Denis М . Theories. Paris, 1920, p. 16. 22 страница

ТУРЕЦКИЕ ПОЛУФАЯНСЫ(см. Турции искусство) — оригинальный вид художественных изделий из керамики, в отличии от настоящего фаянса (см. итальянская майолика) имеющих темный или красного цвета черепок и расписываемых по слою белого ангоба. Расписные полуфаянсы — характерный вид мусульманского искусства Передней Азии XV-XVI вв. В 1514 г. турецкий султан Селим I захватил персидский город Тебриз, и по его велению семьсот семей мастеров фаянса были переселены в Турцию. Главным центром фаянсового производства стал г. Изник (бывшая византийская Никея), в котором первоначально выпускались изделия в «персидском стиле», но затем они стали приобретать самобытный характер. Ранний этап развития искусства турецкой керамики называют «тимуридско-иранским стилем»1. В этом стиле, помимо традиционных персидских мотивов, встречаются также арабески на бирюзовом фоне с заимствованными из китайского фарфора периода Мин так называемыми «китайскими облаками». В XVI в. все эти разнородные элементы сложились в яркий национальный стиль, в котором бесконечно варьировались сочно трактованные растительные мотивы: зубчатые листья аканта, цветы гвоздики, гиацинта, плоды граната, мака и самый популярный мотив «цветущего куста». А знаменитый ярко-красный «помидорный» цвет специального ангоба, секрет которого знали только в Изнике, придавал этому стилю уникальность. Дополнительный эффект создавала небольшая рельефность красного ангоба рядом с гравированным углубленным контуром, подчеркиваемым темной краской. Эти изделия внесли необычную «натуральную струю» в мусульманское искусство Малой Азии, бывшее дотоле довольно схематичным из-за сильного влияния Ирана. Однако, по словам А. Кубе, это был «не натурализм, а стилизация, близкая к природе»². Вторым, но не менее значимым центром керамического производства Турции был в XVI-XVII вв. сирийский г. Дамаск. В позднейшее время оригинальность художественного стиля турецких полуфаянсов была утрачена.

ТУРЕЦКИЙ СТИЛЬ —см. «тюркри».

1Миллер Ю . Художественная керамика Турции. Л.: Аврора, 1972, с. 22. ² Кубе А . История фаянса. Берлин, 1923, с. 34.

ТУРЦИИ ИСКУССТВО(от лат. Turcia от др. тюрк, turk — название народности по имени правящей династии) — историко-региональный тип искусства. В конце X в. тюркские племена, обратившиеся в ислам (см. мусульманское искусство), начали свое продвижение на запад, предводительствуемые потомками хана Сельджука, отчего их стали называть турками-сельджуками. В 1035 г. они завладели Средней Азией, в 1055г. — Месопотамией, в 1070 г. — Сирией и Палестиной. С 1299 г. турецкий султан Осман, основатель новой династии (1299-1324), по которой турки стали называться османами, или оттоманами, начал набеги на Византию. В 1453г. пал Константинополь. В 1517 г. турки захватили Египет, затем Грузию, Армению, остров Родос, Балканы и если бы не были остановлены польскими шляхтичами под стенами Вены в 1529, 1683 и 1687 гг., то, вероятно, подчинили бы себе значительную часть Европы. Время наибольшего расцвета турецкой империи Османов — XVI столетие. При султане Селиме I (1512-1529) Турция объединила под своей властью огромные территории, ассимилируя культурные достижения ближневосточных народов, а с завоеванием Египта султан принял титул халифа, наместника пророка Мухаммеда и духовного главы всех мусульман.

