А. Головин - мастер театральной декорации.
Головин Александр Яковлевич (1863-1930) - русский театральный художник, живописец. Режиссеры, которым приходилось работать с Александром Головиным, знали, что он никогда не сделает эскизы декораций и костюмов в срок. Однако они вновь и вновь обращались к нему с просьбой оформить спектакль. В начале XX века, пожалуй, не было в России более популярного театрального художника, чем Головин. Он как бы аккумулировал в своем творчестве лучшее из опыта передвижников и новейшие искания представителей самых разных художественных течений, стал подлинным реформатором театрально-декорационного искусства. Многие его работы имели просто ошеломляющий эффект. Например, один из его современников вспоминал, что в 1916 году во время премьеры спектакля "Гроза" по пьесе А. Островского в Александрийском театре (его поставил Вс. Мейерхольд, а оформил А. Головин), когда открылся занавес перед картиной оврага, "зала сразу застонала от рукоплесканий, декорации аплодировали дружно, положительно весь театр, такое сильное впечатление произвела эта декорация".А в начале 1917 года, когда состоялась премьера "Маскарада" М. Лермонтова, над оформлением которого А. Головин работал более пяти лет, юный Сергей Эйзенштейн, один из величайших кинорежиссеров XX века, назвал декорации Головина непревзойденными. Многие увидели тогда в них "пышные похороны императорской России".Александр Головин был открыт для творческого сотрудничества с самыми разными людьми, ему посчастливилось работать с такими почти полярными по театральной эстетике режиссерами, как Вс. Мейерхольд и К. Станиславский, он никогда ничего не декларировал, но всегда оставался верен самому себе. Внутреннее художественное чутье никогда ему не изменяло. Неповторимое приложение нашел талант Александра Головина в декоративно-прикладном искусстве. Вместе с К. Коровиным он оформил русский павильон на Всемирной парижской выставке 1900 года, создал вместе с Е. Поленовой и М. Якунчиковой внутреннее убранство кустарно-прикладного отдела, а вместе с Врубелем выполнил майоликовые фризы для фасада московской гостиницы "Метрополь".Удивительны написанные Головиным в 90-е годы портреты - его первой жены, А. Карзинкина и др.В 1900 году Александр Головин начал создавать декорации для театральных постановок. Его, как и чуть раньше К. Коровина, пригласил в Большой театр новый управляющий Московской конторой Императорских театров В. Теляковский. Головин и Коровин, которые, как утверждают некоторые современники, в свое время участвовали в оформлении спектаклей Частной оперы Мамонтова, где ценились богатство и эмоциональность живописных решений, практически сломали консерватизм привычных, стандартных композиций "раскрашенных" декораций. Предложенные ими живописные декорации были непосредственно связаны с музыкой и не уступали ей по силе эмоционального воздействия. Первой самостоятельной работой Головина стали костюмы и декорации к опере "Ледяной дом" А. Корещенко. Эта работа, как и выполненное Головиным совместно с Коровиным оформление балетов "Дон Кихот" Л. Минкуса и "Лебединое озеро" П. Чайковского не были поняты современниками. Пресса считала декорации "недоделанными", художников обвинили в том, что они не умеют рисовать так, как прежние декораторы-классики.Критики признали А. Головина только после того, как он оформил оперу Н. Римского-Корсакова "Псковитянка", где декорации создавали лаконичный, подлинно драматический пластический фон для действия. Именно после этой постановки Головин сблизился с С. Дягилевым и "Миром искусства", членом которого стал в 1902 году. Будучи консультантом по художественным вопросам, А. Головин преобразовал постановочную часть петербургских театров и начал сам участвовать в создании драматических и музыкальных спектаклей.В одних его работах, например, в оформлении "Русалки" А. Даргомыжского и "Волшебного зеркала" А. Корещенко, на первый план выходит декоративное начало, в других, например, в эскизах декораций к поставленным в 1905 и 1907 годах пьесам Ибсена, чувствуется воздействие стиля модерн. Реальное и декоративное начала выступают как равноправные образные системы.Подлинным триумфом стало для А. Головина оформление в 1908 году оперы Ж.Бизе "Кармен". Художник не только создал неповторимые, новые для каждого действия костюмы главных персонажей, но и очень тщательно разработал цветовое решение одежды всех участников спектакля. Это была настоящая симфония цвета. "Стихотворениями в тряпках" назвали их современники. Именно в это время, вдохновленный работой над оперой "Кармен", Головин создал целую серию "Испанок" и необыкновенно жизненный, полный таинственного света портрет М. Кузнецовой-Бенуа в роли Кармен. Александр Головин скончался 17 апреля 1930 года в Детском Селе, оставив потомкам столько раз оживавший на сцене, а теперь застывший в эскизах удивительный, сказочный мир своих живописных фантазий. Сегодня Головина называют отцом современного театрально-декорационного искусства.
