Культура и социальные отношения в средневековье.

ОБЩЕЕ РАЗВИТИЕ ИСКУССТВА В ИТАЛИИ

СОСТОЯНИЕ ИСКУССТВА НАКАНУНЕ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

Готическое искусство существовало в Италии только в качестве искусства, занесенного извне; за ним сохранилось название германской архитектуры, и это название говорит, во всяком случае, об его чужеземном происхождении.

Заимствуя у готики ее приемы и применяя их в строительстве из кирпича, итальянцы пользуются ими все же с чрезвычайной осторожностью. Аркбутан, являвшийся существенным элементом архитектуры по ту сторону Альп, едва известен итальянцам: в конструкции сводов они довольствуются античными приемами или же прибегают к затяжкам.

В деталях у них встречаются мотивы, чуждые духу готики: стрельчатые арки, выложенные кладкой напуском по наружной поверхности, или же (рис. 373, А) стрельчатые арки, линии швов кладки которых пересекаются в одном центре. Если Италия лишена богатства готической архитектуры, зато она не знает и заблуждений готики: ее декоративные элементы сохраняют простоту, связанную с воспоминаниями об античности. Кампо Санто в Пизе, собор во Флоренции (рис. 373, В) служат образцами строгости итальянского стиля в то время, когда французская архитектура вступает на путь увлечения «пламенеющим» стилем. Некоторые памятники, как баптистерий во Флоренции (рис. 374), заставляют еще в глубине средневековья предчувствовать веяния лучшей поры ренессанса.

Примечание: Флорентийская крещальня XII в. является одним из главных памятников проторенессанса. См. о ней К. Swоbоda. Das Florentiner Baptisterinm, 1918, и его же статью в «Kunstwissenschaftliche Forschungen», II, 1933.

   

Существенное отличие итальянской готики от французской заключается в том, что, в то время как во Франции форма служит лишь выражением конструкции, в Италии декоративные элементы являются украшением, накладываемым на остов здания уже после его постройки. В Италии, как и у античных римлян, конструкция и декоративные элементы строго различаются, настолько, что мы иногда видим, как после окончания постройки большого здания только еще объявляется конкурс на проект капители или карниза. В старых дворцах Болоньи или Сиены (рис. 373, А) стены построены из кирпича, а орнаменты сделаны из терракоты и почти всегда установлены после окончания постройки.

Иногда фасад, возведенный вчерне, покрывается второй, декоративной, стеной, в которую вводятся мраморные инкрустации, более или менее повторяющие византийскую облицовку церкви св. Виталия или св. Марка. Так декорированы верхние поверхности стен в Милане, Болонье, Флоренции, Орвието, Сиене.

Эта независимость орнаментации от остова здания делала итальянскую готику изменчивой в самой ее сущности. Декорация, нисколько не связанная с конструкцией, чрезвычайно легко поддается требованиям вкуса и извращениям моды. Эту чисто поверхностную орнаментацию итальянцы в средние века обрабатывали в готическом стиле.

Когда же в XIV в., благодаря Поджо и Петрарке, античность снова завоевывает себе признание, архитектуре не приходится прибегать к коренной перестройке: она так же
легко делается римской, как прежде была готической, — изменяется только ее оболочка. В Италии ренессанс сводится только к изменениям в системе декорирования, во Франции же он встретит препятствие в самой системе традиционного строительства.

Глава 2. Самые яркие представители немецкого Возрождения

Питер Брейгель

С наступлением эпохи Возрождения в Европе, сначала в Италии (Джотто, Лоренцетти — XIV век), а затем в Нидерландах (Ян ван Эйк, Боутс, Гертген тот Синт Янс — XV век.) и других европейских странах, религиозные сцены в живописи стали насыщаться яркими бытовыми деталями. В XV веке появились изображения трудового народного быта в миниатюре (братья Лимбург во Франции), гравюре (Шонгауэра в Германии), светских росписях (Косса в Италии). В итальянской живописи XVI века бытовой жанр начал постепенно отделяться от религиозных жанров(венецианцы — Карпаччо, Джорджоне, Бассано). Гораздо интенсивнее бытовой жанр обособлялся в Нидерландах (Массейс, Лука Лейденский, Питер Брейгель), изображая конкретные особенности поведения и бытовую среду людей разных общественных слоёв.

