Резьба по дереву. Абрамцево.
Абра́мцево-ку́дринская резьба́ — художественный промысел резьбы по дереву, сформировавшийся в конце XIX века в окрестностях подмосковной усадьбы Абрамцево. Возникновение промысла тесно связано с художниками абрамцевского кружка и в первую очередь Е. Д. Поленовой, организовавшей в усадьбе С. И. Мамонтова в 1882 году столярно-резчицкую мастерскую, в которой учились и работали резчики из окрестных сёл: Хотьково, Ахтырка, Кудрино, Мутовки.
При организации мастерской особое внимание уделялось учебной деятельности, созданию и поддержанию творческого настроя среди учеников. Помимо обучения навыкам резьбы в мастерской преподавался рисунок, основы живописи. Проводились занятия в Абрамцевском музее: в усадьбе была собрана большая коллекция предметов народного искусства. Выпускники мастерской получали в подарок инструменты для организации своего дела.
Изделия — ковши, шкатулки, бочата, солонки, декоративные блюда и вазы, покрытые ритмичным растительным орнаментом, отличает разнообразие тонировки, подчёркивающей природную красоту дерева. В основе растительного орнамента лежат не только образцы резных крестьянских изделий и домового декора, но и орнаментальные заставки старопечатных книг. Развитие орнамента кудринских мастеров шло от соединения отдельных элементов — веточек, завитков, розеток — к цельным орнаментальным композициям, покрывающим всё изделие.
развивали промысел мастера и художники разных поколений — В. В. Ворносков, М. В. Артемьев, А. И. Гуляева, З. Н. Бородулина, Т. В. Альхимович, Л. В. Баркан, Н. Н. и Г. И. Симанкины. В настоящее время центр промысла находится в городе Хотьково Сергиево-Посадского района, где работает фабрика резных художественных изделий. Мастеров абрамцевско-кудринской резьбы готовит Абрамцевский художественно-промышленный колледж имени В. М. Васнецова.
Резьба по дереву. Загорск.
В течение нескольких столетий одним из наиболее значительных художественных центров был Сергиев Посад, окружавший знаменитый Троице-Сергиев монастырь. Промысел художественной обработки дерева существует в Сергиевом Посаде с XVI века. В конце XIX века промысел усиленно развивался — мастера из частных мастерских изготавливали игрушки и предметы утилитарного назначения (шкатулки, точеные стаканы, вазочки и др.), декорированные росписью, иногда с позолотой. Наряду с ними в этот период изготавливались изделия, украшенные резьбой и росписью с выжиганием. Московское губернское земство в 1891 году открыло в Сергиевом Посаде учебно-производственные мастерские, в которых с местными кустарями работали такие известные художники, как С.В.Малютин, А.М.Васнецов, В.М.Васнецов, В.И.Соколов. (В.И.Соколов работал в мастерской с 1902 года, затем много лет возглавлял производство. Он создал известный вид загорской росписи в выжиганием по контуру, это сюжетная роспись с изображением замечательной архитектуры лавры, а также ярмарок, пейзажей и т.д. После В.И.Соколова, который много сделал для развития загорского промысла в советское время, его дело продолжили ученики: С.М.Хованский, А.И.Шишкин и др.) Художники предлагали свои эскизы изделий, которые находили сбыт в знаменитом московском Кустарном магазине в Леонтьевском переулке. Не менее важной была и ярмарка у стен Троице-Сергиевой лавры. Таким образом, стиль сергиевской росписи сложился на рубеже веков в результате совместных усилий местных кустарей и московских художников, работавших с ними. В 1910 году в Сергиевом Посаде организуется артель "Кустарь-художник", после революции эта артель объединила почти всех местных мастеров. Позднее артель была преобразована в артель имени РККА. В настоящее время традиции загорской росписи с выжиганием творчески развивают мастера и художники Загорской фабрики №1 в Загорске (ныне Сергиевом Посаде) Московской области. Сергиевские мастера изготавливают мелкие столярные и токарные изделия, декорированные выжиганием. Для загорских (сергиевских) изделий характерно сочетание темного, нанесенного способом выжигания четкого рисунка с яркой раскраской узоров и природным золотистым цветом древесины в фоне. Большое место в ассортименте занимают матрешки и сувениры с изображением памятников архитектуры Сергиевого Посада, Москвы и других городов.
Русская матрёшка
Матрёшка — русская деревянная игрушка в виде расписной куклы, внутри которой находятся подобные ей куклы меньшего размера. Число вложенных кукол обычно от трёх и более. Обычно они имеют форму в виде яйца с плоским донцем и состоят из двух частей: верхней и нижней. По традиции рисуется женщина в красном сарафане и платке. В наше время темы для росписи разнообразны: это сказочные персонажи, девушки, а также семьи. Стали нередки и матрёшки пародийного характера с изображением политических деятелей.