Искусство Турции XVI-XVII вв. носило эклектичный характер и не имело единого художественного стиля. Оно впитало в себя художественные традиции завоеванных турками стран: мусульманское искусство Египта, древние традиции персидского искусства, художественные ремесла Сирии и Византии. Значительными были влияния Китая и Индии. Это был не оригинальный, а вторичный тип искусства. Показательно, что именно этот, самый эклектичный из всех переднеазиатских «стилей», получил наибольшее распространение в Европе под наименованием «тюркри» сначала в XVIII в., а затем в период Историзма второй половины XIX столетия, главным образом в мебели и оформлении интерьера. Например, распространенная форма мягкой мебели — диван (от персидск. divan — собрание, совет) была заимствована европейцами из Турции. Ярким проявлением искусства турецких мастеров была расписная керамика, также первоначально заимствованная из Персии (см. турецкие полуфаянсы).

ТЮДОР-РЕНЕССАНС или СТИЛЬ ТЮДОРОВ(англ. Tudor-Renaissance) — стиль английского искусства в период правления короля Генриха VIII Тюдора (1520-1550), эпохи английского Возрождения, или Ренессанса, отсюда название. Это время было началом ренессанского искусства в Англии, которое еще во многом жило отраженным светом иностранных мастеров. Решающее влияние на Тюдор-Ренессанс оказывали приглашенные королем голландские и французские художники, а также итальянцы Ф. Приматиччьо и П. Торриджани, но более всего работавший в Англии в 1526-1528 и 1532-1543 гг. X. Хольбайн Младший, который стал в Лондоне придворным портретистом Генриха VIII. Так в «стиле Тюдоров» иностранные веяния — ренессансный орнамент, декоративная скульптура, фреска, гобелен — соединились с традиционной для Англии готической архитектурой, мебелью, резными дубовыми стенными панелями. Дальнейшее развитие этот стиль получил в эпоху правления королевы Елизаветы I (1558-1603, см. елизаветинский Ренессанс, елизаветинский стиль в Англии; английская готика).

«ТЮРКРИ»(франц. turcque, анг. turquerie — по-турецки, в турецком стиле) — стилизации, отражающие увлечение искусством Востока, восточной экзотикой. Поскольку из всех восточных стран в XVI-XIX вв. «ближе» всего к Европе была Турция, то и стилизации «под Восток» чаще всего ассоциировались с «турецким стилем». Впервые стиль «тюркри» получил известность в искусстве французского Рококо, наряду с шинуазери и сенжери. В. А. Моцарт одну из своих сонат ля мажор для фортепиано назвал «A la Turk» («В турецком духе»). В стиле «тюркри» работали живописцы Рококо: Ж.-Э. Лиотар, Ф. Буше, П.-С. Доманшен, Ж. Пиллеман.

Интерес к восточным мотивам, причудливым, необычным формам перенял у искусства Рококо Романтизм начала XIX в. В «турецком стиле» оформлялись интерьеры — гостиные с широкими мягкими диванами и коврами, курительные комнаты с восточными орнаментами и резной мебелью, ванные с бассейнами, напоминающие турецкие серали. Стиль «тюркри» сосуществовал с Ампиром, Бидермайером, Вторым Ампиром, вторым и третьим Рококо. Наиболее популярным он был наряду с неостилями: «мавританским», «византийским», в период Историзма конца XIX столетия. В России интересу к восточной экзотике способствовали турецкие

(1768-1774, 1787-1791 гг.) и кавказские (1831-1864 гг.) войны. В интерьерах аристократических особняков стали обязательными «восточные комнаты» с коврами и развешанной на стенах коллекцией восточного холодного и огнестрельного оружия. Все это дополнялось низкими кофейными столиками, отделанными перламутром и слоновой костью. Такие складные столики с восьмигранной столешницей и многолопастными арочками на боковых стенках изготавливались в разных странах, но назывались «турецкими». Вокруг разбрасывались шелковые с золотым шитьем подушки. Сам хозяин принимал гостей, облачившись в восточный халат, с кальяном и длинным чубуком. Довольно необычным образом стиль «тюркри» появился в авангардной русской живописи начала XX в., — в восточных стилизациях М. Ларионова, А. Лентулова, П. Кончаловского.