  Брейгель (точнее Брёгел) Старший или “Мужицкий” (Bruegel de Oude, Boeren Brueghel) Питер (около 1525/30–1569), нидерландский живописец и рисовальщик. В 1552-1553 посетил Италию, работал в Антверпене, с 1563 - в Брюсселе. Глава демократического направления в нидерландском искусстве XVI века, Брейгель с громадной силой и полнотой воссоздавал в своем творчестве жизнь, настроения и мироощущение народа в канун Нидерландской буржуазной революции. От сатирических нравоучительных рисунков, изобилующих фантастическими причудливыми персонажами в духе Иеронима Босха, от дробных по композиции, колористически пестрых полотен (“Битва Масленицы и Поста”, Питер Брейгель Старший заложил основы развития национального нидерландского пейзажа.        
   
   
   
   
   


Творчески переработав уроки итальянской живописи эпохи Высокого Возрождения и одновременно черпая многие свои темы из народных пословиц и притч, лубочных гравюр и листовок, Брейгель создавал глубоко народное искусство, опирающееся на местные традиции и фольклор. В творчестве Питера Брейгеля органично сплавились грубоватый народный юмор и сложное иносказание, лиризм и трагичность, острая жизненная наблюдательность и фантастический гротеск, интерес к бытовым деталям, подробной повествовательности и стремление к широкому обобщению, к созданию гармоничной картины мира. В исполненные строгой гармонии, выдержанные в землистых, серо-зеленых, желтовато-коричневых оттенках ландшафтные виды с бескрайними просторами равнин, речных долин, с холмами и перелесками Питером Брейгелем гибко и естественно вписаны обобщенные силуэтные фигуры населяющих их людей (“Сумрачный день”, “Возвращение стад”, “Охотники на снегу” – все 1565, Музей истории искусств, Вена).

Ясное и трагическое осознание неизбежности судьбы и времени, чувство грандиозности мироздания и понимание истинного места человека в нем, делают Брейгеля одним из величайших мудрецов в искусстве Северного Возрождения. Отмеченное исключительной широтой и глубиной понимания жизненных явлений, мощное и темпераментное творчество Брейгеля оказало громадное влияние на современное ему нидерландское искусство и заложило основы развития искусства Голландии и Фландрии в XVII веке.

Питер Пауль Рубенс

Всех фламандских художников объединяло стремление запечатлить реальную жизнь, полную движения и бесконечного разнообразия. Связанные в своем творчестве с заказами каталической церкви и знатных дворян, фламандские живописцы часто обращались к религиозным и мифологическим сюжетам. Они писали также многочисленные портреты и сцены народных празднеств, пейзажи и натюрморты. Причем все их полотна объединяет стремление к героичности образов, к широкому размаху композиций, сочной и звучной красочности. Фламандская живопись XVII в.— подлинный гимн силе и мужеству человека, богатству и красоте природы.

В творчестве Питера Пауля Рубенса все эти особенности искусства Фландрии проявились наиболее отчетливо и ярко. Круг его тем необычайно широк и созданные им образы составляют целый мир, наполненный борьбой и страстями. Великий русский художник И. Е. Репин, восхищавшийся Рубенсом, писал: «Трепет и блеск органической жизни никому другому не удалось вызвать на полотне с такой силой и яркостью красок, как Рубенсу».

Первые годы своей творческой жизни Рубенс провел в Италии, где быстро завоевал известность. Вернувшись в 1608 г. на родину, он стал придворным живописцем испанского наместника во Фландрии. Перегруженный заказами на украшение различных дворцов и церквей, он начинает работать с большой группой помощников-учеников. До сих пор сохранился в Антверпене дом (превращенный ныне в музей), который был мастерской и жилищем художника.

Рубенс был одним из самых образованных людей своей эпохи. Он глубоко знал и любил античную литературу и искусство, свободно владел несколькими современными и древними языками. Правители Фландрии, зная его выдающийся ум и блестящий дар слова, не раз давали ему дипломатические поручения. Но главным для Рубенса всегда было искусство. Известен такой любопытный рассказ современника. Однажды в Лондоне один придворный, увидев, что посол Фландрии Рубенс стоит за мольбертом, удивленно спросил: «Господин посол развлекается живописью?» На это Рубенс ответил: «Напротив, это скорее художник развлекается иногда ролью посла».