37. Б. Кустодиев. Своеобразие сюжетов и стилизаторских приемов
Борис Кустодиев во многих своих лучших полотнах сумел показать иллюзию. Он создал мир грез о провинциальной России, мир красивой и яркой фантазии, уходящей корнями в детство и юность этого замечательного мастера.
Родившийся и выросший в Астрахани, девятилетний Борис однажды увидел выставку художников-передвижников. Потрясенный до глубины души их удивительным и притягательным мастерством, мальчик решил, что обязательно станет живописцем. В пятнадцать лет Кустодиев начал заниматься у художника Власова, по совету которого тремя годами позже он отправился в Петербург и поступил в Академию художеств. Некоторое время спустя наставником Бориса стал знаменитый мастер кисти Илья Репин, высоко оценивший дарование молодого художника и пригласивший его принять участие в совместном написании группового портрета «Торжественное заседание Государственного Совета». Параллельно с этой большой работой Борис Кустодиев создал ряд прекрасных портретов, один из которых принес его автору золотую медаль Международной выставки в Мюнхене Поиски собственного творческого стиля постепенно привели живописца к идее изображения мира российской провинции в его парадной, праздничной ипостаси. Глубокая любовь Бориса Михайловича к Поволжью стала отправной точкой для формирования обширного ряда образов, отражающих некое идеализированное бытие, героями которого становились купцы и купчихи, извозчики и дворники, простые горожане и крестьяне. Чистые, веселые краски, декоративность нарядов и интерьера, сочно выписанные натюрморты и тщательно прорисованные детали придавали картинам Бориса Кустодиева сходство с лубком – искусством, близким народному восприятию. Сюжеты произведений живописца также становились своеобразным отражением смутной народной мечты о сытости и довольстве, о бесконечном светлом празднике, где нет, и не может быть места грубой реальности. Словно сама провинциальная, сонная, купеческая Россия, бездумно улыбаясь, смотрела на зрителя с полотен Бориса Михайловича. Глубоко и проницательно видевший косность и застойность этого мира, художник изображал многих своих персонажей с мягким незлобным юмором, лишь подтверждающим его неизменную любовь к ним. На революцию 1905 года Борис Кустодиев отреагировал серией аллегорических рисунков, отражающих остроту исторического момента. Кустодиев успевал уделять время и сокровенному, продолжая с ностальгической влюбленностью воссоздавать жизнь старой России во множестве картин, акварелей, рисунков. Он варьировал на разные лады темы масленицы в картинах «Балаганы» (1917), «Масленица» (1919), «Зима. Масленичное гулянье» (1921) и даже в своем замечательном портрете Федора Шаляпина фоном сделал все то же гулянье. Живописал тихую жизнь провинции в «Голубом домике», «Осени», «Троицыном дне» (все 1920). В картинах «Купчиха за чаем» (1918), «Купчиха с зеркалом» (1920), «Русская Венера» (1925-26) продолжил галерею женских типов, начатую в давней «Купчихе». Выполнил серию из 20 акварелей «Русские типы» (1920) и воскресил с максимальной достоверностью собственное детство в ряде картин, а также в серии «Автобиографические рисунки» (1923) - подобной Пушкинским зарисовкам.
