античного искусства и Высокого Возрождения. В противоположность барокко классицизм не допускал преувеличенной эмоциональной выразительности: так героям французского художника Пуссена свойственны волевая собранность и спокойное самообладание, ясность и уравновешенность композиции Фигуры в его живописных работах отличаются строгостью и классической законченностью. В средствах изобразительного языка теория классицизма отдает предпочтение рисунку, а колориту отводится подчиненная роль. Признавая красоту реального бытия, красоту природы, художники классицизма отдавали предпочтение изображению природы, которая служит не только активным фоном в сюжетных композициях, но часто составляет определяющую основу в общем строе картины. В живописи классицизма (Пуссен и Клод Лоррен) пейзаж не только сложился как жанр, но и пережил определенный расцвет.
Классицизм стал стилем французской монархии преимущественно в архитектуре, в декоративно-прикладном искусстве (монументально-декоративная живопись), а в парадном портрете репрезентативные качества барокко больше соответствовали требованиям абсолютизма. Росписями прославился Шарль Лебрен, придворным мастером парадного портрета был Риго.
8 вопрос
Конец XIX в. в европейских странах и США — время стремительного технического прогресса. Но могло показаться, что в «процветающем» индустриальном обществе материальные ценности возобладали над духовными, а рационализм и расчёт — над живыми чувствами. Реалистическое искусство видело свою задачу лишь в точном отображении окружающей жизни. Под влиянием эстетики символизма на рубеже XIX—XX вв. в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве сформировался стиль модерн {франц. «новейший», «современный»). Архитектура рубежа XIX—XX вв. — особое явление в истории мирового зодчества. Само название стиля архитектуры этого периода — модерн — свидетельствует о признании за ней принципиальной новизны, непохожести на известные в прошлом стили. Своеобразие архитектуры модерна — в окончательном преодолении влияния античного ордера, в виртуозном владении разнообразными средствами декоративного оформления фасадов и интерьеров зданий.
Модерн нашёл себе почву практически во всех странах Европы и эхом отозвался в Америке. Источником вдохновения служила вся история архитектуры от древних архаических сооружений до японских домов. Но не только она. Архитекторов воодушевляло практически всё, что было создано природой: растения, раковины моллюсков, чешуя рыб, игра потоков воды, плетение прядей женских волос. Почему так расширился круг используемых образцов? Ответ заключается в сущности творческого метода архитекторов модерна, для которых главным стал принцип импровизации на выбранную тему. Поэтому столь разнообразны сооружения рубежа XIX— XX вв., столь несхожи манеры отдельных зодчих и противоречивы их высказывания. Практически в каждой стране были мастера, работавшие в разных вариантах стиля.
В Бельгии наиболее заметными архитекторами стиля модерн были Виктор Орта и Анри ван де Велде. Во Франции Эктор Гимар под влиянием творчества Орта применил орнаментальные металлические конструкции в строительстве павильонов Парижского метрополитена, а Опост Перре (1874—1954) и Тони Гарнье (1869—1948) продолжили опыты инженера-строителя Гюстава Эйфеля в области эстетического осмысления сугубо практических сооружений.
Австрийская школа модерна прежде всего связана с деятельностью Отто Вагнера (1841 — 1918) и его ученика Йозефа Марии Ольбриха (1867—1908) — автора выставочного зала венского Сецессиона. Одновременно с ними в Вене работал один из наиболее передовых архитекторов начала века — Адольф Лоос (1870-1933).
В Германии поисками нового архитектурного стиля занимались различные творческие объединения. Одним из самых известных стал Сецессион в Мюнхене, образованный в 1892 г. Наиболее яркий его представитель — Август Эндель (1871—1925).
Другим центром была Дармштадтская колония художников, основанная в 1899 г. Большая часть её сооружений была построена по проектам Ольбриха в суровом, лишённом декора стиле. Рядом с Дрезденом архитектор Генрих Тессенов (1876—1956) возвёл для художественных мастерских «город-сад» Хеллерау, показав возможности архитектурной импровизации на тему классицизма.