В сотнях рубенсовских картин встает перед нами яркий, красочный мир. Его герои — это люди мужественные и энергичные; красота была для художника неразрывно связана с силой и здоровьем. Он умел мастерски соединять на полотне многочисленные фигуры, находить красноречивые позы и жесты. Каждая деталь в его картинах связана с общим замыслом. В своей живописной технике Рубенс пользовался лессировкой, т. е. писал тонкими слоями полупрозрачных, жидко разведенных красок, просвечивающих одна из-под другой. Этим Рубенс достигал удивительного богатства оттенков, одновременно объединяя их общим золотистым колоритом. Все в его картинах чрезвычайно конкретно и почти осязаемо: гладкость человеческой кожи и шелковистость волос, различные ткани и блеск металла, прозрачная глубина воздуха и совсем иная прозрачность текущей воды.

На произведениях великого мастера учились и продолжают учиться многие поколения художников. Особенно велико было его влияние на современных ему фламандских живописцев.

Веласкес

Испанская живопись достигает вершины в творчестве Диего Родригес де Сильва Веласкеса (Diego Rodriguez de Silva Velazquez) (1599—1660), одного из величайших реалистов европейского искусства. Через долгие годы придворной службы Веласкес пронес идеи гуманизма, верность демократической традиции испанской культуры, любовь к простым людям. Более непосредственно и смело, чем его предшественники-живописцы, испанский художник обратился к реальной действительности, расширив тематику живописи, способствуя развитию в ней различных жанров. Испанский двор и аристократия ожили в его портретах со своей гордостью, грустью, своими пороками, напряженной жизнью страстей. В мифологических и жанровых картинах Веласкес показал национально-самобытные образы испанского народа.
Сила творчества Веласкеса — в глубине психологического анализа и чеканной отточенности характеристик. В своих портретах он не льстил моделям, но представлял каждого в индивидуальной неповторимости, национальной и социальной характерности. Своеобразие метода Веласкеса проявилось в эмоциональной сдержанности, с которой он стремился раскрыть в целостном единстве существенные черты характера, душевного и умственного склада человека в их сложности и противоречиях.
Диего Родригес де Сильва Веласкес — один из первых мастеров валерной живописи. Серые тона его картин переливаются множеством оттенков, черные легки и прозрачны. Яркие теплые тона, холодные голубые, темные почти всегда озарены ровным светом и образуют сдержанные тонкие гармонии. Виртуозный мазок разнообразен. Валеры не только обогащают цвета, которыми пользовался Веласкес, но и моделируют формы, окутывают их мерцающей световоздушной средой. Достоинства колорита сочетаются в картинах Веласкеса с ясностью и величественной простотой композиции, чувством меры.

В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид, где жил около 40 лет; он получил место придворного живописца короля Филиппа IV. Карьера придворного при самом чопорном и консервативном дворе Европы подчинила его жизнь жесткому церемониалу дворцового уклада. Вместе с тем здесь, при дворе, Веласкес освобождался от необходимости писать по заказам церкви, что ставило его в особое положение среди современников.
Веласкес смело расширил границы бытового жанра, насыщая его содержательностью. В картине «Вакх» («Пьяницы», 1628—1629, Мадрид, Прадо) Веласкес обратился к мифологической теме, но интерпретировал ее в бытовом аспекте. Бытовой жанр приобретает новое звучание. Написанный в мастерской, пейзаж хранит следы условности, он не связан с фигурами, формы которых пролеплены контрастной светотенью. Но тонкость серебристо-перламутровых, сиреневатых тонов тела Вакха, оттененных розово-красным плащом, предвосхищает зрелую живописную манеру Веласкеса.

Рококо (франц. rococo, от rocaille - мелкий дробленый камень, раковины) - европейский художественный стиль первой половины 18 века, возникший в рамках позднего барокко. Зародился во Франции, наибольшее распространение получил в период царствования Людовика XV, оказав влияние на искусство других стран.

Наиболее заметно стиль рококо проявился в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, преимущественно связан с убранством дворцовых интерьеров.

