Роль изобразительных видов искусства в эстетической организации среды

Вопрос 1

Дизайн: понятие и феномен

Дизайн (от анг. – проектирование, определение функции предмета, от латин. - определять назначение, обозначать) – творческий метод и процесс функционального формообразования, а также область профессиональной деятельности по проектированию промышленных изделий, мебели, инструментов, машин, организации предметной среды, проектная деятельность по разработке промышленных изделий с высокими потребительскими свойствами и эстетическими качествами , деятельность по формированию гармоничной предметной среды жилой, производственной и социально – культурной сфер.

Дизайн возник в результате вытеснения традиционного ремесла машинным производством. Появилась новая разновидность профессиональной деятельности, сводящаяся к проектированию на бумаге или созданию модели будущего изделия без участия человека в обработке материала. Этот процесс стал отчетливо проявляться в середине 19 века в самой передовой стране того времени – Англии. Но термин возник еще ранее: в 1826 году Американская академия изящных искусств была реорганизована и переименована в Национальную академию дизайна. В 1949 году в Лондоне стал выходить специальный журнал. Проблемы отношений традиционного художественного творчества, эстетики, техники, науки стали особенно интенсивно обсуждаться после проведения Всемирной выставки в Лондоне (1851) и организации Южно – Кенсингтонского музея. Предметом профессиональной деятельности дизайнера, в отличие от художественного творчества, стала техническая эстетика, а в способе мышления интегрировались приемы инженерного конструирования и эстетического формообразования. Суть творческого метода заключалась в поиске путей наиболее удобной, рациональной, экономичной, отвечающей данной функции формы. Польза и красота, согласно дизайнерской концепции, неразрывны и обусловливают друг друга. Отсюда следует главный принцип формообразования: функция – конструкция – эстетическая форма (качество). Последнее подразумевает, что в результате функционально – конструктивного формообразования обязательно повышается качество продукции (экономичность и внешняя привлекательность). Нетрудно заметить, что этот принцип является перефразировкой классической триады Витрувия (польза – прочность – красота) и дальнейшее выражение идей рациональной архитектуры. Дизайнерская аксиома предполагает, что определенному содержанию (функция предмета) всегда соответствует единственная наиболее рациональная форма, которую и следует отыскать. Но то, что подходит для проектирования молотка или кастрюли, не согласуется с формированием более сложных предметов – например, радиоприемника, который может принять любую форму и ни одна из них не будет оптимальной. Это привело к возникновению рядом с «классическим», или «объективным», новых течений дизайна («аллегорического», «экспрессивного»), позволяющих заниматься предметной мифологией, стилизацией. Классическое направление стало называться «промышленным дизайном», а новое – концептуальным, программным дизайном. Стимулом для развития промышленного дизайна стал экономический кризис – Великая депрессия 1930 – х годов в США. В условиях обострившейся конкуренции при равных экономических показателях единственным средством повышения покупательской способности и конкурентности товаров стал их внешний вид. Позднее дизайнерское проектирование осуществляется человеком, совмещающим в себе навыки художника и инженера, было осознано и в качестве регулятора общественных отношений. Профессия дизайнера эволюционировала от «кустарного» проектирования отдельных предметов к гармонизации среды, отношений отчужденности от природы человека с миром вещей. Если суть «классического дизайна» выражена в знаменитых формулах Ле Корбюзье: «стул – это аппарат для сидения, дом – машина для жилья», то пафос «концептуального» дизайна заключался в раскрытии новых, неожиданных аспектов материальной действительности. В Баухаузе В. Гропиус пытался совместить творчество в производственных мастерских», навыки работы в материале с отвлеченными социальными и художественными идеями абстрактивистов. С разгромом в 1933 году Баухауза была похоронена и концепция социального проектирования, о которой мечтали, каждый по – своему, У. Моррис, Г. Земпер, В. Гропиус. В США с 1950 –х гг. интенсивно развивался «коммерческий» дизайн поставленный на службу извлечения максимальной экономической прибыли. В 1970 – 1980 х гг. разрабатывались концепции футурологического проектирования идей. Дизайн понимается как некая универсальная интеллектуальная деятельность, включающее в себя и гибнущее традиционное художественное творчество. В советской России в 1920 –х годах перед дизайнерами была поставлена цель внедрить эстетику в производство, восстановить связь между искусством и нарождающейся промышленностью. Теоретиков со временем перестала удовлетворять как обезличенная стандартизированная форма «объективного» дизайна, где все от начала до конца изготавливается на конвейере, так и отождествления дизайна с любой творческой деятельностью. Поэтому в 1970 – х г. Сложилась «культурологическая» концепция. Согласно этой концепции, в отличие от традиционного художественного творчества, дизайн возникает из стремления человека найти опору не в метафизических идеях (идеале прекрасного), а в материальной действительности путем «продолжения себя в вещах». Человек создает вещь, а окружающие предметы оформляют его жизнь, бытие среди вещей. Дизайнер не создает нового содержания, а организует пространство, среду, в которой может быть помещено содержание иных типов творческой деятельности человека – научной, технической, художественной. Дизайн создает место, формирует условия для появления «уместных вещей». В этом заключается главное отличие его профессии как от работы ремесленника, повторяющего образцы, так и от работы художника, придающего новый образный стиль вещам. В 1968 году американский теоретик Х. Саймон дал следующую формулировку: «Дизайн - это определение порядка действий, имеющее целью изменение существующей ситуаций в предпочтительные». Деятельность профессионального дизайнера возможна только в условиях технической цивилизации. Подобный подход к творчеству был подготовлен искусством модернизма.

