Лекция. Культура восточных славян и древнерусское искусство X-XIII веков.
Лекция. Культура восточных славян и древнерусское искусство X-XIII веков.
Пилявский В. И., Тиц А.А., Ушаков Ю.С. История русской архитектуры.,Л.,1984.(Учебник).
Культура восточных славян.
Постепенный переход к оседлому образу жизни формирует самобытную художественную культуру древних славян, берущих свой исток в языческих культах и верованиях. Во главе языческого пантеона стоял земледельческий бог плодородия, бог природы, жизни, повелитель молнии и дождя – Род (он же Сварог, Святовит и т.д.) Ступенькой ниже располагались солнечные боги Даждьбог, Хорс, Ярила, а так же Перун и Велес.
«Кумиры» славян-язычников представляли собой скульптурные изображения из дерева, бронзы, глины, камня с примитивной проработкой деталей. Изваяния не имели унифицированной «иконографии». Идолы могли быть погрудными или в рост, часто изображалась одна голова на длинном древке-столпе (Збручский идол, IX-Xв., р. Збруч).
Позднее христианская церковь приспосабливалась к местным культам. Это привело к «обрусению» византийских художественных норм в зодчестве и в живописи (Перун заменен Ильей, Велес – Власием и т. д.).
Киевская Русь.
Принятие христианства в 988 году в его византийской редакции обеспечивало государству контакты с одной из самых развитых стран Европы. Важно также приобщение Руси к культуре Болгарского царства. В результате военных походов X века Русь укрепляет свое политическое положение и становится крупной торговой державой («путь из варяг в греки»). Для искусства этого времени характерно следование постепенно сложившемуся канону и имперсональность ( в отличие от западного искусства сведения об авторах произведений вплоть до XV века единичны).
Архитектура.
Первые русские церкви были деревянными и не сохранились до нашего времени. Не сохранилась и каменная трехнефная с фресковой росписью церковь Святой Богородице, построенная князем Владимиром в 989-996 годах и названная Десятинной (1/10 часть дохода князя).
Тринадцатиглавая пятинефная София Киевская построена в 1037 году при князе Ярославе Мудром. Ступенчато-пирамидальный архитектурный облик Софии и ее многоглавие – влияние на византийский стиль русского деревянного зодчества.
В XI-XII веках возводятся также храмы: трехнефный Спасо-Преображенский собор в Чернигове, 1036 г.; София Новгородская, 1045-1950 гг. при князе Владимире Ярославовиче; церковь Николы на Ярославовом дворище, 1113 г.; соборные храма Антониева (1117г.) и Юрьева (1119 г.) монастырей (с. 151 учебника).
Живопись.
Греческие мастера организовывают в Киеве мастерские по производству смальты. В Софии Киевской мозайки покрывают значимую часть храма.
В технике фресковой живописи в Великом Новгороде в первой половине XII века работали, видимо, приезжие из Киева и иноземные мастера-монументалисты, закладывая основу местной художественной школы. Новгородские художники Стефан, Микула, Радько участвовали в росписи собора Святой Софии, предпринятой в 1108 году.
Миниатюра.
Миниатюра известного Остромирова евангелия, написанного в 1056-1057 гг. дьяконом Григорием для новгородского посадника Остромира похожи на драгоценные изделия из перегородчатых эмалей искусства киевских «златокузнецов» того времени. Выдающимися произведениями новгородского книжного искусства начала XII века являются: Мстиславово евангелие, написанное по заказу сына Мономаха Мстислава до 1117 года; Юрьевское евангелие, написанное дла игумена Юрьева монастыра Кириана в 1119-1128 гг.
Скульптура и прикладное искуство.
В убранстве киевских дворцов и храмов важнейшее место занимает барельефная резьба по камню (барельефы убранства церкви Киево-Печерского монастыря). Она нашла свое дальнейшее развитие во Владимиро-Суздальской и Галицкой земле.
Ювелиры, литейщики, мастера мелкой пластики и каменного дела изготовляли: книги, украшенные растительным орнаментом; резные каменные образки, разнообразные изделия златокузнецов (подвески, диадемы, браслеты, наборные пояса, оружие, золотую и серебряную посуду).
Меры длины.
Мерная сажень – 176 см.
Малая сажень 142.5 см (тьмутараканская сажень, двойной шаг).
Большая сажень - 216 см.
Златой пояс Шимона (использовался при строительстве Успенского Собора Киево-Печерского монастыря, 1078 г.) = 4 греческим футам = ½ великой косой сажени = 123.2 см.
Косая новгородская сажень - 200.4 см.