Отличительными чертами стиля рококо стали асимметрия, обильный декор, светлая цветовая палитра. В числе излюбленных орнаментальных мотивов рококо - стилизованные раковины, растительные завитки, головки амуров, псевдокитайские орнаменты и т. п. Рококо предпочитает дробные, мелкие формы.

В декоративно-прикладном искусстве рококо большое внимание уделялось специфике различных блестящих и бликующих материалов - бронзы, золота, шелка, бисера и т. д. Большое распространение получили изделия из фарфора (мелкая пластика, декоративные украшения и т. п.).

В изобразительных искусствах - скульптуре, живописи, графике - рококо свойствен особый круг сюжетов. Это идиллические сцены из жизни пастухов и пастушек (пасторали), галантные сцены и мифологические сюжеты, нередко с игривым, эротическим оттенком.

В живописи влияние рококо проявилось в творчестве французских художников Н. Ланкре, Ф. Буше и др. Их произведения отличались декоративностью и изысканной цветовой гаммой. В целом стиль рококо представляет камерное, интимное искусство, принимающее изящные и причудливые формы.

В Россию живописные традиции европейского стиля рококо проникли вместе с западными художниками, которые служили при дворе, занимались педагогической деятельностью в Академии. Влияние стиля проявилось в частности в портретной живописи Антропова и Рокотова.

Классицизм

художественный стиль в европейском искусстве XVII - начала XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства как к идеальному эстетическому эталону. Продолжая традиции Возрождения (преклонение перед античными идеалами гармонии и меры, вера в мощь человеческого разума), классицизм был также его своеобразной антитезой, так как с утратой ренессансной гармонии, единства чувства и разума была утрачена и тенденция эстетического переживания мира как гармонического целого. Такие понятия, как общество и личность, человек и природа, стихия и сознание, в классицизме поляризуются, становятся взаимоисключающими, что сближает его (при сохранении всех кардинальных общемировоззренческих и стилистических различий) с барокко, также проникнутым сознанием всеобщего разлада, порождённого кризисом ренессансных идеалов. Обычно различают классицизм XVII в. и XVIII - начала XIX вв. (последний в зарубежном искусствознании часто именуется неоклассицизмом), но в пластических искусствах тенденции классицизма наметились уже во второй половине XVI в. в Италии - в архитектурной теории и практике Палладио, теоретических трактатах Виньолы, С. Серлио; более последовательно - в сочинениях Дж. П. Беллори (XVII в.), а также в эстетических нормативах академистов болонской школы. Однако в XVII в. классицизм, развивавшийся в острополемическом взаимодействии с барокко, лишь во французской художественной культуре сложился в целостную стилевую систему. В лоне французской художественной культуры преимущественно формировался и классицизм XVIII в., ставший общеевропейским стилем. Лежащие в основе эстетики классицизма принципы рационализма (те же, что определили философские идеи Р. Декарта и картезианства) обусловили взгляд на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни. Эстетической ценностью в классицизме обладает лишь непреходящее, неподвластное времени. Придавая огромное значение общественно- воспитательной функции искусства, классицизм выдвигает новые этические нормы, формирующие образ его героев: стойкость перед жестокостью судьбы и превратностями бытия, подчинение личного общему, страстей - долгу, разуму, верховным интересам общества, законам мироздания. Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы определила и нормативность требований эстетики классицизма, регламентацию художественного правил, строгую иерархию жанров - от "высоких" (исторический, мифологический, религиозный) до "низких", или "малых" (пейзаж, портрет, натюрморт); каждый жанр имел строгие содержательные границы и чёткие формальные признаки. Закреплению теоретических доктрин классицизма способствовала деятельность основанных в Париже Королевских. Академий - живописи и скульптуры (1648) и архитектуры (1671).

Архитектуре классицизма в целом присущи логичность планировки и геометризм объёмной формы. Постоянное обращение архитекторов классицизма к наследию античной архитектуры подразумевало не только использование её отдельных мотивов и элементов, но и постижение общих законов её архитектоники. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах более близкий к античности, чем в зодчестве предыдущих эпох; в постройках он употребляется таким образом, что не затемняет общую структуру сооружения, но становится её тонким и сдержанным аккомпанементом. Интерьеру классицизма свойственны ясность пространственных членений, мягкость цветов. Широко используя в монументально-декоративной живописи перспективные эффекты, мастера классицизма принципиально отъединяли иллюзорное пространство от реального. Градостроительство классицизма XVII в., генетически связанное с принципами Возрождения и барокко, активно развивало (в планах городов-крепостей) концепции "идеального города", создало свой тип регулярного абсолютистского города-резиденции (Версаль). Во второй половине XVIII в. складываются новые приёмы планировки, предусматривающие органическое соединение городской застройки с элементами природы, создание открытых площадей, пространственно сливающихся с улицей или набережной. Тонкость лаконичного декора, целесообразность форм, неразрывная связь с природой присущи постройкам (преимущественно загородным дворцам и виллам) представителей палладианства XVIII - начало XIX вв.