Однако вскоре нашему герою пришлось отправиться на лечение в Швейцарию в связи с тяжелым заболеванием спинного мозга. Лечение не помогло, и Борис Михайлович вернулся на родину. Болезнь прогрессировала. В 1916 году наступил полный паралич ног. Несмотря на это, художник продолжал с увлечением работать. Революцию 1917 года он принял радостно, искренне надеясь на положительные перемены в общественной жизни страны. В послереволюционные годы Борис Кустодиев трудился над произведениями на новые для него темы. Он создавал рисунки для календарей, иллюстрации к книгам, эскизы оформления улиц, занимался изготовлением марок, дизайном почтовой бумаги, пропагандистскими плакатами.Всю свою жизнь, оставаясь в душе большим ребенком, идеализирующим окружающую действительность, Борис Михайлович Кустодиев был искренне уверен в том, что красота способна спасти мир и перевоспитать человека. Он умер в 1927 году в холодной и темной петроградской квартире, работая над эскизом триптиха «Радость труда и отдыха»...
38. З. Серебрякова. Монументальное и камерное в стилизации.
Зинаиды Евгеньевны Серебряковой(1884-1967)Зинаида Серебрякова родилась 28 ноября 1884 года в родовом имении «Нескучное», под Харьковом. Ее отец был известным скульптором. Мать происходила из семьи Бенуа, и в молодости была художником-графиком. Ее братья были не менее талантливы, младший был архитектором, а старший мастером монументальной живописи и графики.Своим художественным развитием Зинаида в первую очередь обязана своему дяде Александру Бенуа - брату матери и старшему брату В 1900 году Зинаида закончила женскую гимназию и поступила в художественную школу, основанную княгиней М. К. Тенишевой.В 1902-1903 годах во время поездки в Италию она создала множество набросков и этюдов. После свадьбы молодые отправились в Париж. Здесь Зинаида посещает Академию де ла Гранд Шомьер, много работает, рисует с натуры.Через год молодые возвращаются домой. В Нескучном Зинаида напряжённо работает — создает этюды, портреты и пейзажи. В самых первых работах художницы, уже можно разглядеть ее собственный стиль, определить круг ее интересов. В 1910 году Зинаиду Серебрякову ждет настоящий успех.В 1910 году, на 7-й выставке русских художников в Москве, Третьяковская галерея приобретает автопортрет «За туалетом» и гуашь «Зеленя осенью». Ее пейзажи великолепны - чистые, яркие тона красок, совершенство техники, небывалая красота природы.Расцвет в творчестве художницы происходит в 1914—1917 годах. Зинаида Серебрякова создала серию картин, посвященных русской деревне, крестьянскому труду и русской природе - «Крестьяне», «Спящая крестьянка».В картине «Беление холста» раскрылся яркий талант Серебряковой как художника-монументалиста. В 1916 году А. Н. Бенуа была поручена роспись Казанского вокзала в Москве, он привлек к работе и Зинаиду. Художница занялась темой стран Востока: Индия, Япония, Турция. Она аллегорически представила эти страны в виде прекрасных женщин. Одновременно она начала работу над композициями на темы античных мифов. Особую роль в творчестве Зинаиды Серебряковой занимают автопортреты.Во время гражданской войны, муж Зинаиды был на изысканиях в Сибири, а она с детьми в «Нескучном». Переехать в Петроград казалось невозможно, и Зинаида отправилась в Харьков, где нашла работу в Археологическом музее. Ее родовое имение в «Нескучном» сгорело, погибли все ее работы. Позже умер Борис. Обстоятельства заставляют художницу оставить Россию. Она отправляется во Францию. Все эти годы художница жила, в постоянных мыслях о муже. Она написала четыре портрета мужа, которые хранятся в Третьяковской галереи и Новосибирской картинной галереи.В 20-х годах Зинаида Серебрякова вернулась с детьми в Петроград, в бывшую квартиру Бенуа. Дочь Зинаиды Татьяна начала заниматься балетом. Зинаида, вместе с дочерью посещают Мариинский театр, бывают и за кулисами. В театре Зинаида постоянно рисовала. В 1922 году она создала портрет Д. Баланчина в костюме Вакха. Творческое общение с балеринами на протяжении трёх лет отразилось в изумительной серии балетных портретов и композиций.Семья переживает тяжелые времена. Серебрякова пробовала писать картины на заказ, но у нее ничего не получилось. Она любила работать с натурой.В первые годы после революции, в стране началась оживлённая выставочная деятельность. В 1924 году Серебрякова стала экспонентом большой выставки русского изобразительного искусства в Америке. Все представленные ей картины были проданы. На вырученные деньги, она решается ехать в Париж, чтобы устроить выставку и получить заказы. В 1924 году она уезжает.Годы, проведенные в Париже, не принесли ей радости и творческого удовлетворения. Она тосковала по родине, стремилась отразить свою любовь к ней в своих картинах. Ее первая выставка прошла лишь в 1927 году. Заработанные деньги она высылала матери и детям.В 1961 в Париже ее навещают два советских художника – С. Герасимов и Д. Шмаринов. Позже в 1965 году, они устраивают для неё выставку в Москве. В 1966 году состоялась последняя, большая выставка произведений Серебряковой в Ленинграде и Киеве В 1967 году в Париже в возрасте 82 лет Зинаида Евгеньевна Серебрякова скончалась.