На Британских островах крупнейшим мастером модерна был шотландский архитектор и художник Чарлз Ренни Макинтош (1868—1928), глава Школы искусства в Глазго, который возводил сооружения, напоминавшие сельские коттеджи, а также занимался декоративно-прикладным искусством.
Развитие модерна в странах Северной Европы оказалось связанным с национальным прошлым. Голландский архитектор Хендрик Петрюс Берлаге (1856—1934) создал выразительные здания из кирпича, близкие традициям XVII в., а финский зодчий Элиель Сааринен (1873— 1950) обратился к деревянным срубам и фольклорным орнаментам.
Испанский модерн нашёл единственного в своём роде исполнителя в лице Антони Гауди, в равной степени использовавшего в постройках исторические и природные мотивы.
В конце XIX столетия в Америке возникла чикагская школа, самой заметной фигурой которой был Луис Генри Салливен (1856—1924), придумавший один из типов высотных деловых зданий.
Модерн завершил творческие поиски XIX в. и одновременно стал основанием для дальнейшего развития архитектуры в XX столетии. Наступившей эпохе он оставил новые материалы и конструкции, новые представления о форме и пространстве, плоскости и линии.
10.Изобразительное искусство XX столетия в странах Западной Европы и США. Характеристика двух памятников на выбор.
При всем разнообразии явлений культуры конца XIX-XX веке можно выделить две основные тенденции художественного развития: это реализм и нереалистические направления, получившие название модернизма (фр. moderne - новейший, современный) или авангарда. Это противостояние нашло свое воплощение в различных видах искусства. Первым художественным течением этого плана был фовизм (от фр. fauve - дикий), его представители получили название "диких". В 1905 году па выставке в Париже А. Матисс, А. Дерен, А. Марке и другие экспонировали свои картины, поразившие резким противопоставлением цветов и упрощенностью форм.
Анри Матисс (1869-1954) - живописец яркого колористического и декоративного дарования, начал как реалист, прошел через увлечение импрессионизмом, но в поисках повышенной интенсивности чистого и звучного цвета пришел к упрощенности форм, в которых почти нет объема. Композиция строится на контрасте цветов, ритмичности линий рисунка, крупных цветовых плоскостей. Условность формы и пространства ведет к орнаментальному характеру полотен (натюрморт "Красные рыбы", "Семейный портрет", панно "Танец", "Музыка" и другие).
В этом же направлении развивалось творчество пейзажиста А. Марке (1875-1947), впоследствии ставшего одним из наиболее последовательных реалистов в европейском пейзаже первой половины XX века.
Почти одновременно с фовизмом возникает кубизм - направление, связанное с именами художников Пабло Пикассо (1881- 1973), Жоржа Брака (1882-1963) и поэта Гийома Аполлинера (1880-1918). От Сезанна кубисты взяли тенденцию к схематизации предметов, но они пошли далее - к разложению изображения предмета на плоскости и комбинированию этими плоскостями. Цвет сознательно изгонялся из живописи, поражавшей аскетизмом палитры. Кубизм оказал значительное влияние на развитие мировой живописи.
И кубизм, и футуризм прервали свое развитие в связи с Первой мировой войной, хотя отдельные явления этих течений получили дальнейшее распространение. В России футуризм нашел воплощение в поэзии Д. Бурлюка, В. Маяковского, В. Хлебникова, А. Крученых, имевшей характер эпатирования окружающего общества, отказа от классических традиций.
Своеобразием отличалось творчество художников, объединенных идеями экспрессионизма, зародившегося в Германии. Инициатором течения явился Э. Л. Кирхнер (1880-1938), в группу вошли К. Шмидт-Ротлуф (1884-1970), М. Пехштейн (1881-1955), О. Мюллер (1874-1930) и другие. Это же направление развивалось в театральном и особенно киноискусстве. Выступив и против импрессионизма, и против салонного искусства, эти художники искали жесткие, порой дисгармоничные цвета, пронзительное освещение, стремясь донести свое нервное напряжение, передать сильнейшие человеческие чувства (темы - безработица, убогие кабаки, люди "дна" и т. п.). Экспрессионисты добивались глубокой психологической выразительности.