Русская деревянная расписная кукла появилась в России в 90-х годах XIX века, в период бурного экономического и культурного развития страны. Это было время подъёма национального самосознания, когда в обществе всё настойчивее стал проявляться интерес к русской культуре вообще и к искусству в частности. В связи с этим возникло целое художественное направление, известное под названием «русский стиль». Восстановлению и развитию традиций народной крестьянской игрушки уделялось особое внимание. С этой целью в Москве была открыта мастерская «Детское воспитание». Первоначально в ней создавались куклы, демонстрировавшие праздничные костюмы жителей разных губерний, уездов России, и достаточно точно передававшие этнографические особенности женской народной одежды. В недрах этой мастерской и зародилась идея создания русской деревянной куклы, эскизы к которой были предложены профессиональным художником Сергеем Малютиным (1859—1937), одним из активных создателей и пропагандистов «русского стиля» в искусстве. Идея создания разъёмной деревянной куклы была подсказана С. В. Малютину японской игрушкой Дарума, привезённой с острова Хонсю женой С. И. Мамонтова. Это была фигура добродушного лысого старика, мудреца Фукурамы, в которой находилось ещё несколько фигурок, вложенных одна в другую.
Его матрёшка представляла собой круглолицую крестьянскую девушку в вышитой рубашке, сарафане и переднике, в цветастом платке, держащую в руках чёрного петуха.
Русскую деревянную куклу назвали матрёшкой. Сделано это было не случайно. В дореволюционной провинции имена Матрёна, Матрёша считались одними из наиболее распространённых женских имён, в основе которых лежит слово «матерь». Эти имена ассоциировалось с матерью многочисленного семейства, обладавшей хорошим здоровьем и дородной фигурой. Впоследствии оно сделалось нарицательным и стало означать токарное разъёмное красочно расписанное деревянное изделие. Но и по сей день матрёшка остаётся символом материнства, плодородия, поскольку кукла с многочисленным кукольным семейством прекрасно выражает образную основу этого древнейшего символа человеческой культуры.
Первая русская матрёшка, выточенная по эскизам С. В. Малютина лучшим игрушечником из Сергиева Посада В. Звёздочкиным, была восьмиместная. За девочкой с чёрным петухом следовал мальчик, затем опять девочка. Все фигурки отличались друг от друга, а последняя, восьмая, изображала спелёнатого младенца.
Технологию изготовления матрёшки российские мастера, умевшие вытачивать деревянные предметы, вкладывающиеся друг в друга (например, пасхальные яйца), освоили с лёгкостью. Принцип изготовления матрёшки остаётся неизменным до настоящего времени, сохранив все приёмы токарного искусства русских умельцев.[2]
Сначала подбирают подходящий вид древесины. Из-за мягкости в основном выбирают липу, реже ольху или берёзу. Деревья обычно срубают ранней весной, снимают кору, но не полностью, чтобы во время сушки древесина не давала трещин. Затем брёвна складируют и сушат в течение нескольких лет в хорошо вентилируемом месте.
К обработке древесины необходимо приступать тогда, когда она не сухая, но и не сырая. Каждая заготовка проходит более десятка операций. Самую маленькую куклу — неразборную — делают первой.
Когда матрешка готова, приступают к следующей фигурке, в которую войдёт первая. Заготовка необходимой высоты обрабатывается и разрезается на верхнюю и нижнюю части. Первой делается нижняя часть. Затем удаляют древесину изнутри обеих частей второй куклы так, чтобы меньшая кукла плотно вставлялась внутрь. Потом процесс повторяется для куклы бо́льшего размера, в которую войдут две предыдущие и т. д. Количество кукол может быть различным.
В заключение процесса каждую куклу покрывают масляным лаком. После окончательной сушки и полировки художник приступает к раскраске. В качестве красок используется акварель, гуашь, темпера, реже масляные краски. Несмотря на разнообразие красок, мастера по-прежнему отдают предпочтение гуаши.
Каслинское литье.
Каслинское литьё — народный промысел и художественные изделия (скульптуры, предметы декоративно-прикладного искусства, изделия для архитектуры) из чугуна, производящиеся на заводе архитектурно-художественного литья в городе Касли Челябинской области, Россия.
История каслинского литья началась в 1747 году, когда тульский купец Яков Коробков основал на Южном Урале Каслинский железоделательный и чугуноплавильный завод. Место было выбрано богатое чугуном и уникальным качественным формовочным песком, а также древесиной для производства угля.
1860-1890 гг. - время расцвета каслинского чугунного художественного литья. В этот период Каслинский литейный завод получил Малую золотую медаль Вольно-экономического общества в 1860 году; завод участвовал в выставках в Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде, Париже, Лондоне и других городах мира.