Тектонической ясности архитектуры классицизма отвечает чёткая разграниченность планов в скульптуре и живописи. Пластика классицизма, как правило, рассчитана на фиксированную точку зрения, отличается сглаженностью форм. Момент движения в позах фигур обычно не нарушает их пластической замкнутости и спокойной статуарности. В живописи классицизма основные элементы формы - линия и светотень (особенно в позднем классицизме, когда живопись порой тяготеет к монохромности, а графика - к чистой линеарности); локальный цвет чётко выявляет предметы и пейзажные планы (коричневый - для ближнего, зелёный - для среднего, голубой - для дальнего планов), что приближает пространственную композицию живописного произведения к композиции сценической площадки.

Основоположником и крупнейшим мастером классицизма XVII в. был французский художник Н. Пуссен, картины которого отмечены возвышенностью философско-этического содержания, гармоничностью ритмического строя и колорита. Высокое развитие в живописи классицизма XVII в. получил "идеальный пейзаж" (Пуссен, К. Лоррен, Г. Дюге), воплотивший мечту классицистов о "золотом веке" человечества. Формирование классицизма во французской архитектуре связано с отмеченными ясностью композиции и ордерных членений постройками Ф. Мансара. Высокие образцы зрелого классицизма в архитектуре XVII в. - восточный фасад Лувра (К. Перро), творчество Л. Лево, Ф. Блонделя. Со второй половины XVII в. французский классицизм вбирает в себя некоторые элементы архитектуры барокко (дворец и парк Версаля - архитекторы Ж. Ардуэн-Мансар, А. Ленотр). В XVII - начале XVIII вв. классицизм сформировался в архитектуре Голландии (архитекторы Я. ван Кампен, П. Пост), породившей особенно сдержанный его вариант, и в "палладианской" архитектуре Англии (архитектор И. Джонс), где в творениях К. Рена и др. окончательно сложился национальный вариант английского классицизма. Перекрёстные связи с французским и голландским классицизмом, а также с ранним барокко сказались в коротком блестящем расцвете классицизма в архитектуре Швеции конца XVII - начала XVIII вв. (архитектор Н. Тессин Младший).

Живопись романтизма

К основным особенностям романтического стиля надо отнести игровую стихию, которая растворяла эстетические рамки классицизма; обостренное внимание ко всему своеобычному и нестандартному (причем особенному не просто отводилось место во всеобщем, как это делал барочный стиль или предромантизм, но переворачивалась сама иерархия общего и единичного); интерес к мифу и даже понимание мифа как идеала романтического творчества; символическое истолкование мира; стремление к предельному расширению арсенала жанров; опору на фольклор, предпочтение образа понятию, стремления — обладанию, динамики — статике; эксперименты по синтетическому объединению искусств; эстетическую интерпретацию религии, идеализацию прошлого и архаических культур, нередко выливающуюся в социальный протест; эстетизацию быта, морали, политики.
В изобразительном искусстве романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, менее отчетливо — в скульптуре и архитектуре (напр., ложная готика). Большинство национальных школ романтизма в изобразительном искусстве сложилось в борьбе с официальным академическим классицизмом. Развиваясь во многих странах, романтизм повсюду приобретал яркое национальное своеобразие, обусловленное местными историческими традициями и условиями. Наиболее последовательная романтическая школа сложилась во Франции, где художники, реформируя систему выразительных средств, динамизировали композицию, объединяли формы бурным движением, использовали яркий насыщенный колорит и широкую, обобщенную манеру письма (живопись Т. Жерико, Э. Делакруа, О. Домье, пластика П.Ж. Давида д'Анже, А.Л. Бари, Ф. Рюда). В Германии и Австрии раннему романтизму свойственны пристальное внимание ко всему остроиндивидуальному, меланхолически-созерцательная тональность образно-эмоционального строя, мистико-пантеистические настроения (портреты и аллегорические композиции Ф.О. Рунге, пейзажи К.Д. Фридриха и Й.А. Коха), стремление возродить религиозный дух немецкой и итальянской живописи 15 в.(творчество назарейцев); своеобразным сращением принципов романтизма и "бюргерского реализма" стало искусство бидермейера (творчество Л. Рихтера, К. Шпицвега, М. фон Швинда, Ф.Г. Вальдмюллера). В Великобритании романтической свежестью живописи отмечены пейзажи Дж. Констебла и Р. Бонингтона, фантастичностью образов и необычностью выразительных средств – работы У. Тёрнера, привязанностью к культуре средневековья и Раннего Возрождения – творчество мастеров позднеромантического движения прерафаэлитов Щ.Г. Россетти, Э. Бёрн-Джонса, У. Морриса и др.). В других странах Европы и Америки романтическое движение было представлено пейзажем (живопись Дж. Иннесса и А.П. Райдера в США), композициями на темы народного быта и истории (творчество Л. Галле в Бельгии, Й. Манеса в Чехии, В. Мадараса в Венгрии, П. Михаловского и Я. Матейко в Польше и др.).