40)Борисов-Мусатов – крупнейший мастер эпохи русского серебряного века. Живописец-станковист, график. Создатель символических композиций, пейзажей и портретов, эскизов декоративных панно, мастер художественной постановочной фотографии.
Творчество художника, пришедшееся на период перелома ХIХ –ХХ веков определяет вторую волну русского символизма и модерна. Для этого этапа художественных поисков характерно стремление к обобщению опыта предшествующих исканий, более последовательное освоение опыта европейского искусства. Борисов-Мусатов создатель картин – элегий, в которых пришел к синтезу станкового и монументального начал. Он справедливо считается творцом уникальной авторской художественной системы и первым среди мастеров «волжской школы» (П.Кузнецов, П.Уткин, К.Петров-Водкин),
Борисов-Мусатов создал относительно небольшое количество законченных произведений, но каждое из них определяет важный этап в его творческого развития. Наиболее важным этапом в сложении живописной системы Борисова-Мусатова является период его обучения в Париже. В 1895 он отправился в Париж, где посещал мастерскую Ф. Кормона и получил сильное впечатление от монументальной живописи символиста Пюви де Шаванна.
Большое значение для него имело изучение мастеров раннего и высокого
Вслед за непродолжительным периодом пленэрно-импрессионистических экспериментов, художник обратился к поиску форм синтеза. Таким образом, импрессионистический опыт преломляется в его сознании сквозь призму декоративных тенденций.
По возвращении в Россию в 1897 году художник пытался создать символистическую композицию «Maternite», от процесса работы над которой остались этюды. Свет понимался художником в этот период как некая духовная энергия, пробуждающая материю к высшему существованию.
Своего рода попыткой сформулировать авторского кредо воспринимается «Автопортрет с сестрой».
После ряда экспериментов в области композиций романтического характера «Гармония», «Осенний мотив», «Мотив без слов», художник отказывается от сюжетной фабулы.
Каждое лето с 1897 Борисов-Мусатов проводил в Саратове, работая над этюдами с натуры. В эти годы он познакомился с П.Кузнецовым, П.Уткиным, А.Матвеевым, К.Петровым-Водкиным – будущими мастерами «Голубой Розы». Самые известные произведения созданы в 1901 – 1905 годах.
Сюжеты его картин не поддаются однозначной аллегорической или литературной трактовке. Они погружают зрителя в очарованное созерцание жизни формы, в самодостаточную жизнь символа. Они раскрываются подобно тому, как мы восхищаемся великими произведениями искусства прошлого, не зная их смыслового содержания. Это мир прекрасного сновидения, полупрозрачным покровом застилающий мир реальный. Три центральные темы русского Серебряного века, заглянувшего в тайны души человека, природы, прошлого, слились в его картинах в драгоценный сплав.
Этот мир художественной гармонии, неподвластен времени. В отличие от конкретного исторического адреса ретроспективных картин К.А.Сомова и А.Н.Бенуа, сюжеты произведений Борисова-Мусатова навеяны идеальными воспоминаниями о "прекрасной эпохе". Эстетические грезы о прошлом художника окрашены в неповторимые оттенки светлой меланхолии.