При Петре Великом была введена трехаршинная сажень – 213 см (взамен 216, 176, 142 см). Во Франции Революция узаконила метр.
Модулор Ле Корбюзье в первой редакции без учета процесса акселерации совпадает с саженями Древней Руси – 176 и 216 см (во второй редакции – 183 и 226 см).
Лекция. Деревянная архитектура древних славян и Древнерусского государства (X-XIVвв).
История русской архитектуры. Под ред. Ю.С. Ушакова, Т.А.Славиной.. СПб.: Стройиздат,1994, 600с.
Красноречьев Л.Е., Тынтарева Л.Я. «…Как мера и красота скажут».Памятники деревянного зодчества Новгородской области.Лениздат, 1972, 96с.
Дерево, земля и глина были, по существу, единственными строительными материалами на территории Восточной Европы до конца X века. Дереву как материалу сухому и теплоемкому справедливо отдавалось предпочтение при возведении городских жилых построек до XVIII века. С IX века в городах из дерева выполнялось все, начиная от городской ограды и заканчивая мощением улиц. Но дерево имеет два отрицательных качества, не позволяющих восстановить древнейшие периоды развития деревянного зодчества – его недолговечность и горючесть. Поэтому редкие жилые дома имеют возраст свыше 100 лет, а неотапливаемые храмы – более 300 лет. Пожары ускорили замену дерева камнем в таких ответственных городских сооружениях, как городские стены, башни и храмы. Деревянные стены Новгородского детинца с земляным валом и рвом упоминаются под 1044 г., а первые сведения о каменной его ограде относятся к 1302 году. Первые данные о каменных оградах Киева датируются 1037 годом, Старой Ладоги - 1116 г., Москвы – 1367 г. Но такая замена происходит далеко не повсюду. Во многих городах деревянные стены служили вплоть до XVIII века, по несколько раз отстраиваясь после пожаров (кремль Тобольска).
Наиболее пригодными для строительства были сосна, лиственница, ель (прямизна и смолистость). Особенно ценилась мелкослойная (до 16 слоев на 1 см) «кондовая» сосна, произрастающая на сухих песчаных почвах, и лиственница, из которых рубились наиболее ответственные нижние венцы срубов. Из ели изготавливались главным образом элементы кровли (стропила). Из лиственных пород в качестве стенового материала в X-XV вв. в южных районах и для наиболее ответственных сооружений на севере применялся прямослойный дуб (Софийский собор в Новгороде – 989 г., Успенский собор в Ростове – 992., стены Московского кремля – 1339 г. и др.). Из осины, благодаря ее податливости при обработке изготавливали кровельный лемех. У осины увеличивается прочность при воздействии дождя и снега, она приобретает со временем серебристый оттенок.
Основной конструктивной формой в русском деревянном зодчестве был прямоугольный сруб (четверик). Для сплачивания горизонтальных венцов в бревнах выбирался продольный паз - первоначально в верхней, а позднее в нижней поверхности каждого бревна (для уменьшения возможности затекания воды). В углах срубов бревна соединялись с помощью врубок. Чаще всего применялась врубка с остатком («в обло») как более теплоустойчивая, реже – без остатка («в лапу», «в шап»). Дтя экономии бревен в неотапливаемых частях построек (шатры храмов, основания мельниц) делалась врубка с просветом в четверть дерева («в реж»). Пазы при рубке жилых зданий прокладывались мхом («мшились») и после конопатились. На один сруб хорошего жилого дома шло 150-170 бревен.
Длина бревен, естественно, имела определенные пределы, а потому стены зданий большей площади вместо четверика рубились шестериком, восьмериком и даже десятериком. Дальнейшее увеличение площади достигалось прирубкой дополнительных срубов (прирубов). Срубы жилых и общественных зданий чаще всего ставились на землю без фундаментов. Иногда под углы срубов и середины стен клались камни – валуны или врывались в землю «стулья» из обрезков толстых бревен.
Искусство Пскова.
В Пскове во второй половине XIII – первой половине XIV века возводились в основном оборонительные сооружения, что обусловлено политической обстановкой. Церковь Троицы (1365-67 гг.) возведена мастером Кириллом на основании рухнувшего храма XII века и до XX века она также не сохранилась.
В XV веке культовое строительство Пскова ведется с большой интенсивностью. Летописи сообщают о возведении 22 каменных церквей. К этому времени складывается характерный для Пскова тип храма – небольшое, невысокое здание сооружалось на средства уличан, отличалось асимметричностью композиции. К церкви примыкали паперти, пределы, крыльца с характерными столбами-тумбами, хозяйственные пристройки, звонница (ц. Власия на Горке, 1413г., с.90 Ис.Р.Арх.; Ц. Георгия со Взвода, 1494г. и др.)