В 60-е годы в США возникают течения модернизма под названием "поп-арт" (популярное искусство) и "оп-арт" (оптическое искусство). "Поп-арт" явился своеобразной реакцией на абстракционизм. Беспредметному искусству он противопоставил грубый мир вполне реальных вещей. Художники этого направления считают, что каждый предмет может стать произведением искусства. Соединенные в особые комбинации вещи приобретают новые качества. Подобные работы были представлены на выставке "Новый реализм" (галерея С. Джениса, затем Музей современного искусства Гуггенхейма, 1962). В 1964 году состоялась крупнейшая международная выставка в Венеции - Биеннале, где были представлены экспонаты "поп-арта" (различные вещи в случайных соединениях); авторы - Дж. Чемберлен, К. Ольденбург, Дж. Дайн и другие. Крупнейший мастер "поп-арта" - Роберт Раушенберг (ранняя работа "Картина времени": к закрашенному красками холсту прикреплены часы и т. п.). С 1963 года он освоил метод шелкографии как способ перевода на холст различных фотографий, афиш, репродукций, которые комбинируются с кусками масляной живописи и различными предметами (композиции "Обстановка", "Исследователь").
Вызывая страстные споры, "поп-арт", тем не менее, нашел своих последователен, получил свое официальное признание и проник в выставочные залы Франции, Италии, Германии, Австрии, Швейцарии, даже Королевской Академии в Лондоне.
"Оп-арт" противопоставил себя "поп-арту". Это направление пошло по пути новой абстракции, создавая своп особый мир, особую среду и формы. Создатели "оп-арта" отказались от холстов и красок. Первостепенное значение в их конструкциях из дерева, стекла и металла имеют эффекты цвета и света (они создаются при помощи линз, зеркал, вращающихся механизмов и т. д.). Это мелькание лучей образует подобие орнаментов и представляет эффектное зрелище. Выставки "оп-арта" известны начиная с 1965 года: "Чуткий глаз", "Колористический динамизм", "11 вибраций", "Импульс" и другие. Достижения "оп-арта" были использованы в промышленности и прикладном искусстве (мебель, ткани, посуда, одежда).
В 20-е годы формируется новое направление авангардистского искусства - сюрреализм. Название позаимствовано у Аполлинера и означает "надреализм", хотя есть и иные толкования: "суперреализм", "сверхреализм". Основателем группы художников и литераторов явился писатель и теоретик искусства А. Бретон, к нему присоединились Ж. Арп, М. Эрнст, Л. Арагон, П. Элюар и другие. Они были уверены в том, что бессознательное и неразумное начало олицетворяют собой высшую истину, которая и должна быть воплощена в искусстве.
10 Искусство Киевской Руси (X – XI в.) и Владимиро-Суздальского княжества (XII – XIII вв.). Культовая архитектура и монументальное искусство. Характеристика двух памятников на выбор.