QQQ

У

УГЛОВАТЫЙ СТИЛЬ —см. «мягкий стиль».

УКИЁ-Э(японск. ukiyo-e — «картины повседневной жизни») — школа рисунка и гравюры на дереве Японии XVII-XIX вв., художники которой стремились к отражению эстетики городской жизни. В период правления династии Токугава (1615-1867), иначе называемом Эдо (по древнему наименованию столицы — г. Токио), времени мира и процветания после многолетних войн, особое значение стало придаваться изображению сцен обыденной, повседневной жизни. Первоначально термин «укиё-э» был связан с философией буддизма и обозначал «суетный мир», с XVII столетия он стал применяться в эстетике в смысле «изменчивый мир». Именно в это время большие расписные ширмы, предназначавшиеся для больших, парадных дворцовых залов, стали уступать место небольшим свиткам из шелка или бумаги с портретами знаменитых красавиц и гейш. Их можно было переносить с места на место и повесить в любом доме. Вошли в моду темы любования природой и изящного досуга — чаепития, музицирования, а также бытовые сюжеты. В подобном жанре прославились такие художники, как С. Харунобу и К. Утамаро. Их гравюры, рисунки тушью по шелку и бумаге отличались тончайшей пластикой линий, поэтичностью, лиризмом, изысканностью цветовых сочетаний. Основателями школы укиё-э считаются И. Матабэй и X. Моронобу. Рисунки этих художников служили основой для гравюр по дереву. Ксилография заимствовала их изобразительный стиль и сделала искусство укиё-э по-настоящему популярным. Кроме цветных гравюр Харунобу и Утамаро, в XIX столетии большой успех имели композиции К. Хокусая и А. Хиросигэ (см. также «бидзинга»; «окубиэ»; «парчовый стиль»; утагава школа).

УКРАИНСКИЕ НАРОДНЫЕ КАРТИНЫ, МАЛЁВКИ(укр. от польск. malowac — рисовать) — вид традиционного украинского народного искусства — декоративные картины на бумаге. В Украине еще в XVIII в. существовал обычай расписывать хаты внутри и снаружи яркими красками. Такие декоративные росписи, в которых изображались в основном цветы, отличались сочетанием натуральных форм и стилизации, фантастичностью композиций, обобщением рисунка и сочностью цветовых пятен. Этим ремеслом занимались преимущественно женщины. В каждой губернии и уезде были села, знаменитые росписями, имевшими свои особенности. К женщинам-мастерицам обращались друзья и соседи с просьбами расписать хаты. Но обычная крестьянка, на которой лежали заботы о семье и доме, не могла много времени отдавать искусству. Поэтому самодеятельные художницы стали выполнять картины не на стенах, а на листах бумаги небольшого размера, заготовляя их впрок в свободное от сезонных работ время. На такие картины, названные «малевками», появился большой спрос. В конце XIX столетия они в большом количестве продавались на рынке. Их можно было наклеить на стену, межоконный простенок, дверь или печь. Подменяя настенную роспись, «малёвки» постепенно утрачивали свое прямое назначение и стали рассматриваться как самостоятельные картины, приобретая все более сложный характер, но их яркая декоративность от этого не ослабла, а закрепилась в традиции. Самым известным центром изготовления народных картин стало украинское село Петриковка, отчего и росписи иногда называют «петриковскими» (сравн. «казацкие портреты»; русский лубок).