Звонницы не представляли из себя отдельных сооружений, а надстраивались над церковью, над папертью, даже над погребами (ц. Успения в Пароменье, 1521г.).
Живопись Пскова отличается экспрессией, берущей начало в народных корнях. В немногоцветной палитре фресок преобладают темные коричневые и лиловые краски, дополненные оранжево-красными, желтыми и голубыми тонами. В XV веке в псковской иконописи как и в новгородской живописность уступает место суховатой «правильности» форм. В XV – XVI веках псковичи многое заимствуют из достижений Москвы.
Искусство Москвы.
В конце XIV- начале XVвека каменное строительство приобретает еще больший размах. Каменные церкви вырастают в Москве, Коломне, Звенигороде, Дмитрове, Можайске и относятся в основном к одному типу: одноглавого четырехстолпного храма башенной конструкции, поднятого на высоком цоколе, системой лестниц, ведущих к перспективным порталам, сложным верхом, увенчанным ярусами килевидных закомар, и вознесенном на высоком постаменте куполом (Спаский собор Андронникова монастыря, нач.XVвека; Троицкий собор Троице-Сергиевской лавры, 14222-1423, с.96-97 Ис.Р.Арх.).
Первые сведения о московских художниках относятся к 40-м годам XIV века. В 1344 году расписали Успенский собор. В 90-х годах XIV века в Москве появился Феофан Грек, но здесь уже сложились художественные традиции, позволяющие избежать художественного подражания. Феофан воспитал группу художников, стал главой художественной жизни Москвы рубежа XIV-XV веков. Все основные художественные работы проходили под его непосредственном руководством – росписи церкви Рождества Богородицы, Архангельского и Благовещенского соборов, терема Василия Дмитриевича, палат Владимира Андреевича Храброго, возможно, храмов в Коломне и Переславле-Залесском.
Наиболее достоверным творением самого Феофана Грека в Москве считается иконостас (точнее деисусный чин) Благовещенского собора начала XV века. Деисус Благовещенского собора – первый дошедший до нас деисус, где фигуры святых изображены не по пояс, а в рост (здесь начинается история «высокого иконостаса»).
Андрей Рублев(1360?-1430)родился около 1360 года. Первое упоминание о нем относится к 1405 году. Летописная запись, рассказывающая об участии Андрея Рублева в росписи Благовещенского собора, называет его «черницом» – монахом. Великокняжеский князь постригся и стал иноком, а затем старцем Спасо-Андронникова монастыря.
В 1408 году Андрей Рублев и егго многолетний соратрик Даниил Черный украсили фресками и иконами Благовещенский собор во Владимире. «Страшный суд» – это не кары возмездия, а торжество добра, апофеоз справедливости, это симфония плавных текущих ритмов и радостных красок. Роспись Успенского собора во Владимире свидетельствовала об окончательном становлении творческой индивидуальности и художественного мастерства Андрея Рублева.
В 1918 году в дворянском сарае близ Успенского собора В Звенигороде были обнаружены три иконы: «Спас», «Архангел Михаил» и «Апостол Павел», известные с тех пор под названием Звенигородского чина.
«Троица» была написана, вероятно, в самом начале 10-х годов XV века. Принято считать, что она создавалась для иконостаса Троицко-Сергиевского монастыря, но существует вероятность связи ее со Звенигородским чином. Три Ангела Рублева соединены единым ритмом, круговым движением. Развитие троичного культа на Руси было связано с деятельностью Сергия Радонежского, который создал Троице-Сергиевский монастырь «дабы взиранием на Святую Троицу побеждался страх ненавистной розни мира сего». Это тема национального единства.
Жизнь Андрея Рублева заполнена интенсивным творческим трудом. Он выполнял многочисленные заказы, украшал фресками храмы. Последние его работы – росписи Троицко-Сергиева и Спасо-Андронникова монастырей не сохранились. Деятельность Андрея Рублева отложила отпечаток на все виды художественного творчества. Среди произведений шитья очень близок ему по настроению великолепный надгробный покров Сергия Радонежского. В мелкой пластике традиции Рублева развил мастер резьбы по дереву монах Троице-Сергиевской лавры Амвросий. Стиль Андрея Рублева, линейный и колористический строй его икон и фресок определили лицо московской школы живописи.
Лекция. Искусство Руси второй половины XV – начала XVI вв.