Искусство Киевской Руси Для искусства домонгольской поры характерна одна отличительная черта – монументализм форм. Особое место в нем праву занимает архитектура. Средневековое русское искусство определялось христианским мировоззрением. Еще в языческую пору на Руси была развита архитектура, в основном деревянная: издавна славились русские «древодели». У восточных славян были свои деревянные рубленные храмы и что эти храмы были многоглавыми. Многоглавие было исконно национальной чертой русского зодчества, восприняты затем искусством Киевской Руси. С христианством на Русь пришла крестово-купольная форма храма типичная для греко–восточных православных стран. Крестово-купольный формы храм прямоугольный в плане, четырьмя (или более) столбами его интерьер делится на продольные (по оси восток-запад) части –нефы (три, пять или более). Четыре центральных столба соединяются арками, поддерживающими через паруса барабан купола. Ячейки, примыкающие к подкупольному пространству, перекрыты цилиндрическими сводами. Все центральное пространство храма в плане образует крест, отсюда название системы подобного храма – крестово-купольный. В восточной стороне интерьера размещаются алтарные помещения – апсиды, обычно полукругами выступающие на внешней стороне; поперечное пространство в западной части интерьера называется притвором, нартексом. В этой же западной части на втором ярусе располагаются хоры, где находились князь и его приближенные во время богослужения. В экстерьере домонгольского храма отличительной чертой является членение фасада плоскими вертикальными пиастрами (по –древнерусски –лопатками) на прясла. Полукруглое завершение прясла, форма которого определяется посводным покрытием, называется закомарой. Наиболее распространенной в строительстве храмов техникой кладки в Киевской Руси была так называемая смешанная –«opus mixtum» стены воздвигали из более тонкого, чем современный, кирпича плинфы и камня на разовом известковом растворе цемянки. На фасаде чередовался ряд кирпича с рядом цемянки, и оттого он казался полосатым, что уже само по себе было решением декоративной задачи. Часто употреблялась так называемая кладка с утопленным рядом : на фасад выходили не все ряды кирпичей, а через один, и розовый слой цемянки в три раза по толщине превосходил слой кирпича.
От следующего, ХI столетия в Киеве сохранилось несколько памятников, и самый известный из них - София Киевская, главный собор, где происходили церемонии посажения на княжеский стол и поставления на митрополичий престол.
Централъный купол, опирающийся на барабан прорезанный 12 окнами, и 4 менъшие по размеру главы вокруг него освещают центральное пространство и главный алтарь, а самые маленькие боковые 8 глав – боковые пространства и огромные(площадью около 600 кв.м.) хоры. Софийский храм, как и Десятинная церковь, был обнесен внутренней двухэтажной галереей – гульбищем. Киевская София была перестроена в XVII в., как многие русские храмы на Украине, в духе «украинского барокко», в результате чего исчезла характерная для нее пирамидальность, постепенное наращение масс от галерей к боковым куполам, а от них –к центральному, что определяло облик всего храма.
Интерьер Софии Киевской был необычайно богат и живописен: хорошо освещенные алтарные помещения и центральное подкупольное пространство украшены мозаикой; столбы нефов, более темные боковые помещения под хорами, стены –фесками. Полы были также мозаичные или из шифера. Особой красотой отличались алтарные преграды и решетки хоров: по византийскому обычаю они были каменными, тончайшей резьбы. Из мозаик в куполе сохранилось центральное погрудное изображение величавого и строгого Христа –Вседержителя. Все остальные изображения купола и барабана погибли и заменены масляной живописью на новом грунте. Мозаики центральной апсиды сохранились значительно лучше.
Все изображения купола и апсиды носят монументальный характер. Формы их обобщены, границы формы резко обозначены контурами. Фигуры тяжеловесные, коренастые и большеголовые, движения скованы и однообразны. Лица в большинстве случаев отличаются условностью и схематизмом, исключение представляют лица отцов церкви, выразительные и яркие по типам.
Мозаики купола и алтаря, за исключением фигур отцов церкви, выполнены в светлой гамме, с преобладанием синих, белых, голубых и лиловых тонов с цветными тенями – серо-фиолетовыми, серо-зелеными и т. д. Мозаика сводов и фигуры отцов церкви отличаются более темной гаммой ( темно -зеленых , темно -красных, синих тонов ).
Мозаики выложены по сырой штукатурке из стеклянных и каменных кубиков неправильной формы, различной величины и цветов –прозрачных (глаза, одежда) и непрозрачных, матовых (тело).
Фрески киевской Софии были покрыты до последнего времени малярными записями. Их расчистка началась в 1936 году
Кроме многочисленных святых, в центральной части киевской Софии были изображены и евангельские сцены, погибшие почти целиком.
На стенах двух башен киевской Софии сохранились редкие образцы светской живописи конца XI –начала XII в. Башни служили входом нахоры, где собиралась придворная знать и сам князь со своей семьей. Росписи имели дворцовый характер –это были сцены охоты, травли зверей, конские состязания, изображения скоморохов, музыкантов, акробатов, цирковых состязаний в Константинополе и т. д.