УКРАИНСКОЕ БАРОККО(см. Барокко) — историко-региональный художественный стиль Южной и Западной Украины конца XVII-XVIII вв. Возник в результате соединения традиций украинского народного искусства и западноевропейского католического Барокко. После Люблинской (1569) и Брестской (1596) церковных уний, несмотря на противодействие православной церкви, по заказам польско-католической шляхты в Галиции, Беларуси и Украине работало множество западноевропейских мастеров. История сохранила имена зодчих: Пьетро из Барбоне, Павел из Рима, Амброджьо из Бель Телина. Памятники архитектуры итальянского ренессансного и барочного стиля наиболее полно сохранились в г. Львове, однако чаще они сочетались с переработанными в местном народном стиле европейскими элементами. Этот стиль тяготел к нарядной орнаментальности и красочности. В середине XVII в. в новом барочном стиле был создан резной иконостас Софийского собора в Киеве. В XVII-XVIII вв. сильные западные влияния испытали украинская иконопись и традиционный жанр украинских народных картин. В них стала ощущаться новая культура формы, тональная моделировка, использование перспективы и светотени. Вместе с тем, в отличие от западноевропейского, украинское барокко исходило из иных национальных корней. Ему было чуждо стремление поражать размерами и динамикой огромных масс архитектурных сооружений, в в нем было больше теплоты, красочности, камерности. После пожара 1718 г. в Киево-Печерской лавре начались строительные работы, в которых в полной мере проявился новый стиль. В 1731 г. в Киев приехал архитектор немецкого барокко И.-Г. Шеделъ, строивший ранее в Петербурге и Москве. В 1744-1748 гг. он руководил перестройкой колокольни Софийского собора, стены которой украсились затейливой лепкой растительного орнамента. Эту работу выполнили украинские мастера. Шедель построил также знаменитые Ворота (Браму Заборовского, 1746), в которых соединились мотивы западноевропейского Барокко и украинской народной орнаментики. Главная отличительная черта украинского барокко: яркий цветной фон стен, как правило синий или голубой, покрытых сплошным ковром мелкого растительного орнамента, состоящего из стилизованных завитков и натуралистических элементов. Все это создавало праздничное, нарядное впечатление. По определению И. Грабаря, украинское барокко отличает «провинциальная шумливая торжественность, как-то не идущая к его кустарно-пряничному характеру» 1. Г. Лукомский также писал об этом стиле: «полное отсутствие общего архитектонического замысла... зодчество — в «постройке украшения», а не в «украшении постройки». В этом расписном прянике — зодчества нет; это ско-

1Грабарь И. О русской архитектуре. М.: Наука, 1969, с. 50.

рее... ларец, резная рама, но увеличенная до грандиозных размеров» ². В стиле украинского барокко даже традиционные элементы — пилястры, фронтоны, вместе с орнаментом создавали общее ажурное кружево, как бы наложенное на плоскость стены. В силу этой главной особенности, не имеющей ничего общего с западноевропейским Барокко, правильно говорить и писать не «Барокко Украины», а «украинское барокко».

В середине XVIII в. украинское барокко утратило свой оригинальный характер, уступив место «типично растреллиевскому стилю», что хорошо видно на примере Андреевского собора в Киеве, построенного в 1748-1762 гг. И. Мичуриным по проекту Ф. Б. Растрелли. В искусстве гравюры стиль украинского барокко представляла школа А. Тарасевича. В целом украинское барокко было архаичным и консервативным стилем и в этом было схожим с «голицынским» и «нарышкинским барокко» и отличным от прогрессивного «петровского барокко» Северной Пальмиры.

«УКРАШЕННЫЙ», ИЛИ «ДЕКОРАТИВНЫЙ», СТИЛЬ— второй этап развития английской готики (1272-1349), характеризуемый затейливым сплетением стрельчатых арок и узором нервюр сводов соборов: сетчатым, звездчатым, веерообразным, имевшим не конструктивное, а чисто декоративное значение (сравн. «пламенеющая готика»).

УЛЬТРАБАРОККО(от лат. ultra — более, сверх и см. Барокко) — региональный вариант испанского католического Барокко, получивший развитие также в Мексике, где он приобрел оригинальные черты. Фасады католических испанских церквей, резные запрестольные украшения — ретабло, декоративная скульптура отличались максимальной насыщенностью декора, позолоты, ярких красок. Все это производило впечатление чрезвычайной роскоши и изобилия, отсюда название стиля.