Архитектура.
Во второй половине XV века при Иване III происходит, по существу, полная перестройка кремля. В 60-е году артель каменщиков возглавляет зодчий В.Д. Ермолин. Итальянские архитекторы во главе с Антоном Фрязином, Марко Фрязином, Пьеро Антонио Солари и Алевизом Фрязином Старым воздвигают ныне существующие башни Кремля. Работы начались в 1485 году и были закончены в 1516 году. Русь распахнула двери иностранным мастерам.
Ориентация на владимиро-суздальское наследие характерна для московского искусства XV-XVI веков. Построенный Фиораванти в 1475-1479 годах белокаменный Успенский собор во многом напоминал владимирскую святыню. Строгость и четкость здесь выдержана во всем. В 1505-1509 году Алевиз Новый перестроил Архангельский собор и декорировал его, использовав мотивы раннеренессанской ордерной архитектуры (раковины в закомарах). В 1505-1508 годах вырос столп храма-колокольни, созданной Боном Фрязином (колокольня Ивана Великого была надстроена вверх в 1600 году). Грановитая палата (получила свое название от облицовки главного фасада граненым камнем) сооружена в 1487-1491 году Марко Фрязином и Пьеро Антонио Солари. Она построена по типу трапезных монастырских палат (в 1469 году В.Д. Ермолиным создана трапезная палата Троице-Сергиевского монастыря).
Псковскими зодчими построена миниатюрная церковь Ризоположения (1484-1485) и Благовещенский собор «на сенях» великокняжеского дворца (1484-1489).
В XVI векев русском зодчестве появляются шатровые храмы – столпообразные сооружения с невиданной ранее конструкцией верха «на деревянное дело» (ц. Вознесения в Коломенском, 1530-1532 гг., построена Василием III в честь рождения долгожданного наследника, будущего грозного царя Всея Руси).
Различная высота подкупольных столпов сообщила всему облику собора Василия Блаженного черты естественного динамизма и праздничной нарядности. Восьмерик – основной мотив композиции собора. Здание первоначально имело два цвета - кирпича и белого камня Творение Бармы и постника Яковлева (существует версия, что это одно и то же лицо – архитектор Иван Яковлевич Барма) неповторимо и многолико. Облик храма менялся. В конце XVI века появились очень нарядные маковицы глав. В 70-х годах XVII века были перекрыты галереи, весь собор приобрел яркую, праздничную, многоцветную раскраску.
В конце XV – XVI веках в процессе объединения страны важнейшую роль приобрело крепостное строительство. В планировке начинает осуществляться принцип регулярности, геометрической правильности фортификационного сооружения, имевшего форму квадрата, прямоугольника или трапеции. По этому принципу построены Иван-город (1492-1496), Тульский (1514-1521), Зарайский (1531) кремли. Башни были рассчитаны на установку артиллерии.
Создавались Крупные, массивные соборы. При Борисе Годунове в зодчестве появилась тяга к изяществу, к повышенной декоративности.
Изобразительное искусство.
Во второй половине XV века ведущую роль играло «рублевское» направление в живописи, представителем которой был Дионисий (30/40-е гг.XV века – 1508). Дионисий – мирянин, видимо, знатного происхождения. Сохранившееся его творение – цикл росписей Рождественского собора Ферапонтова монастыря (1502 г.). Живописец гармонизирует легкие и радостные бирюзовые и светло-коричневые, нежно розовые и палевые, переходящие в сияющий белый и соседствующие иногда с пурпурно-вишневым и темно-коричневым. Объединенные яркой синевой лазурного фона, они создают аккорд, обладающий исключительной декоративной выразительностью. Для Дионисия характерна преувеличенная декоративность пропорций, мягкость, замедленность движений фигур.
В царствование Ивана Грозного государство непосредственно контролирует развитие искусства. Стоглавый собор 1551 года регламентирует не только взаимоотношения мастера-живописца и ученика, но и сам художественный процесс, канонизируя освещенные веками и авторитетами иконографические схемы, призывая копировать старые «греческие письма» и композиции Андрея Рублева.
В XVI веке художники чаще обращаются к сюжетам Ветхого завета, к назидательному повествованию притч, к легендарно-историческому жанру.
В 1508 году сын Дионисия Феодосий расписал Благовещенский собор в Кремле (фрески переписаны в 1566 году). В стенописи возвышается московский великокняжеский род. В живописи соборных галерей впервые на Руси встречается изображение «эллинистических» мудрецов – Аристотеля, Гомера, Плутарха, Зенона.