Сегодня, в начале 21 века, ясно, что дизайн – это искусство.

Начавшись как узкая, но самостоятельная часть процесса производства нужных людям вещей, где «полезность» вещи обязательно включала его «красоту», дизайн за 100 лет своего существования перерос в идеологию целенаправленного преобразования присущей человеку жажды прекрасного в технологию внедрения прекрасного во все стороны нашей жизни. Лозунг «полезное должно быть прекрасным»,выдвинутый дизайном на заре своего становления, сменился убеждением: «прекрасное и есть полезное».Сегодня трудно представитькакую – либо сферу человеческой деятельности, в которой бы не трудился бы дизайнер.

Дизайн создает привлекательную и комфортную для человека среду, облегчая человеку работу и быт, воспитывает его эстетический вкус, ориентируясь на новейшие научно – технические достижения, технологии и материалы, самые современные веяния моды, самые изысканные запросы потребителей.

Дизайн, как явление общественной жизни, буквально пронизал все сферы человеческого творчества, перерастая сегодня в еще более общую категорию – «проектная культура». В пределах этого явления традиционные художественно – промышленные профессии – гончары, мебельщики, сапожники, ювелиры – превратились в относительно обособленный отряд «прикладников», поддерживающих главную силу – художников – модельеров промышленного и графических цехов. Более того, дизайнерами стали и всегда считавшиеся самостоятельными зодчие. Появилась и новая профессия – дизайн среды.

Декоративно – прикладное искусство уступило позиции новым проектным структурам развивающегося общества, поскольку значимость до поры скрытых в произведениях и идеях прикладного искусства идейно – общественных взаимоотношений человека и его среды обрела свои истинные масштабы.

1 причина этого явления – трансформация ролей, традиционных для «чистого» искусства. Многие художники 20 века отказались от фигуративного «реализма», перешли в сферу узко специализированного мастерства (гармонизация формы, колористические изыскания, выразительность фактуры и т.п.)

2 причина – связанное с промышленной революцией становление дизайна. Машинные методы труда заставили художников отойти от прямого ручного формирования вещей и изделий. Главная доля проектной работы переносилась на создание эскизов, чертежей, технических условий. Художники и производственники стали концентрировать усилия каждый на своем поле. Вещи, созданные дизайнерами, стали формировать мир по законам своей красоты. Это мир средового искусства. Искусства, не боящегося вступать в творческий контакт с архитектурным пространством.

3 причина – изменение самого человека, ставшего более мобильным и восприимчивым к смене мод, концепций, символов.

Другими словами, расширение сферы дизайна в нашем мире - продукт сложнейшего переплетения многих факторов, и не последний из них – убедительность концептуальной базы проектного дела

В 1969 году ИКСИД (Международный совет организации по художественному конструированию) принял развернутое определение «промышленного дизайна». Отмечалось, что «… дизайн является творческой деятельностью, цель которой - определение формальных качеств предметов, производимых промышленностью», что «эти качества формы относятся не только к внешнему виду, но главным образом к структурным и функциональным связям, которые превращают систему в целостное единство». И, наконец, что «дизайн стремится охватить все аспекты окружающей среды»

Понятие «графический дизайн» включает художественно – проектную деятельность, в основе которой – графическое изображение, рисунок, чертеж, помогающий наглядно представить смысл того или иного высказывания события или указания. Наибольшее распространение получил промышленный дизайн, связанный с повышением потребительских свойств, промышленных изделий, с формированием окружающей человека среды.