УМБРИЙСКАЯ ШК.ОЛА(итал. Umbria от лат. Umbri, греч. Ombrikoi — древняя область Средней Италии по названию племени умбров). Умбрия — одна из самых

² Лукомский Г . Украинское барокко. СПб., 1911, с. 8.

красивых областей Италии, родина школы глубоко религиозной, поэтической, мечтательной живописи. «Умбрийская красота и грация» стали нарицательными в искусстве Итальянского Возрождения. И это в ее столице г. Перудже — «самом кровавом городе Италии». «Умбрийская живопись... кажется провинциальной; она не более чем ответвление сьенского искусства, за быстрыми шагами которого она семенила робкой походкой... И все же Умбрия, в противоположность гордой Сьене, была доступна чужеземным влияниям... А связь с Флоренцией, прямая и косвенная, дала возможность умбрийской школе не только достичь высокого расцвета, но и послужить на пользу всему искусству Ренессанса, потому что она сделала для него то, что Сьена для средних веков... она сохранила в какой-то мере дилетантский характер, не обладая чувством формы, мало интересуясь движением... но... насытила новым смыслом и содержанием великие темы...» 1.

По одной из версий умбрийская школа живописи складывалась в провинциальном городке Монте-Фалько, где в 1450 г. флорентийский художник Б. Гоццоли писал свои знаменитые фрески, оказавшие сильное влияние на местных художников. Наиболее известными мастерами умбрийской школы были Мелоццо да Форли, Джентиле да Фабриано, Никколо да Фолиньо, Б. Пинтуриккьо и Перуджино — создатель совершенно особого стиля изображения мечтательно-задумчивых мадонн на фоне тихого умбрийского пейзажа. Сам Перуджино попал в плен так удачно найденного им стиля и варьировал до бесконечности свои композиции, приносившие ему славу и успех. С годами ограниченность «умбрийского стиля», олицетворением которого были мадонны Перуджино, стала очевидной. Но его великий ученик Рафаэль, оттолкнувшись от достижений своего учителя, уже в первых юношеских произведениях пошел дальше и своими открытиями определил позднее особенности римской школы. Поэтичным кажется и совпадение близких по звучанию слов: «Umbria» и «umbra» (лат. тень).

УНОВИС— «Утвердители нового искусства» — объединение русских художников

1Беренсон Б. Живописцы Итальянского Возрождения. М.: Искусство, 1965, с. 126-127.

революционного авангарда, пытавшихся соединить идеи абстрактного и пролетарского производственного искусства. Объединение возникло в 1919-1920 гг. под председательством К. Малевича на базе художественной школы г. Витебска, руководимой в то время М. Шагалом. В него входили: Л. Лисицкий, В. Ермолаева, Н. Коган, А. Лепорская, В. Стерлигов, Н. Суетин, Л. Хидекель, И. Чашник, Л. Юдин. Группы УНОВИСа были созданы также в Москве, Петрограде, Саратове, Перми, Самаре, Одессе, Смоленске. «Утвердители нового искусства» стремились средствами супрематизма творить «новые аспекты самой жизни». УНОВИС представлял собой не столько художественное объединение, сколько воинственную и крайне политизированную организацию. Уновисовцы считали себя «партийцами» и проводили работу по «десанту» супрематических форм. Взамен индивидуального творчества предлагалось коллективное под общим именем УНОВИС. Это была организация-коммуна, проповедовавшая «коммунистическое творчество», и противопоставлявшая его индивидуалистам — «староваторам». Филиалы УНОВИСа должны были возникнуть не только в России, но и по всему миру.

С 1923 г. деятельность УНОВИСа продолжалась в Петрограде в организованном Малевичем ГИНХУКе. Объединение прекратило свое существование в 1932 г. в связи с закрытием ГИНХУКа (см. ИН-ХУК).