В 1530/50-х годах расписывается собор Новодевичьего монастыря.
В древнерусской скульптуре второй половины XV века осуществляется два направления – традиционное, ориентирующее на плоский низкий рельеф, и новое, тяготеющее к объемной и пластической трактовке фигур (конная скульптура мастерской В.Д. Ермолина, украшавшая Спасские ворота Московского Кремля).
Живопись.
В тематике изображений увеличился вес светских (исторических) сюжетов. Для образцов использовались западноевропейские гравюры. Начало XVII века ознаменовано господством двух направлений:
1.Годуновская школа (от имени основного заказчика – царя Бориса) характеризуется тяготением к повествовательности, дробности и перегруженности композиций, увлеченностью архитектурным стаффажем, ориентацией на образы далекой рублевско-дионисовской школы. Цветная палитра сдержанна, большое значение отводится рисунку.
2.Строгановская школа (большинство произведений связано с заказами купеческого рода Строгановых). Это искусство иконной миниатюры проявилось в станковой живописи камерных размеров. Тщательное, мелкое письмо, мастерство отделки деталей, виртуозная каллиграфия линий, изысканность и богатство орнаментации, полихромный колорит, важнейшей частью которого стало золото и серебро - все это компоненты художественного языка школы.
Представитель этой школы – Прокопий Чирин (икона «Никита – воин», 1593 г.) Элементы своеобразного реализма получили дальнейшее развитие у изографов оружейной палаты. Их главой являлся Симон Ушаков (1626-1686) – теоретик и практик живописи, графики и прикладного искусства. В «Троице» С. Ушакова ощутима глубина перспективы, в фигурах выявлена телесность и объемность.
Фресковая живопись в XVII веке переживала последний взлет. Стенописные работы в это время осуществлялись большими артелями (в Успенском соборе трудились в это время в общей сложности более 100 человек), члены которой имеют узкую специализацию (знаменщики, личники, доличники, златописцы, травщики, терщики красок и т.д.). В фресковой живописи этого времени почти отсутствует тектоника, соотнесение живописных поверхностей с архитектурными (например, сложные композиции часто пишутся на столбах). Масштаб изображений порой настолько измельчен, что их прочтение на расстоянии практически невозможно. Фрески необычайно декоративны, часто применяется орнамент. Известные мастера Гурий Никитин и Силы Савин в фреске «Сцены деяний пророка Елисея» смещают акцент с действий главного героя на изображение жизни вообще, здесь изображена жанровая сцена покоса и русский пейзаж.
Человек в росписях XVII века редко предстает в образе погруженного в себя философа, неподвижного созерцателя. Обычно он деятельный, он жестикулирует, торгует, воюет, жнет, пашет, ездит в каретах и верхом, плывет на корабле. Сцены многолюдны, помимо главных героев в них действуют крестьяне, воины, слуги и т.д.
В это время развивается искусство «парсун» (от лат. Parsona – личность) – портретное изображение реального исторического лица. Их содавали: Симон Ушаков, Федор Юрьев, Иван Максимов, Иван Безлин, Ерофей Елий, Лука Смольянинов; тем самым протягивая нить к портретной живописи петровского времени.
Прикладное искусство.
Главные центры – мастерские Московского Кремля (Оружейная, Золотая, Серебряная, Царицына палаты). В них работали оружейники, ювелиры, серебряники, мастера инкрустации, золотой и серебряной насечки, мастера резьбы, высокой горельефной чеканки, глухой и прозрачной финифти, черни, мастерицы плетения кружев, золотого шитья и т.д.
XVII век завершает развитие истории Древнерусского искусства.
Лекция. Искусство Руси XVIIIв.
Россия в это время интенсивно осваивает опыт западноевропейских стран, ликвидируя свое двухсот- трехсотлетнее отставание. Этот процесс шел несколькими путями: приобретением за границей готовых произведений искусства; привлечение иностранных специалистов; для подготовки отечественных кадров отправление русских людей за государственный счет за границу в качестве пенсионеров.
Центр творческих усилий сосредоточен в Петербурге (он связывает Россию с Западом). Москва более взаимодействует с провинцией. В ней остались работать старые мастера и не желающие учиться новому молодые художники. Провинция в первой четверти XVIII века испытывает слабое воздействие новшеств.
В архитектуре наиболее важной задачей становится приобщение к общим закономерностям античной, ренессансной, барочной и зародившейся во Франции архитектуре классицизма. Прямоугольные, лучевые, веерные планировки городов, соблюдение красных или «фасаднических» линий, взаимодействие несущих и несомых частей на основе классического ордера, анфиладное расположение интерьеров, сложившиеся приемы сочетания парадных и второстепенных помещений – черты, заимствованные русским зодчеством.