Реализм

Во Франции реализм связывается прежде всего с именем Курбе, который, правда, отказывался от наименования реалиста. Реализм в искусстве, несомненно, связан с победой прагматизма в общественном сознании, преобладанием материалистических взглядов, господствующей ролью науки. Обращение к современности во всех ее проявлениях с опорой, как провозглашал Эмиль Золя, на точную науку стало основным требованием этого художественного течения. Реалисты заговорили четким, ясным языком, который пришел на смену «музыкальному», но зыбкому и смутному языку романтиков.

Во французской живописи реализм заявил о себе ранее всего в пейзаже, на первый взгляд наиболее отдаленном от общественных бурь и тенденциозной направленности жанра. Реализм в пейзаже начинается с так называемой барбизонской школы, с художников, получивших в истории искусства такое название по имени деревушки Барбизон недалеко от Парижа. Собственно, барбизонцы — это понятие не столько географическое, сколько историко-художественное. Некоторые из живописцев, например, Добиньи, вообще не приезжали в Барбизон, но принадлежали к их группе по своему интересу к национальному французскому пейзажу. Это была группа молодых живописцев — Теодор Руссо, Диаз делла Пенья, Жюль Дюпре, Констан Тройон и др.—которые приехали в Барбизон писать этюды с натуры. Картины они завершали в мастерской на основе этюдов, отсюда законченность и обобщенность в композиции и колорите. Но живое ощущение натуры в них оставалось всегда. Всех их объединяло желание внимательно изучать природу и правдиво ее изображать, однако это не мешало каждому из них сохранять свою творческую индивидуальность. Теодор Руссо (1812—1867) тяготеет к подчеркиванию вечного в природе. В его изображении деревьев, лугов, равнин мы видим вещественность мира, материальность, объемность, что роднит произведения Руссо с пейзажами великого голландского мастера Рейсдала. Но в картинах Руссо («Дубы», 1852) есть чрезмерная детализация, несколько однообразный колорит в отличие от Жюля Дюпре (1811—1889), например, который писал широко и смело, любил светотеневые контрасты и с их помощью создавал напряжение, передавал тревожное ощущение и световые эффекты, или Диаза делла Пенья (1807—1876), испанца по происхождению, в пейзажах которого так искусно передано солнечное освещение, лучи солнца, проникающие сквозь листву и дробящиеся на траве. Констан Тройон (1810— 1865) в свои изображения природы любил вводить мотив животных, соединяя таким образом пейзажный и анималистической жанр («Отправление на рынок», 1859). Из более молодых художников барбизонской школы особого внимания заслуживает Шарль Франсуа Добиньи (1817—1878). Его картины всегда выдержаны в высветленной палитре, что сближает его с импрессионистами: спокойные долины, тихие реки, высокие травы; его пейзажи наполнены большим лирическим чувством («Деревня на берегу Уазы», 1868).