УРАЛЬСКОЕ КАМНЕРЕЗНОЕ ИСКУССТВО— уникальный вид русского декоративного искусства. Начиная с XVII столетия, русские «рудознатцы» открывали на склонах Уральских гор богатейшие в мире залежи цветных полудрагоценных камней: агатов, сердоликов, халцедонов, яшм. Около 1635 г. был обнаружен самый знаменитый из уральских камней — малахит. Разнообразие декоративных свойств уральских камней способствовало формированию в России в начале XVIII в. высокой культуры обработки камня. Особой любовью пользовались у камнерезов изумрудный малахит, розовый родонит и синий лазурит. Из них изготавливалась облицовка интерьеров дворцов и храмов Петербурга, огромные декоративные вазы из цельных кусков камня, настольные украшения-обелиски, корпуса часов, мелкие изделия вплоть до табакерок и пуговиц. В 1725 г. была основана гранильная фабрика в Петергофе, в 1726 г. — в Екатеринбурге, в 1802 г. — в Колывани, на Алтае. С ними успешно конкурировали и уральские заводы. Монументально-декоративные вазы изготавливались на Урале с 1782 г.

Художественный стиль уральских изделий сформировался в период екатерининского классицизма. Рисунки выполнялись столичными архитекторами, а конкретные детали, в зависимости от особенностей текстуры камня, определялись самими мастерами-резчиками. При этом решались две основные задачи: создание единого стиля классицистических форм и выявление красоты материала, что и определило уникальный характер уральских изделий. Всем уральским монументальным вазам присуща удивительная чистота формы. Многие из них напоминают античные: амфоры, кратеры, килики. Русскими мастерами был изобретен способ оклейки каменных изделий с криволинейными поверхностями тонкими пластинами цветного камня. В начале XIX в. этот способ, называвшийся «русской мозаикой», применялся для облицовки круглых колонн в парадных интерьерах Петербурга. В это же время стала вводиться бронзовая монтировка декоративных ваз. Контраст текстуры цветного полированного камня и вызолоченных бронзовых деталей: ручек, крышек, накладных фигур — делал их еще более парадными. Это уже был Ампир\ Мотивы бронзового декора также брались из ампирной орнаментики: львиные лапы, грифоны, сфинксы. Выдающиеся произведения в этом виде искусства создали архитекторы А. Мельников, А. Воронихин, Дж. Кваренги, К. Росси. Скульптор И. Прокофьев, возможно под влиянием произведений П.-Ф. Томира, эффектно применял сочетание темной, патинированной и золоченой бронзы.

УТАГАВА ШКОЛА(японск. utagawa) — школа классической японской гравюры на дереве конца XVIII — начала XIX вв., существовавшая в рамках школы укиё-э. Основана живописцем и гравером Тойохару Первым, принявшим имя Утагава. Следующее поколение художников школы ута-гава развивало традиции национального пейзажа с использованием элементов западноевропейской перспективы. Среди них выделяются Куниёси Утагава и Хиросигэ, также иногда выступавший под именем Утагава.

утрехтские караваджисты — см. караваджисты.

УФФИЦИ ГАЛЕРЕЯ(итал. Uffizi от ufficio — учреждение, канцелярия) — одна из самых известных картинных галерей мира, находящаяся в Италии, в г. Флоренции. Размещается в корпусе дворца флорентийского герцога Козимо I, построенном Дж. Вазари в 1560-1570-х гг., где ранее находились канцелярия и архив. В 1581 г. в здании был открыт художественный музей. В галерее Уффици собраны памятники античности и среди них знаменитая «Венера Медичейская», но главным образом картины, гравюры и рисунки художников Итальянского Возрождения: Джотто, Чимабуэ, Дуччьо, С. Мартини, П. Уччелло, Пьеро делла Франческа, Ф. Липпи, А. Мантенья, С. Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланжело, Рафаэля. Галерея Уффици крытым переходом связана с музеем Питти.