Не тоска по прошлому, а ознаменование некой прекрасной реальности существующий вне времени в душе мастера. Заброшенные парки населены Прекрасными Дамами. Поэтический культ Вечной женственности, ставший центральной темой русского поэтического символизма, получил в творчестве художника последовательное воплощение. Его музой становится отвлеченный идеал прекрасной дамы минувших веков, в котором угадываются черты его современниц. Он пишет «Ценю я такую женщину, к которой применимо выражение: «Она является охраной душ». Я верю в русскую женщину, надеюсь, что среди них есть души идеальные». Мир созданный Борисовым-Мусатовым в живописи находит многочисленные переклички в творчестве поэтов-символистов А.Блока, А.Белого, И.Анненского, К.Бальмонта и даже у акмеиста О.Мандельштама. Околдованные музыкальными созвучиями линий и красок, героини Борисова-Мусатова погружены в вечное созерцание окружающего их храма природы. Постоянными моделями художника были женщины его ближайшего окружения: сестра Елена Мусатова, жена художника Елена Александрова и др. Но на полотнах художника их портретные черты растворены внутренним светом души. Борисов-Мусатов часто во время размышлений над композицией пользовался фотографией, впоследствии полностью уходя от непосредственной передачи натуры. Эти фотографии теперь воспринимаются как самостоятельная область творчества художника.
Для Борисова-Мусатова большую роль сыграла встреча с опустевшими «дворянскими гнездами» в окрестностях Саратова. Усадьбы стали мистическим пространством, своего рода элисейскими полями, в которых обитают души их прежних обитателей. В окружении руин сильнее ощущается присутствие гения места. Образы усадеб стали призрачными чертогами авторского мифа художника.
Сильным художественным импульсом явилась портретная галерея усадьбы Слепцовка, но излюбленным фоном для его композиций становятся дом и парк усадьбы Зубриловка, имение князей Голициных-Прозоровских, образами которых навеяны композиции «Гобелен» и «Водоем». Впоследствии саратовские усадьбы сменило подмосковное Введенское.
Период зрелого творчества художника приходится на первое пятилетие ХХ века. Впервые в 1901 году экспонирует картину «Гобелен». Весной 1903 года женится на художнице Елене Александровой. В декабре того же года семья переезжает в Подольск. В декабре 1904 года родилась дочь Мариамны.
С 1904 Борисов-Мусатов – член Союза русских художников, в Германии состоялась его персональная выставка. В 1905 году художник экспонирует свои полотна на парижском салоне, участвует в выставках Московского товарищества художников и Союза русских художников.
Наиболее известные картины художника составляют как бы части симфонии, сплетаются подобно венку сонетов, продолжают друг друга. Главные полотна художника, созданные с 1901 по 1904 год: "Гобелен", "Водоем", "Призраки", "Изумрудное ожерелье".
Мастер предпочитал работать темперными красками, часто обнажая зернистую текстуру холста, уподобляя изображение тканому гобелену. Тем самым он добивался двойственного ощущения эфемерности изображения и многослойности прозрачной живописи. Живопись уподоблялась истлевающей от воздействия времени поверхности тканого гобелена, краски которого поблекли. Плотные поверхности вещей стирались, обнажая духовную подоснову явлений.
В последний год жизни у Борисова-Мусатова появилась надежда реализовать свои замыслы в декоративных монументальных росписях. Он создал эскизы декоративных панно на тему времен года: «Весенняя песнь», «Летняя мелодия», «Осенний вечер», «Сон божества» для оформления гостиной построенного Ф.Шехтелем особняка Дерожинской. Техника акварели прекрасно передавала призрачные тона будущих фресок. К сожалению, эти замыслы не удалось воплотить.
Последние полгода, живя в Тарусе под Москвой, художник создал ряд пейзажей «Осенняя песнь», работал над композицией «Венки васильков».
Смерть прервала работу над большой графической картиной в технике акварели «Реквием», посвященная памяти одной из муз художника, безвременно ушедшей Надежде Станюкович. Страдая от тяжелой травмы позвоночника, Борисов-Мусатов переносил мучительные операции, что стало причиной ранней смерти в октябре 1905. Похоронен на кладбище в Тарусе. На могиле художника в 1910 году был установлен памятник «Спящий мальчик» работы скульптора А. Матвеева.