Те же мастера, что строили Софию Киевскую, принимали участие в строительстве Софийского собора в Новгороде, сооруженного в 10451050 гг. при князе Владимире Ярославиче в центре кремля. Но новгородская София проще и лаконичнее по своим формам, как бы сродни новгородскому духу. Строже и монолитнее не только ее экстерьер, скромнее его убранство, в котором не было ни мозаик, ни мрамора, ни шифера. Иной и строительный материал: вместо тонкой изящной плинфы используется местный грубый известняк. Кирпич использован лишь в сводах и арках.
Фресковых росписей XIв. до нас дошло немного. В Новгородской Софии почти не сохранилось изначальной живописи.
Искусство периода феодальной раздробленности В борьбе за свою независимость каждый город стремился выразить свою силу и значение в памятниках архитектуры и живописи.
В ХII веке получает распространение тип небольшого храма, который приходит на смену монументальным княжеским сооружениям, изменяется строительный материал и художественные приемы.
В первой четверти ХII века новгородские князья переселяются из Кремля и пытаются противопоставить потерянному ими Софийскому собору новые монументальные сооружения. В начале ХII века новгородский князь Мстислав построил на Торговой стороне храм Николы на Ярославском дворище ( 1113 г.). Этот собор повторял план киевских соборов конца ХI - начала ХII веков и представлял шестистолпное сооружение с пятью главами ( сейчас он имеет одну главу ). Его внешний облик отличается простотой, строгие фасады, расчлененные лопатками, украшены плоскими двухступенчатыми нишами.
В 1117 – 1119 гг. был выстроен более своеобразный собор Антониева монастыря, сильно искаженный впоследствии пристройками. Его особенностью является цилиндрическая лестничная башня у северо–западного угла и живописная ассиметричная группа из трех глав, из которых одна расположена в центре, вторая – башней, а третья над противоположным юго-запад-ным углом собора.В начале ХII века в Новгороде был основан Юрьев монастырь. В 1119 году в нем был заложен Георгиевский собор, но размером и художественным качеством занявший значительное место в Новгороде.
Этот собор был также шестистолпный, с позакомарным покрытием и хорами в западной части. Квадратная башня с западной стороны органически слита с массивной главной частью собора, завершенного тремя главами. Фасады его расчленены мощными лопатками, выражающими внутреннюю структуру сооружения. Три могучие апсиды заверщают здание с востока. Стены собора были украшены поясом двухступенчатых ниш, чередующихся с поясами окон.
Во второй половине XII в. вместо шестистолпных соборов, в Новгороде, так же как и в других русских областях, начинают строить небольшие четырехстолпные церкви, причем круг «строителей» расширяется (бояре, новгородский архиепископ и т.д.).
С конца XI в. растет новый город Владимир, ставший в XII в. политическим центром Ростово-Суздальского княжества, получившего название Владимиро-Суздальского. Первой постройкой при князе Боголюбском был Успенский собор во Владимире (1158 –1161 гг.), занимавший центральное место в городе и сгоревший в 1185 г. Собор был богато украшен иконами, церковными сосудами и тканями. Он был трехнефный, шестистолпный и имел одну главу. Храм был покрыт по закомарам, стены его были расчленены сложными пилястами (сочетание лопаток и полуколонн) с растительными капителями и опоясаны фризам из арочек и стройных полуколонок. Наружный облик Успенского собора, который был епископским храмом, отличается строгостью.
Рельефы собора выполнены с различным мастерством и в различной технике. Часть изображений сделана высоким округлым рельефом. Большинство рельефов выполнено в плоскостной, орнаментальной манере, напоминающей резьбу по дереву. Особенно характерна моделировка, выполненная на ногтеобразным или «ногтевидными» врезами (левое деление южного фасада.