В первой четверти XVIII века бурно строится Петербург. На Васильевском острове было положено начало культурно-просветительскому и административному центру. Композиционным центром острова становится Петропавловская крепость.
Петропавловский собор, первоначально деревянное здание, а затем воплощенное в камне, является наиболее крупной работой Доменико Трезини (1670-1734), родившегося в Швейцарии и приглашенного в Россию из Дании. Храм – трехнефная базилика. Единый массив колокольни расчленен на ярусы – этажи. Голубая с белым цветовая гамма была новой для того времени. Здание Двенадцати коллегий спроектировано Трезини совместно с Земцовым. Важным становится введение пилястр на фасадах, которые объединяют этажи и укрупняют фасады зданий. Например, здание Кунцкамеры (арх. Г. И. Маттарнови, Н. Ф. Гебель, Г.Кьявери, М.Г. Земцов). Принципы регулярной композиции (Летний сад) получили дальнейшее развитие при создании пригородных резиденций – Петергофа, Ораниенбаума, Стрельны.
Предпринятое при непосредственном участии М. В. Ломоносова основание МГУ (1775г.), Академии художеств(1757 г.), возникновение русского театра оказали непосредственное воздействие на искусство.
К середине века смягчается противостояние древний средневековых традиций и нового в архитектуре.
Расцвет русского барокко связан с творчеством Франческо Барталомео Растрелли (1700 – 1771). Загородные построенные им резиденции Петергофа и Царского Села (Екатерининский дворец в г. Пушкин) состоят из симметричных корпусов и связующих галерей. Интерьеры украшены позолоченной резьбой и лепниной, янтарем и бронзой, узорами паркета и многоцветной живописью. Упругие побеги и раковины (рокайли) почти не оставляют свободных полей стен. Помимо сооружений дворцов и богатых частных домов Растрелли занимается крупным монастырским строительством. Начиная с 40-х гг. на смену базиликальной композиции храма приходит центрическая. В соборе Смольного монастыря Растрелли использовал принцип «золотого сечения». Архитектор придает пятиглавию этого собора небывалую компактность.
Во главе московской архитектурной школы находился Ухтомский Д. В. Многоярусная колокольня Троице-Сергиевской лавры (арх. И.Я.Шумахер, Н.Ф.Мигурин, Д. В.Ухтомский) органично вошла в ансамбль монастыря. Московская колористическая гамма чаще всего остается прежней – красно-белой , декоративному резному и лепному убранству возвращается обилие и узорная пышность.
В XVIII веке складывается искусство станковой картины. На смену обратной перспективы приходит прямая. Первые шаги становления портрета связаны с деятельностью живописной мастерской Оружейной палаты. Это создание так называемых парсун. Среди парсун выделяются два основных вида:
- портрет-тезис – наиболее архаичный, имеющий многочисленные поясняющие подписи;
- портрет-апофеоз, символизирующий ратные подвиги (портреты в рост Петра I, Шереметьева, Меньшикова).
При этом пространство парсун трактуется символически, существует нарушение масштабности. Скурпулезная передача орнамента одежды и различных деталей придает полотну повышенное декоративное звучание. Здесь в одной работе соединяются подчеркнуто выпуклое написание лица и плоскостное одежды. Образ парсуны сосредоточен на самом себе.
Как свидетельство незавершенности перехода от средневекового письма к новой живописи следы парсун можно обнаружить и в произведениях ведущих художников первой половины XVIII века И. Никитина, И. Вишнякова, А. Антропова.
Основателем новой русской живописи считают Ивана Никитина (1680-1742). Сын священника, он был певчим в патриаршем хоре, потом учителем рисования и «цифири» (арифметики) в артиллерийской школе. Заметив склонность юноши к искусству, Петр 1 определил его сначала в ученики к иностранному художнику (вероятно к Таннауеру), а в 1716 году послал вместе с его братом Романом, тоже художником, в Италию. Через четыре года художник возвращается из Флоренции зрелым мастером. Его работы: «Портрет Петра I» 1721 г., «Портрет канцлера Г. Головина» 1716 г., «Портрет напольного гетмана» 1720-е гг. Картины И. Никитина часто схожи по композиции и формату. Автора привлекает отражение характера человека. После смерти Петра I находится в оппозиции к власти. Его арестовывают, ссылают в Сибирь, в 1741 г. выходит указ о его освобождении, по дороге в Петербург художник умирает.