Подлинное признание художника началось только после его смерти, но уже художники-символисты "Голубой розы" ощущали себя его преемниками.
39)В 1904 году Николай Константинович написал первые из своих картин, сюжетами которых стали легенды и образы русских святых. В начатую тогда серию вошел один из вариантов картины "Ангел последний" (1912), посвященной явлению Армагеддона. Рассматривая творчество Рериха, неоднократно приходится сталкиваться с "многовариантностью" полотен. Возвращение к уже использованному сюжету объясняется не только желанием Николая Константиновича добиться большей художественной убедительности, но и стремлением дополнить, уточнить идейное содержание картины. Всегда обращаясь к истокам, будь-то легенды, народные предания, сказки, религиозная философия, Рерих в своих работах настаивает на цельности восприятия мира, на тесном единстве человека и природы, на реальности образов духовного мира. Не примитивными представлениями о язычестве веет от его работ "Дочь викинга" (1910), "Человечьи праотцы" (1911), "Три радости" (1916) или эскизов к декорациям оперы "Снегурочка" (1908) и балета "Весна священная" (1910-1913). В этом идеальном мире древних царит удивительная гармония, поддержанная исключительным даром художника в композиции.
"…каждое произведение Н.К. поражает гармоничностью в сочетании всех своих частей, - пишет Е.И.Рерих, - и эта гармоничность и дает основу убедительности. Ничего нельзя отнять или добавить к ним, все так, как нужно. Эта гармония формы, красок и мастерства выполнения и есть дар, присущий великому творцу. Произведения Н.К. дороги мне и красотою мысли, выраженной им в таких величественных, но простых и порой глубоко трогательных образах"[3].
Благодаря огромной трудоспособности, Николай Константинович создал более чем семь тысяч художественных произведений. И это при том, что он значительное количество времени отдавал культурно-просветительской, экспедиционной и литературной работе. Изучая древнюю историю, участвуя в археологических раскопках, испытывая постоянное тяготение к природе, живописец стремился дать художественную концепцию «несравненно самобытной былой природы», русского исторического прошлого. Особенно остро Рерих чувствовал «прямую противоположность» природы и современного города: «Город, выросший из природы, угрожает теперь природе, город, созданный человеком, властвует над человеком», - писал он.
Путь к духовному обновлению жизни многие мыслители видели в возвращении к природе. Идеи Руссо приобрели в XIX веке еще больший смысл. В России Лев Толстой звал к «опрощению»; в Индии Махатма Ганди сделал домашнюю прялку символом спасения; во Франции художник Поль Гоген в поисках «первобытного рая» бежал из Европы на остров Таити; в Англии философ Джон Рёскин, идейный вдохновитель художников-прерафаэлитов, требовал, чтобы при сооружении железных дорог сообразовывались с окружающим пейзажем; американские кантианцы-трансценденталисты (Р.У. Эмерсон, Г. Торо, Т. Паркер и другие) связывали свои духовные искания с природой.
Рерих задумывает живописный цикл под названием Начало Руси. Славяне, в котором задается целью показать гармоническое слияние древнего человека с природой. Тему для картины Гонец. «Восста род на род» художник нашел в Повести временных лет - первой русской летописи, составленной в XII веке монахом Киево-Печерского монастыря Нестором. ...Рог золотого месяца появился из-за густого леса и осветил мрак ночи, вырвав из темноты высокий холм, похожий на муравейник, глухие жилища на нем, обнесенные высоким частоколом, тихую гладь реки и лодку с сидящим в ней стариком и стоящим гребцом... Состояние, полное тревоги, вызывает возникшее видение.
Картина написана под несомненным влиянием Куинджи (мотив Лунной ночи), но внимание любителей искусства особенно привлекло сказавшееся в ней мироощущение. Неожиданным оказался и выбор сюжета. На полотне Рериха предстали безымянные герои древней истории Умер Рёрих в Кулу 13 декабря 1947. Музей Рёриха был открыт в 1924 в Нью-Йорке. В Москве же (помимо специального отдела искусства Н.Н. и С.Н. Рёрихов в Музее искусства народов Востока) с 1992 существует Международный центр Рёрихов со своим собственным музеем.