К северу и югу от собора были расположены дворцовые здания из белого камня и кирпича.Замечательным сооружением времени Андрея Боголюбского была небольшая церковь на Нерли 1165 г. Церковь, стоящая на берегу реки, среди заливных лугов, окаймленных лесами, является замечательным памятником мирового зодчества. План ее типичен для второй половиныXII в. (храм – четырехстолпный, однокупольный, с тремя апсидами, покрыт по закомарам).
Монументальная живопись владимиро-суздальских храмов сохранились очень плохо. В Успенском соборе найдены не значительные фрагменты фресок (изображения святых времен Андрея Боголюбского и Всеволода.
11 Искусство Великого Новгорода (XI – XIV вв.). Храмовое зодчество и монументальная живопись. Характеристика двух памятников на выбор.
Монументальная живопись Киева представлена фресками и мозаикой. Мозаики Михайловского Златоверхого моностыря, созданные константинопольскими мастерами при участии русских во второй повине XI в., поражают изяществом пропорцией фигур, красотой колорита. В более поздние эпохи мозаика уступила место фреске, техника которой допускала большую свободу художестнных решений. Мастера древнерусской живописи были стеснены религией и строгими правилами иконографии, и все-таки они сумели в условных формах создать образы, отражающие действительность, запечатлеть идеалы своего народа.
В Киевской Руси процветало прикладное искусство. Шитье, отделка оружия и доспехов, украшение утвари, окладов книг отмечены вкусом и мастерством исполнения. Успехи прикладного искусства объясняются высоким развитием всевозможных ремесел (В Киевской Руси их было свыше 60). Среди украшенных миниатюрами рукописей примечательны«Остромирово Евангелие» (1056—1057) и «Изборник Святослава» (1073).
Совсем иным было искусство Новгорода и особенно новгородское зодчество начаала XII. В нем усиливается проявившее уже в новгородском соборе Софиии стремление к строгости и лаконизму форм. Собор Антониева монастыря (1117) и особенно суровый и мощный Георгиевский собор Юрьева монастыря (1119, мастер Петр) — характерные памятники новгородской школы. В середине второй половины XII в. культура Новгорода, ставшего в 1136 г. феодальной республикой, делается более демократичной. В художественных вкусах новгородцев проявлялась их любовь ко всему строгому, простому, но сильному, мужественному и выразительному. В XII в. многочисленные каменные храмы сооружались обычно на средства городских общин, бояр или купцов. Это небольшие одноглавые постройки кубического типа с тремя апсидами. Новгородские строители не стремились к геометрической правильности. Кривизной линий, неровностью плоскостей они подчеркивали осязаемость стен, мощь массы. Монолитные объемы их построек достигают почти скульптурной пластичности. Внутри эти храмы предельно просты. Типичные постройки такого рода — церкви Георгия в Старой Ладоге (вторая половина XII в.) и Спаса на Нередице (1198). Фресковая роспись этих церквей примечательна суровой мощью образов.Живопись в Новгороде достигла очень высокого подъема. Новгородские фрески XIV в. отличаются эмоциональной напряженностью, смелой трактовкой движения, свободой живописного исполнения. Примечательны по силе внутренней взволнованности фрески церкви Спаса на Ильине улице, выполненные обрусевшим уроженцем Византии Феофаном Греком (см. сооб. «Искусство Византии»), а также фрески церквей Федора Стратилата и Успения на Волотовом поле. Иконопись Новгорода пережила высший расцвет в XV в. Контрастное сопоставление чистых, ярких цветов, особенно красного и белого, придает колориту новгородских икон особую напряженность. Им присущи также лаконизм композиции, обобщенность и выразительность силуэтов. Иной раз в иконные композиции проникают живые реалистические сценки («Деисус с молящимися новгородцами», 1467), а в миниатюрах рукописей орнамент нередко сочетается с юмористическими и бытовыми изображениями.
12 Архитектура Московского княжества конца XIV – XVI столетия. Характеристика двух памятников на выбор.
В начале XIV века на историческую арену выдвигается новый центр объединения русских земель - Московское княжество. Большую роль в этом играет расположение Москвы на пересечении торговых и речных путей, связывающих русские земли.