Первая Мировая война, Октябрьская революция и Гражданская война в России в начале XX века, Вторая Мировая война негативно сказались на промысле каслинского чугунного литья, а также на его мастерах и изделиях. В последующие годы буквально по крупицам пришлось восстанавливать почти утраченное ремесло и богатейшую коллекцию изделий. Лишь в 1957 году под руководством мастера С. М. Гилева начались работы по восстановлению чугунного павильона, которые продолжались около восьми месяцев. 3 мая 1958 года в одном из залов картинной галереи в Екатеринбурге состоялось открытие восстановленного павильона - символа и вершины искусства работы мастеров каслинского художественного чугунного литья.
Традиции каслинского литья (графическая чёткость силуэта, сочетание тщательно отделанных деталей и обобщённых плоскостей с энергичной игрой бликов, покрытие готовых изделий черной краской особого рецепта — голландская сажа) сложились в XIX веке.
Скульптура по моделям П. К. Клодта, Е. А. Лансере, П.-Ж. Мене[en][2], О. Таёжной, Н. А. Лаверецкого[3], Р. И. Баха и его двух сыновей Р. Р. Баха и Н. Р. Баха, М. Д. Канаева[4], а также местных мастеров - В. Ф. Торокина и других.
Великоустюжская чернь.
Великоустю́жское черне́ние по серебру́ — русский народный художественный промысел, сложился в XVII веке в Великом Устюге(ныне — районный центр в Вологодской области). Заключается в украшении черненёнными рисунками различных серебряныхизделий (например, портсигаров, подстаканников, столовых и посудных наборов).
В изделии гравируются, чеканятся или протравливаются небольшие углубления.
В получившийся узор вплавляют сплав, состоящий из серебра, меди, свинца и серы .
Устюгское чернение всегда довольно ощутимо отличается от работ московских и петербургских мастеров: большой вес имеет сюжетная гравюра; рисунок весьма насыщенный, с гораздо более густым цветом. Выполненный штрихами фон образует своего рода сетку. Часто изображение дополняется резными или чеканными деталями. В большинстве случаев изображается общий абрис объекта, без мелкой детализации.
Чернение на Руси появилось в X веке, однако широкое развитие получило только в XVII.А со второй половины XVII века Великий Устюг занимает в этом искусстве ведущее положение в России.
Наибольшего расцвета искусство чернения в Великом Устюге достигает в XVIII веке, а к его середине относится и первое упоминание об устюжском чернении в официальных бумагах: устюжанина Михаила Климшина (по другим источникам — Климушкина) вызывают в столицу, для «для обучения оного мастерства московских жителей от купечества».
С середины XVIII века в устюжских работах начинает ощущаться влияние распространённого в то время в Европе барокко. Характерные для мастеров Устюга сложные сюжетные композиции оформляются пышным обрамлением. Популярность приобретают охотничьи и пасторальные сюжеты.
Но уже с 80-х годов XVIII века в работах начинают превалировать сюжеты, характерные для строгого классицизма, в соответствии, с канонами которого оформление становится также гораздо строже, часто используются практически документальные изображения городов и даже географических карт.
Наряду с этими изменениями происходят и другие: один из известных мастеров того периода, Жилин, заменяет использование лучеобразно расходящихся линий на сплошной узор из маленьких звёзд и букетиков.
В середине XIX века в произведениях ведущих мастеров (например, М. И. Кошкова) часто используется сплошь покрывающий поверхность изделия растительный узор, с использованием резких контрастов. Однако к концу XIX века, частные ремесленники Великого Устюга оказались не в состоянии конкурировать с крупными столичными фабриками, что ознаменовало закат устюжского чернения.
устюжская чернь
Ростовские эмали.
Способы изготовления украшений на основе финифти долгие века передавались из поколения в поколение. За определением ростовская финифть стоят целые династии потомственных мастеров. Во-вторых, само происхождение этого народного промысла – чистое, духовное. Изначально (когда финифть была не ростовской, а, скорее, московско-петербургской) ею декорировали церковную утварь. Затем финифтью стали украшать праздничные одежды священнослужителей. Позже этот промысел из столицы перекочевал в Ростов, ставший духовным центром нашей страны. Финифтью стали расписывать иконки для паломников – это было не только красиво, но и практично: закалённая эмаль совершенно не портилась от солнца, влаги и пыли. Маленькие образки с ликами святых разъезжались из Ростова во все концы света. И лишь затем этот филигранный декор перешёл на серебряные украшения, бонбоньерки, ароматницы, медальоны.