У-ЦАЙ(китайск. u-ts'ai — пятицветный) — стиль росписи китайского фарфора «зеленого семейства», в котором, кроме зеленой глазури, использовались также красная, лиловая, желтая, синяя и черная краски. Пятицветный стиль росписи появился в эпоху Мин (1368-1644) и приобрел классическое значение в XVIII в. (сравн. сань-цай).

QQQ

Ф

ФАБЕРЖЕ(Faberge) — знаменитая петербургская ювелирная фирма по имени ее основателей и владельцев. Основатель фирмы Густав Фаберже (1814-1893, первоначально: Faberg) происходил из семьи французских гугенотов, эмигрировавшей в Германию после отмены Нантского эдикта в 1685 г. Его отец выехал из г. Штеттина в Россию в 1800 г. Ювелирному делу Густав учился в Петербурге. В 1842 г. открыл на Большой Морской улице в Петербурге ювелирный магазин. Его сын Карл Фаберже (1846-1920) получил широкое художественное образование. Работал в Дрездене, Франкфурте-на-Майне, Англии, Италии, изучал ювелирное искусство венецианцев, саксонских камнерезов и французских эмальеров. Заканчивал обучение в коммер-. ческом коллеже в Париже, Лувре и Версале. В 1870 г., возвратившись в Петербург, возглавил отцовское дело. Карл Фаберже собрал лучших художников, в том числе выпускников Центрального Училища технического рисования барона Штиглица, и платил им большие деньги, чтобы всегда иметь под рукой рисунки, которых нет у других. В фирме работали замечательные мастера-исполнители: М. Перхин, А. Холъмстрём, Ю. Раппопорт, Э. Колин, В. Аарно, X. Вигстрём, Э. Шрамм, В. Афанасьев и многие другие. Художники и мастера собирались вместе для обсуждения проектов и тонкостей технологического процесса.

С 1882 г. в фирме начал работать брат Карла Агафон Фаберже (1862-1895), ставший вскоре и главным художником. С помощью мастеров-ювелиров Э. Колина и М. Перхина Агафону Фаберже удалось найти новый, изысканный, с классическими реминисценциями, стиль, придавший отличительные черты лучшим изделиям «Дома Фаберже». Основным учителем мастеров фирмы стал Петербургский Эрмитаж. Многие классические изделия, например древнегреческое и скифское золото, вначале просто копировались, а затем служили основой оригинальных композиций. В 1880-1890-х гг. фирма пережила сильное влияние европейского стиля Второго Ампира, затем третьего рококо и «неоренессанса». В 1885 г. К. Фаберже получил звание ювелира его Величества Императорского двора с правом включения двуглавого орла в свой фирменный знак и с тех пор выполнял заказы императорской семьи. После кончины Агафона Фаберже в 1895г. главным художником стал швейцарец Ф. Бирбаум, сыгравший выдающуюся роль в переориентации фирмы на стиль Ар Нуво. В 1895-1903 гг. значительный вклад в художественные достижения фирмы внес М. Перхин. После кончины Перхина его мастерскую возглавил X. Вигстрём. В 1903-1917 гг. стиль изделий «Фаберже», как бы предвосхищая французское Ар Деко, стал более строгим и геометричным. В мастерских Фаберже все вещи выполнялись только в одном экземпляре, а если заказчик настаивал на повторении, то вносились изменения таким образом, чтобы каждое изделие оставалось оригинальным. Предметы, не отвечавшие высоким критериям фирмы, безжалостно уничтожались или продавались без клейма.