Критический реализм как новое мощное художественное течение активно утверждает себя и в живописи жанровой. Его становление в этой области связано с именем Гюстава Курбе (1819—1877). Как справедливо писал Лионелло Вентури, ни один художник не вызывал такой ненависти мещан к себе, как Курбе, но и ни один не оказал такого влияния на живопись XIX в., как он. Реализм, как его понимал Курбе, является элементом романтизма и был сформулирован еще до Курбе: правдивое изображение современности, того, что видит художник. Больше всего наблюдал и лучше всего знал Курбе обитателей своего родного Орнана, деревень его местности Франш-Конте, поэтому именно жители этих мест, сцены из их жизни и послужили для Курбе теми «портретами своего времени», которые он создал. Простые жанровые сцены он умел трактовать как возвышенно-исторические, и незатейливая провинциальная жизнь получила под его кистью героическую окраску.

Родившись в 1819 г. на юго-западе Франции, в зажиточной крестьянской семье местечка Орнан, Курбе в 1840 г. перебирается в Париж, чтобы «завоевать его». Он много работает самостоятельно, копирует старых мастеров в Лувре и овладевает ремеслом живописи. В Салоне 1842 г. он дебютирует «Автопортретом с черной собакой», в 1846 г. пишет «Автопортрет с трубкой». В последнем он изображает себя на бледно-красном фоне, в белой с серо-зелеными тенями рубашке и серой куртке. Красноватое лицо с каким-то оливковыми тенями обрамляют черные волосы и борода. Вентури говорит, что живописная сила Курбе здесь не уступает тициановской; лицо полно неги, лукавства, но и поэзии и изящества. Живопись широкая, свободная, насыщенная светотеневыми контрастами.

Этот период творчества овеян романтическим чувством («Влюбленные в деревне». Салон 1845; «Раненый», Салон 1844 г.). Революция 1848 г. сближает Курбе с Бодлером, издававшим журнал «Благо народа» (он просуществовал, правда, очень недолго), и с некоторыми будущими участниками Парижской коммуны. Художник обращается к темам труда и нищеты. В его картине «Дробильщики камней» (1849—1850; утеряна после Второй мировой войны) нет социальной остроты, никакого протеста мы не читаем ни в фигуре старика, вся поза которого как будто выражает смирение перед судьбой, ни молодого парня, согнутого под тяжестью ноши, но есть несомненно сочувствие к доле изображенных, простая человеческая симпатия. Само обращение к подобной теме было задачей социального плана.

Для Курбе пластическая форма воплощается в объеме, и объем вещей для него важнее их силуэта. В этом Курбе приближается к Сезанну. Он редко строит свои картины в глубину, его фигуры как бы выступают из картины. Форма Курбе не опирается ни на перспективу, на на геометрию, она определяется прежде всего колоритом и светом, которые лепят объем. Главным средством выражения Курбе был цвет. Его гамма очень строга, почти монохромна, построена на богатстве полутонов. Тон у него изменяется, становится все интенсивнее и глубже при утолщении и уплотнении красочного слоя, для чего часто Курбе заменяет кисть шпателем.

Художник достигает прозрачности света в полутонах не так, как обычно это делали лессировками, а при помощи наложения плотного слоя краски одна рядом с другой в определенной последовательности. Каждый тон приобретает свой свет, их синтез сообщает поэтичность любому изображенному Курбе предмету. Таким он остается почти в каждой своей вещи.

Он уделяет огромное внимание передаче реального ощущения пространства, проблеме освещения. В зависимости от освещения меняется гамма. Это изображения скал и ручьев родного Франш-Конте, моря у Трувилля («Ручей в тени», 1867, «Волна», 1870), в которых все построено на градациях прозрачных тонов. Реалистическая живопись Курбе во многом определила дальнейшие этапы развития европейского искусства.

Прерафаэлиты

Прерафаэлиты (англ. Pre-Raphaelites) — направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Название «прерафаэлиты» должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело: Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини. Самыми видными членами прерафаэлитского движения были поэт и живописец Данте Габриэль Россетти, живописцы Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле, Мэдокс Браун, Эдвард Бёрн-Джонс, Уильям Моррис, Артур Хьюз, Уолтер Крейн, Джон Уильям Уотерхаус.