В XVIII веке ростовским центром выпуска финифти стал Яковлевский монастырь. И сам монастырь, и слобода при нём изготавливали чудесной красоты иконы из расписной эмали. Заслышав о промысле Яковлевского монастыря, сюда стали устремляться лучшие живописцы того времени, желавшие послужить людям и улучшить таким образом свою судьбу. Так благодаря финифти Ростов стал городом выдающихся художественных талантов. Говорили, что обилие праведных людей начало творить в городе настоящие чудеса. Здесь исцелялись больные люди, воссоединялись семьи, появлялись долгожданные дети. В итоге не проходило ни дня, чтобы в город не прибыли очередные паломники. Дошло до того, что в Ростове побывала сама государыня-императрица Екатерина II. Этот визит – исторический факт: он был связан с чествованием святителя Димитрия, в чудесное влияние которого императрица искренне верила. Она даже унесла из монастыря финифтевый образок с изображением Димитрия Ростовского.
После Октябрьской революции, когда другие народные промыслы, связанные с религией, были преданы забвению, ростовская финифть сумела выжить. После 1917 года производство не застопорилось ни на один месяц! Ростовчане нашли выход: они стали выпускать украшения из серебра с финифтью – эстетичные изделия всё с тем же самобытным витиеватым почерком. Женщины стали носить в расписных медальонах портреты любимых, мужчины – кольца с изображением русских городов. А на ростовские ювелирные украшения равнялись фабрики всей страны. Шкатулка с финифтью стала самым желанным подарком для дамы, а представители сильного пола любили расписные табакерки. Все умения, приобретённые мастерами за годы изготовления мирских украшений (как-никак это 70 лет), применяются и совершенствуются по сей день. Вот почему уникальная ростовская бижутерия, создаваемая этим методом, сегодня не имеет себе аналогов во всём мире.
О технологии изготовления ростовской финифти можно рассказать лишь в общих чертах. Поскольку этот народный промысел – самое настоящее таинство, досконально известное только опытному мастеру. В целом процесс выглядит так. Лист меди режется на пластинки требуемой формы. Затем медь выбивают, делая будущее изделие выпуклым. После этого медную пластинку в несколько слоёв покрывают белой непрозрачной эмалью (эмаль предварительно смешивается с водой в строго определённой пропорции). После этого оборотную сторону пластинки тоже покрывают эмалью (на этот раз достаточно одного слоя). Благодаря этому ходу пластинка не утратит своей формы. Затем будущее изделие поступает в печь на просушивание. Сушится оно при температуре от 700 до 800 градусов Цельсия. Именно благодаря этой процедуре эмаль и приобретает гладкую поверхность и блеск, характерный для готовой финифти. Основа для рисунка готова. Наступает пора покрыть лицевую часть пластинки огнеупорной краской и снова отправить пластинку на просушивание. Саму краску мастер должен выбрать предельно точно: при обжиге она изменит цвет. К тому же все краски имеют собственную температуру плавления, это тоже придётся учесть. Для создания многоцветных изделий картинка на эмали дорисовывается и обжигается вплоть до 7 (!) раз. Последний этап – помещение пластинки в ювелирную оправу (если речь идёт об украшении).
Сегодня у каждого есть возможность приобрести самобытную и неповторимую ростовскую финифть. Купить украшения, в основе которых лежит расписная эмаль, можно прямо на сайте. Гарнитуры, колье, заколки, броши – всё это авторские изделия, в которые ростовские мастера вложили свой талант и умение. Сегодня такие украшения называют штучным товаром. То есть эксклюзивным предметом, который больше нигде не найти. Изделия, созданные с любовью в самом сердце Ростова, вы найдёте в колонке слева. Мы уверены: среди этих колье, зеркал, подвесок непременно найдётся та самая вещь, которая станет вашей своеобразной семейной реликвией.
43. Русский лубок.
Лубок – народная картинка, отличающаяся доходчивостью образа и предназначенная для массового распространения. Всего лишь сто лет назад его можно было встретить повсюду: в крестьянских избах, трактирах и дорожных станциях, усадьбах и городских квартирах, в небольших церквушках и монастырях. Лубок любили, покупали, дарили, коллекционировали! Существовали картинки самого разнообразного содержания – сказочного, сатирического, балагурного, религиозного, исторического, наставительного, учебного…
Первые лубки появились на Руси в конце XVII – начале XVIII века. Они вырезались на деревянных липовых досках, отсюда и пошло их название («луб» – верхний твёрдый слой древесины). В XIX веке лубочные картинки уже печатали огромными тиражами с медных досок или литографским способом (печать с камня). Раскрашивали же отпечатанные лубки ручным способом, от тщательности раскраски зависела цена лубка. Иногда целые деревни участвовали в этом процессе: женщины, дети, старики. Работал своеобразный конвейер – каждый накладывал свой цвет.