А. Матвеев (1701/02 – 1739), посланный учиться в Голландию, вернулся на родину уже после смерти Петра I в 1727 г. Загруженный заказами на батальные сцены, плафоны и декоративные панно для дворцов, художник, возможно, не полностью проявил свое дарование. Среди его произведений «Венера и Амур» и «Аллегория живописи» свидетельствовали о трудном освоении мифологического сюжета. “Автопортрет с женой» 1729 г. – наиболее известная работа Матвеева. Тонкое, интимное чувство впервые представлено на обозрение. Живопись богата мягкими колористическими переходами.
Живопись середины века.
Одно поколение художников сменяло другое и можно проследить непосредственную преемственность мастеров: А. Матвеев – А. Антропов – Д. Левицкий – В. Боровиковский – А. Венецианов.
А.П. Антропов (1716-1795) являлся наиболее ярким выразителем национального варианта барокко. Небольшие по формату, с довольно однообразной грузноватой посадкой фигуры, портреты Антропова перекликаются с приемами иконописания, с характерным для него контрастом объемного «личного» и плоскостного «доличного» письма («Портрет атамана Ф.И.Краснощекова» 1761г., «Портрет Т. А. Трубецкой» 1761г., «Портрет А. М. Измаиловой»).
Парадные портреты И.Я. Вишнякова напоминают искусство рококо. Мастер наделяет свои модели тонкой одухотворенностью, теплотой затаенных чувств, трогательной незащищенностью соединенной с несколько наивной торжественностью композиции («Портрет Сарры Фермор» 1749г.).
На творчество И.П. Аргунова (1729-1802) во многом повлияло его положение крепостного. Его образцами были произведения современной западноевропейской живописи (стиль рококо), работы придворного мастера Гроота, с которым он был связан ученичеством. В обширном наследии мастера преобладает полупарадный вариант портрета, обычно предполагающий поколенный срез фигуры. Значительная часть моделей – многочисленное семейство его хозяев – Шереметьевых, и их предки. Качество интимного портрета, доброжелательное приглашение к соучастию начинают проявляться и в изображении равных ему по положению и умонастроению людей («Портрет К. А. Хрипунова» 1757 г.).
Георг Гроот (1716-1749) немец по происхождению, сообщает своим произведениям привкус гротескности.
П. Ротари (1707-1762) – итальянец, снискал огромную популярность благодаря «портрету-головке». Он изображает миловидные женские модели в грациозных поворотах, то одетые в маскарадные костюмы, то скрывающие смеющиеся лица за веерами и муфточками («Головка девушки»).
Гравюра – очень важный вид искусства XVIII века. Оно доносит до зрителя живой отклик событий: извещает о крупных сухопутных и морских баталиях, великолепных фейерверках и торжественных процессиях, изображает виды городов и портреты современников.
Наиболее значительная роль в этой области принадлежит А. Ф. Зубову (1682/83 – 1749). Он изображает морские баталии и Петербург. В «Панораме Петербурга 1716г.» Зубов несколько искажает топографические особенности застройки, совмещая в пределах одной композиции наиболее выгодные ансамбли и упуская второстепенные элементы.
М.И. Махаев (1718-1770) известен серией гравюр с видами Петбурга, исполненных в 1753 году. Он использует возможности перспективы.
Гравюра является в это время своеобразным посредником между живописью и зрителем, выполняя роль репродукции.
Скульптура.
Б.К. Растрелли (1675-1744) приехал в Россию в 1716 году. Бронзовая «Статуя императрицы Анны Иоановны» – барочная скульптура, напоминающая работы Бернини.
После смерти Б.К. Растрелли в 40-50х гг. скульптура развивается в основном как монументально-декоративная, подчиненная потребностям архитектуры.
Лекция. Искусство Руси второй половины XVIIIв.
Господствующим стилем в искусствевторой половины XVIIIв. был классицизм, хотя наряду с ним существовали сентиментализм и предромантическая тенденция. В истории русского искусства классицизм оказался очень живучим стилем. В самом общем виде следует различать эпохи:
-раннего классицизма 60-е гг. – первая половина 80-х гг.;
-строгого или зрелого классицизм вторая половина 80-х гг. до 1800г.;
-позднего классицизма 1800 – 1830 гг..
Искусство классицизма основано на идеалах Просвещения, зародившегося во Франции и нашедшего в России благоприятную почву для развития, особенно во времена правления Екатерины.
Стремление к простоте, логической упорядоченности, отказ от декоративной изощренности, приверженность к анатомической правильности здорового, близкого к античному идеалу тела, возвышенная духовная интонация в портрете – характерные черты искусства.