Архитектурный дизайн – особый раздел проектирования, который сегодня многие исследователи выделяют в рамках архитектуры, общей целью которой является организация материально - пространственных условий жизни человека и общества.

Набирающий все большую силу процесс насыщения всех видов архитектурно – пространственных ситуаций разного рода оборудованием привел к образованию новой интегральной формы проектной деятельности – дизайну среды.

Каждая из базовых форм дизайна обладает своим спектром функционального приложения. «Графический дизайн» направлен на решение задач, связанных с визуальными коммуникациями и так называемым фирменным стилем, «промышленный дизайн» сосредоточен на проектировании массовой промышленной продукции, которая должна отвечать требованиям целесообразности и художественной выразительности. Архитектурный дизайн ограничен задачами материализации пространственных запросов жизни. Что касается дизайна, то он призван соединить – синтезировать – всю палитру возможностей конкретных видов дизайнерского проектирования.

Вопрос 2

Роль изобразительных видов искусства в эстетической организации среды

Изобразительное искусство представляет произведения, в которых на плоскости или в пространстве создаются наглядные или осязаемые изображения действительности. К видам изобразительного искусства относятся живопись, графика, скульптура. Все они имеют предметную форму и видимый образ окружающего мира.

Роль изобразительных видов искусств как станковых, так и монументальных в эстетической организации среды огромна. Трудно представить себе эстетически организованные интерьеры общественных и жилых зданий прошлого и настоящего без картин, гравюр или скульптуры. В Голландии в 17 веке оригинальные произведения живописи в интерьерах домов могли позволить себе даже крестьяне и горожане, а не только зажиточные бюргеры. Желание иметь графическую копию живописного произведения известного мастера вызвало к жизни репродукционную гравюру. По сей день произведения изобразительного искусства формируют наше сознание, вкус, органически входят в наше жизненное пространство.

Однако ведущую роль в эстетической организации среды играет не станковое, а монументальное и монументально – декоративное искусство. Оно тесно привязано к архитектуре, составляет зрительное единство с интерьером или внешним обликом здания, включается в пространство улицы, площади, парка, окружающей природы. Виды монументального искусства чрезвычайно разнообразны. Помимо монументальной скульптуры, к нему относятся и разные формы настенной живописи, витражи, мозаики, сграффито, мозаики, живопись по стеклу, подкрашенные настенные рельефы, инкрустированные из различных пород дерева или поделочных камней панно и орнаменты все эти и многие другие виды монументального оформления и декорирования зданий были известны с далеких времен.

Первыми настенными росписями можно считать живописные изображения на стенах пещер. Рисунки животных в Альтамирской пещере (Испания) поражают мастерством, точностью рисунка. В Древнем Египте храмы и дворцы являли совершенные образы монументального искусства, по сей день восхищая нас гармонией цвета, органической связью с архитектурой – пространством гробницы или храма. В древнем Египте были выработаны принципы всего дальнейшего развития стенной живописи. Большинство выполнялось по сухой штукатурке темперой. Краски были минеральными. Подобные натуральные краски (белая из известняка, красная и желтая из земли красных и желтых оттенков, черная из сажи, зеленая из тертого малахита, синяя из кобальта, меди, тертого лазурита и т.п.) использовались многие века, вплоть до появления химических. Впрочем, многие современные храмовые живописцы, пользуются до сих пор минеральными красками.

Монументальные росписи Древней Греции до нас не дошли, зато сохранились произведения монументально – декоративной и монументальной скульптуры, свидетельствующие об активном использовании древними греками всех выразительных и пластических свойств этого вида искусства. О настенной живописи греков можно составить представление по вазописи. Хорошо сохранились фрески и мозаики Геркуланума, Помпей и Стабии – городов, сохранивших свои памятники из – за того, что в 79 году они были засыпаны пеплом Везувия. Неотъемлемой частью декорации римского дома были мозаичные полы в виде орнаментов или многофигурных композиций, «обманок». Древнейшие античные росписи сохранились в этрусских гробницах, в архитектурных памятниках римских провинций. Без скульптурного оформления невозможно представить мемориальные, храмовые и общественные сооружения древнего Рима: форумы, триумфальные арки, алтари.