Изделия Фаберже появились в пору разочарованности, растерянности, усталости от «бесстилья», но и наибольшей восприимчивости петербургской публики к новизне, изысканности и блеску. До этого в ювелирном искусстве преобладали вещи, рассчитанные лишь на внешний эффект крупных бриллиантов в дешевой оправе. Карл Фаберже попытался доказать, что ценность каждой вещи заключается во вложенном в нее мастерстве и таланте исполнителя. Поэтому самые дорогие материалы у Фаберже казались еще дороже от искусства мастеров. Это стало правилом. Художники фирмы как бы соревновались с дороговизной материала. Чем выше была его цена, тем больше должно было быть фантазии и таланта. Не все произведения отвечали высокому вкусу, иногда они были эклектичны, отражая дух своего времени. Но среди них нет ни одного, отличающегося слабостью или небрежностью исполнения. Они представляют собой вершину технического мастерства ювелиров, камнерезов, эмальеров и золотых дел мастеров за всю историю этих видов искусства.

Фаберже не останавливался на достигнутом, в каждом новом изделии он старался превзойти предыдущее по изобретательности, остроумию замысла, качеству исполнения. Поэтому можно сказать, что «стиль Фаберже» состоит не в следовании каким-либо канонам, а в глубоком понимании свойств материала, его одухотворении, раскрытии возможностей ювелирного искусства, приемы которого накапливались веками. Эти устремления совпали с духом времени на рубеже двух веков.

Одним из постоянных видов изделий фирмы были миниатюрные копии известных произведений искусства, например царских регалий, выполненные из драгоценных материалов. Фирма прославилась возрождением средневековой техники прозрачной эмали «гильоше» 1. Она была изобретена древними кельтами, а затем усовершенствована византийцами и заключалась в том, что серебряная или золотая основа с гравированным рисунком покрывалась прозрачной эмалью, создававшей иллюзию глубины и тончайшие переливы цвета и света. Мастера Фаберже стали применять в этой технике машинную гравировку «лучами», «муаром» или «волной» и широкую цветовую палитру эмалей: голубых, ярко-красных, нежно-розовых, палевых, серебристых. После покрытия эмаль тщательно полировалась, что создавало игру световых лучей, выявлявших рисунок лишь под определенным углом зрения. Фирма выпускала также множество утилитарных вещей: рамки для фотографий, часы, пеналы, портсигары, бонбоньерки, флаконы для духов, набалдашники для тростей и пр. Широко использовалось серебро, бриллианты, рубины, сапфиры в сочетании с полудрагоценными камнями: нефритом, агатом и особенно любимым художниками Фаберже бледно-зеленым халцедоном. Драгоценные материалы смело соединялись с деревом, сталью, стеклом. Под влиянием японских нэцкэ², большой коллекцией которых владел К. Фаберже,

¹ Нем. Gelioschier; лат. gelare — застывать, замораживать — название возникло, вероятно, по ассоциации прозрачной эмали со льдом. Возможно также связано с греч. helios — солнце, сияние.

² Японск. netske — брелок, подвеска на поясе традиционного японского костюма, обычно выполнявшаяся в виде миниатюрной фигурки человека или животного в яркой гротескной форме.

художники фирмы изготавливали замечательные фигурки из твердых пород камней, причем камни разного цвета и текстуры часто склеивались между собой. Особенно характерны были фигурки зверей: слонов, змей, утят, зайцев, медведей. Они носили не натуралистичный, а яркий, гротескный характер.

Подлинным открытием фирмы были сувенирные пасхальные яйца — традиционный русский подарок на Пасху. Первое такое яйцо из драгоценных материалов было заказано в 1885 г. Александром III для подарка своей супруге, императрице Марии Федоровне. В дальнейшем мастера фирмы исполняли подобные сувениры ежегодно. Условие было одно: яйцеобразная форма, сюрприз внутри, о котором никто не должен знать, даже император, и невозможность повторений. Всего таких сувениров фирма изготовила пятьдесят четыре, из них сохранились сорок пять. Известна фотография еще одного, пять — только по описаниям. Большинство из них было распродано после революции, лишь десять осталось в Оружейной палате в Москве.