Первым этапом развития прерафаэлитизма было возникновение так называемого «Братства прерафаэлитов», состоявшего первоначально из семи «братьев»: Дж. Э. Милле, Холмана Ханта (1827—1910), Данте Габриэля Россетти, его младшего брата Майкла Россетти, Томаса Вулнера и живописцев Фредерика Стивенса и Джеймса Коллинсона.

Так зарождается идея создания секретного общества, названного Братством прерафаэлитов — общества, находящегося в оппозиции по отношению к официальным художественным течениям. В группу с самого начала были приглашены также Джеймс Коллинсон (студент Академии и жених Кристины Россетти), скульптор и поэт Томас Вулнер, молодой девятнадцатилетний художник и впоследствии критик Фредерик Стивенс и младший брат Россетти Уильям Россетти, который по стопам старшего брата поступил в художественную школу, но особенного призвания к искусству не проявлял и, в конце концов, стал известным художественным критиком и писателем. Мэдокс Браун был близок немецким назарейцам, поэтому он, разделяя идеи Братства, отказался присоединиться к группе.

На картине Россетти «Юность Девы Марии» впервые появляются три условные буквы P. R. B. (англ. Pre-Raphaelite Brotherhood), этими же инициалами были отмечены «Изабелла» Милле и «Риенци» (англ. Rienzi) Ханта. Члены Братства также создали свой собственный журнал, под названием «Росток», хотя он просуществовал лишь с января по апрель 1850 года. Его редактором стал Уильям Майкл Россетти (брат Данте Габриэля Россетти).

Поначалу прерафаэлиты предпочитали евангельские сюжеты, причём избегали в живописи церковного характера и трактовали Евангелие символически, придавая особое значение не исторической верности изображаемых евангельских эпизодов, а их внутреннему философскому смыслу. Так, например, в «Светоче мира» Ханта в виде Спасителя с ярким светильником в руках изображён таинственный божественный свет веры, стремящийся проникнуть в закрытые человеческие сердца, как Христос стучится в дверь человеческого жилища.

Прерафаэлиты привлекают внимание к теме общественного неравенства в Викторианскую эпоху, эмиграции (творчество Мэдокса Брауна, Артура Хьюза), приниженного положения женщины (Россетти), Холман Хант даже затронул тему проституции в своей картине «Проснувшаяся стыдливость» (англ. The Awakening Conscience, 1853 г.). На картине - падшая женщина, которая вдруг поняла, что грешит, и, забыв о своем любовнике, освобождается из его объятий, как будто услышав какой-то зов через открытое окно. Мужчина не понимает её духовных порывов и продолжает игру на фортепиано. Здесь прерафаэлиты не были первопроходцами, их предвосхитил Ричард Редгрейв со своей знаменитой картиной «Гувернантка» (1844). И позже, в 40-е годы, Редгрейв создал много подобных произведений, посвященных эксплуатации женщин.

Прерафаэлиты занимались и историческими темами, добиваясь величайшей точности в изображении фактических подробностей; обращались к произведениям классической поэзии и литературы, к творчеству Данте Алигьери, Уильяма Шекспира, Джона Китса. Они идеализировали Средневековье, любили средневековую романтику и мистику.

Прерафаэлитизм как художественное направление широко известен и популярен в Великобритании. Его также называют первым британским течением, достигшим мировой славы, однако, среди исследователей значение оценивается по-разному: от революции в искусстве до чистого новаторства в технике живописи. Существует мнение, что движение начиналось с попытки обновления живописи, а имело в дальнейшем большое влияние на развитие литературы и всей английской культуры в целом. Согласно Литературной энциклопедии, в виду своего утонченного аристократизма, ретроспектизма и созерцательности их творчество мало воздействовало на широкие массы.

Несмотря на кажущуюся обращённость в прошлое, прерафаэлиты содействовали утверждению стиля модерн в изобразительном искусстве, более того, их считают предшественниками символистов, порой даже отождествляя тех и других. Например, что выставка «Символизм в Европе», перемещавшаяся с ноября 1975 по июль 1976 года из Роттердама через Брюссель и Баден-Баден в Париж, приняла за исходную дату 1848 год — год основания Братства. Поэзия прерафаэлитов повлияла на творчество французских символистов Верлена и Малларме, а живопись — на таких художников, как Обри Бердслей, Уотерха

Наши рекомендации