Монументальное искусство христиан зародилось в катакомбах. Когда же христианство в Римской империи стало дозволенным и начали сооружаться храмы, росписи и мозаики приобрели особое значение. Скульптура, вызывавшая ассоциации с языческим культом, долгое время ( за редким исключением) не получала развития (до Оттоновской Германии, романского периода) В средние века в Европе монументальные формы искусства стали обязательной принадлежностью церковной архитектуры, стали частью великолепно решенного синтеза. В готических соборах Франции, Германии, Чехии, Италии и др. преобладала монументально – декоративная скульптура. Она декорировала как интерьеры, так и экстерьеры. Большое значение приобрели витражи, создающие особое эмоционально – возвышенное настроение.

Необычайно высокого расцвета достигла монументальная живопись и скульптура в эпоху Возрождения в Италии. Помимо искусства, связанного непосредственно со зданием, появляются отдельно стоящие статуи и скульптурные группы, формирующие пространство вокруг себя, участвующие в решении градостроительных задач. Эта тенденция сохранится и в последующие века. Особого расцвета синтез архитектуры, скульптуры и живописи достигнет в католических странах, прежде всего, в Италии в 17 веке (барокко)

На Русь монументальное искусство пришло из Византии вместе с христианством. Православные храмы неизменно украшались росписями высочайшего духовного напряжения и качества исполнения. Храмовое монументальное искусство было не только украшением . Оно несло в себе глубокий сакральный смысл, представляло как бы связующим звеном между верующим и Богом или богами, между реальным миром и потусторонним. В Древнем Египте росписи, рельефы и статуи обеспечивали хозяину гробницы вечное изобильное существование, были частью погребального обряда, залогом бессмертия.

В христианских храмах стенные и купольные росписи превращали интерьер церкви в особый мир, прекрасный и возвышенный, сопричастный божественному. Традиции монументального и церковного искусства сохранились в православных и католических храмах по наше время. Менялся стиль живописи и скульптуры, но необходимость преобразить интерьер церковного здания в особый чудесный мир, где человек встречается с Богом, остается неизменной.

Иное значение имело монументальное искусство в светской архитектуре – дворцах, общественных зданиях, домах знати. В них на первый план выходили задачи украшения, демонстрации богатства, величия монарха и представителей высших сословий, поддержания престижа страны, города, частного лица. Но и здесь монументальное искусство было призвано преображать мир, уводить от повседневности. Оно, подобно театральной декорации, включалось в церемониальное действие своего рода спектакль жизни, где все должно было соответствовать принятому ритуалу: костюмы, танцы, манера поведения, сервировка стола и т.д.

Монументальное искусство получило широчайшее распространение в 20 веке. И поныне оно исполняет те же функции: украшает и преображает здание, создает особую атмосферу праздничности, исключительности. Яркого расцвета в нашей стране монументальное искусство достигло в 1960 – 70 – е годы. Было создано немало значительных работ – в гостиницах, кафе, на фасадах и в вестибюлях вокзалов, научно – исследовательских институтов, дворцов пионеров, санаториях, театров и кинотеатров. Скульптурные памятники и ансамбли определяли облик городов, способствовали сохранению исторической памяти поколений. Монументальное искусство, как и многие другие виды искусства тех лет, вышло на улицы, обратилось к массам людей, заговорило громко, плакатно, используя как старые техники, так и новые, смело сочетая их (металл, керамика, силикатный кирпич, бетон и т.д.)

Панно, обрамление порталов, торцов зданий, рельефы, росписи и монументально – декоративные скульптурные композиции в интерьерах, придавали архитектурному сооружению уникальность, что было особенно важно в условиях современного города, часто обезличенно – типового. Художники брали темы значительные: покорение космоса, научно – технический прогресс и т.п. В нашем городе существовала своя школа монументального искусства. Художникам удалось создать уникальный ансамбль на месте разрушенного города, ансамбль, обладавший цельностью и гармоничностью. К сожалению, за последние два десятилетия многие памятники монументально – декоративного искусства были уничтожены частными организациями и владельцами, выкупившими некогда общественные здания. Стремление к стандартизации и отсутствие государственных заказов привело к тому, что монументальное искусство оказалось невостребованным. Хочется верить, что новое поколение талантливых дизайнеров в союзе с художниками – монументалистами сможет решить задачу эстетического преобразования городской среды и современной архитектуры.

Каждое время , каждое поколение оставляет в монументальном искусстве частицу самого себя – свое мировосприятие, свои идеалы. Мы входим в реальное пространство Успенского собора в Кремле, в Тронный зал Большого дврца в Петергофе – и нас охватывает, подчиняет себе удивительная атмосфера, созданная талантом мастеров, живших столетия назад. Неразрывные нити связывают нас с прошлым, с историей.

Вопрос 3