С середины 80-х гг. в архитектуре акцент переносится с общественных зданий на создание частных дворцов, особняков, загородных усадеб. Появляются произведения, восходящие к экзотической архитектуре Востока – шинуазри (китайщина, японщина), тюркери (туретчина). Они отражают желание отойти от нормативности классицизма.
Живопись.
Ф. Рокотов (1732-1808) любит молодые модели, не отмеченные печатью официальности. Особой выразительностью обладают вытянутые «по-рокотовски» глаза («Портрет В.Е. Новосельцевой»).
Д.Г. Левицкий (1735-1822) родился на Украине в семье священника, который занимался гравированием. В 1758г. Левицкий приезжает в Петербург. В 1770г. к живописцу приходит успех за одно из произведений, экспонированных на первой выставке в России в Академии художеств. Он был удостоен звания академика. Левицкий долгое время вел портретный класс и трудился над выполнением заказов, оставив обширное наследие(«Портрет П. А. Демидова»). Выразительны портреты его смолянок – воспитанниц Смольного института в Петербурге – закрытого учебного заведения для девушек из дворянских семей.
Боровиковский В. Л. (1757-1825) родился на Украине и обучался иконописному мастерству. В 1788г. переезжает в Петербург и сближается с Львовым. В портретах Боровиковского можно найти отражение сентиментализма (получившего развитие в Англии). К 90-м гг. относится появление сравнительно узкой, но знаменательной предромантической тенденции. В портретах Левицкого взволнованность персонажей передается в поворотах головы и подвижности торса. Предромантизм отразился и в поздних скульптурах Шубина и в статуях Козловского.
Историческая живопись получила развитие в работах А.П. Лосенко («Владимир и Рогнеда»). Развивается жанровая Живопись (И. А. Ерменев «Нищие»), пейзаж (С.Ф. Щедрин изображает окрестности Петербурга – Гатчину, Павловск, Царское Село).
Архитектура.
Французский архитектор Ж.Б. Вален-Деламот (1729-1800) и русский зодчий А.Ф Кокоринов(1726- 1772) являются соавторами проекта Академии художеств (1764- 1788) в Петербурге, которое ясно воплощает черты нового стиля. Здание имеет четыре этажа, сгруппированные попарно. Оно как бы слагается из надежного основания и легкой несомой части. Орнамент – абстрактные геометрические фигуры.
Ограда Летнего сада (арх. Ю.Фельтен и П. Егоров) также геометрична, уравновешенна и спокойна.
Василий Иванович Баженов (1737/38 – 1799)не смог осуществить многие свои постройки. Он окончил Академию художеств и был послан пенсионером за границу. Приобрел европейскую известность, избран профессором Римской, членом Флорентийской и Болонской академий. Крупнейшее псевдоготическое произведение мастера - подмосковная усадьба Царицыно (1775-1785).
М.Ф. Казаков (1738 – 1812) как и В.И. Баженов являлся одним из основоположников классицизма в России. Он учился в школе Ухтомского, не прошел заграничного пенсионерства. Его работа – здание Сената в Московском Кремле (1776-1787). В 1780-90 гг. начинается новая эпоха в творчестве М.Ф. Казакова, связанная с развитием строгого классицизма (Колонный зал Благородного собрания или Дом союзов). Помимо общественных зданий, М.Ф. Казаков создает множество богатых частных домов. Он развивает два типа особняка: первый из которых ставится на красной линии, второй – относится вглубь парадного двора – курдоньера (дом Барышникова а Мясницкой улице).
И. Старов (1745-1808) – младший современник Баженова, он был более удачлив. В начале своей деятельности Старов создает ряд произведений в духе раннего классицизма (Никольское-Гагарино, Богородинск, Бобрики). Самое известное произведение – Таврический дворец в Петербурге (1783-1787). Это новый тип комфортабельного жилого дома, состоящего из главного корпуса и двух боковых флигелей.
Джакомо Кваренги (1744-1817) приехал в Россию в 1780г. Он явился выразителем строгого классицизма, поклонником римской античности и палладианства. Зодчий так же использует тип трехчастного жилого дома. Он строит здание Академии наук в Петербурге (1783-1789). В некоторых постройках, например, в Александрийском Дворце (1792-1796) тема колоннады становится доминирующей. Колонны как правило лишены канилюр и воздействуют на зрителя своей мощью.
Чарльз Камерон (1740(?)-1812) тонко чувствовал природу, поэтому его достижения сказались в основном в области загородного стро<